lunes, 30 de septiembre de 2013

Jacky Terrasson


Nacido casualmente en Berlín, pero con residencia en Francia y de madre norteamericana, a los 12 años descubre la discoteca de jazz que esta poseía. Estudia piano clásico en el prestigioso Lycee Lamartine, y ya influenciado por el jazz que ha estado escuchando y por ciertos padrinazgos que le hacen conocer a fondo los trabajos de Bud Powell, continúa sus estudios en el Berklee College de Boston.
En 1997, y gracias a su amistad con Javon Jackson realiza su primera grabación para el sello Blue Note con un disco que llevará su mismo nombre, el cual es producido por Betty Carter. En una meteórica carrera, gana el prestigioso premio para pianistas "Monk Competition". Ello supone un cambio sustancial en sus relaciones con la casa Blue Note, que mejora considerablemente el contrato al artista y desde ese momento lo considera su "niño mimado". El pianista desarrolla su arte musical impactando a todos los oyentes. Demuestra ser un maestro en el arte de la improvisación, y posee además una especial elegancia y exuberancia en sus interpretaciones, con innovaciones armónicas y melódicas. Su obra personal se desarrolla fundamentalmente en la formación de trío, acompañado por bajo y batería. 

Aparte de sus obras personales, plasmadas en múltiples grabaciones, participa con innumerables artistas de jazz de gran talla como son Betty Carter, Leon Parker, Okegwo, Dianne Reeves, Dee Dee Bridgewater, o con Cassandra Wilson con la que graba el disco "Rendevous" en 1997. Entre sus obras son a destacar las siguientes:"Reach, Alive" ( con Parker y Okegwo), "Kindred", "Á Paris" o "Smile" que en el año 2002 es considerado por el Herald Tribune una de las 10 mejores obras musicales del año. Los premios de Jacky Terrrasson son innumerables tanto en Estados Unidos como en Europa (especialmente en Francia).
También realiza obras para películas y una obra poco conocida, compleja, que ocupa dos largos CDs, pero espléndida,"Armistice", que entra en el campo de la investigación sonora, en la cual no falta ni la poesía, el canto coral, ni estructuras propias de la llamada música clásica contemporánea, sin olvidar al jazz. La Obra es un alegato contra la Guerra, y un "in memoriam" a los caídos en la Gran Guerra de 1914 a 1918 y los desastres que esta conllevó. Sin duda ha sido y es su obra, hasta la fecha, más ambiciosa y arriesgada, pero que marcará huella en el futuro.
En este año 2007 realiza su primera grabación a solo al piano con composiciones propias y algún "standard".
Hoy, Terrasson es solicitado para actuar en los clubes, festivales de jazz y las salas de conciertos más prestigiosos del Mundo.

domingo, 29 de septiembre de 2013

Jack Teagarden


Destacado trombonista, y excelente cantante de la era del swing, Jack Teagarden, tuvo la fortuna de nacer en el seno de una familia de origen alemán que eran grandes amantes de la música; su padre fue cornetista aficionado, y la madre una pianista destacada. Pronto comenzó a estudiar el trombón, instrumento que dominaba casi a la perfección a los diez años. En 1918 su familia se trasladó a Nebraska y allí actuó en una sala de fiestas hasta que un nuevo traslado de su familia, ahora a Oklahoma, lo apartó momentáneamente de los escenarios.

Teagarden se independizó pronto de la familia y se marcho a Texas para alternar el trabajo en un cine con el de músico en fiestas y bandas locales. En 1921, formó parte de un cuarteto en el "Horn Palace Inn" cerca de San Antonio, y continuación, en 1921, dirigió su propio trío en el "Juree Hotel" de Shreveport. Entre septiembre de 1921 y abril de 1923, estuvo en Galveston con los "Peck's Bad Boys" del mítico pianista,Peck Kelley. En 1924, recorrió Oklahoma y otros Estados americanos con los"Southern Trumpeters" de R.J.Martin, y mas adelante con la "Deep River Orchestra"del pianista, Willard Robinson, con la que llegó a actuar en el "Baltimore Hotel" de Kansas City. En diciembre de 1924, entró en el grupo del baterista, Doc Ross, denominado "Doc Ross and His Jazz Bandits" donde permaneció hasta 1927 cuando se traslado a New York reclamado por el director de orquesta, Herman Mher.

En julio de 1928, Jack Teagarden, tuvo su primer contrato importante al entrar, en Atylantic City, en la orquesta del popular Ben Pollack, con quien estuvo hasta 1933. En mayo de ese año, se marchó a Chicago alternando con varias orquestas locales, y en 1934, firmó otro gran contrato con la orquesta de Paul Whiteman, donde estuvo como primer trombonista cuatro años. En Febrero de 1939, concluida su etapa con Whiteman, Teagarden, formó una banda de swing con la que debutó en publico en elHotel Lincoln de New York. En aquella formación estuvieron también, Charlie Spivak, Lee Casttle y Jack Russin. Aquel periodo duró hasta 1946 cuando disolvió su bigband y formó un sexteto con su hermano y Sidney Catlett entre otros. Con ese sexteto llegó a actuar en el famoso club de New York: "The Famous Door".

Cansado de la responsabilidad de liderar un grupo, en 1947, tomó una trascendental decisión en su carrera: se unió a los celebres "All Stars" de Louis Armstrong, con los que debutó en el Festival de jazz de Niza en 1948 y en otros países europeos durante 1949. En Septiembre de 1951, dejó a Armstrong y formó otro "All Stars" a imagen y semejanza del que tenía Louis, con el que permaneció activo hasta 1956. Un breve paréntesis para volver con Ben Pollack, y en 1957, viajó de nuevo a Europa durante ocho meses con la misma formula de "All Stars". La gira se prolongó a Asia y el Extremo Oriente (1958-1959) y de vueltas a los Estados Unidos, con una salud algo deteriorada, participó en el Festival de jazz de Newport, y en otros eventos similares, hasta que en 1964, en la habitación de su hotel en New Orleáns, falleció a consecuencia de una bronconeumonía.

Jack Teagarden, fue uno de los grandes músicos de jazz. Su marca de fabrica era cantar el blues de manera lánguida, como el consideraba que era su estado de animo natural. Su fraseo, espontáneo y sentimental, su sentido del swing y su cálida sonoridad eran inconfundibles. Para muchos, Jack Teagarden fue el mejor cantante de la era del swing.
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sábado, 28 de septiembre de 2013

Nilson Matta


Nilson Matta es quizás el bajista y compositor brasileño más importante de la actualidad. Está afincado en la ciudad de Nueva York desde 1985. También es conocido por su trabajo con Trio Da Paz, Don Pullen African Brazilian Connection, Joe Henderson, Yo Yo Ma y Nilson Matta's Brazilian Voyage.
Os dejo una sublime versión de la archiconocida "Manha de Carnaval" del disco "Black Orpheus" gracias al trabajo al piano de Kenny Barron.

viernes, 27 de septiembre de 2013

Soren Bebe



"Bebe sin duda pertenece a la tradición de los pianistas líricos que va de Erroll Garner y Bill Evans a través de Keith Jarrett. Bebe se suma a la tradición lírica del piano en una sensación de simplicidad folk."
All About Jazz (EE.UU.)

jueves, 26 de septiembre de 2013

Mamie Smith

La cantante Mamie Smith (1883-1946) pasó a la historia de la música por ser la primera cantante de blues en grabar un disco. Los pormenores de aquella historia forma parte de la leyenda. El 14 de febrero de 1920, Fred Hager, productor de discos del sello Okeh, alquiló un estudio neoyorquino para grabar a una cantante de variedades blanca. Sin embargo, la cantante en cuestión no apareció. Entonces, el director de orquesta Perry Bradford, que estaba por allí con una de sus cantantes, una mujer negra llamada Mamie Smith, especialista en la interpretación de temas de vaudeville mezclados con algunos blues para conmover al público, decidió proponer a Hager que lo hiciera con esta última. Ante esta situación crítica, y como último recurso, Hager aceptó la sugerencia de Bradford y, para no perder el día de alquiler del estudio, grabó a Mamie Smith. "Crazy blues", uno de los diez temas de aquella histórica sesión, obtiene un extraordinario éxito al venderse en menos de un mes mas de 50.000 copias, un numero jamás alcanzado en aquella época.


Si bien desde el punto de vista histórico, el papel de Mamie Smith, es sumamente importante, desde el punto de vista artístico, su sitio es relegado a una segunda fila tras ser claramente superada en calidad por sus sucesoras y coetáneas, Gertrude "Ma" Rainey y sobre todo por la gran Bessie Smith. Mamie, debutó profesionalmente muy joven en dos espectáculos musicales el "Four Dancing Mitchelles" y el "Smart Set" de Tutt Whitney. En 1913 llegó por primera vez a New York donde frecuentó con asiduidad todos los locales musicales de Harlem, hasta que en 1920 conoció al Director de Orquesta, Perry Bradford que la llevaría a grabar el primer disco de blues de la historia y la lanzaría a la fama entre el publico negro. Los productores de "Okeh"sorprendidos por el extraordinario éxito de ventas, se percataron del filón que suponía llegar a las masas negras a través del disco y con Mamie Smith nació las conocidas"Race Records", grabaciones hecha por negros y para negros que en los primeros años del siglo XX tuvieron un éxito extraordinario en aquella sociedad americana racista.

Aquel éxito hizo que Mamie Smith frecuentara clubes, locales de música, estudios de grabación y hasta protagonizó algunas películas, siendo la mas famosa de ellas, la realizada en 1939 y titulada "Paradise in Harlem". Mamie Smith, no tenía una voz brillante, ni su personalidad en el escenario era arrolladora, pero tuvo la habilidad de hacer fortuna y ser una de las personalidades habituales de las crónicas frívolas de New York. La Gran Depresión de 1929, la sumió en la ruina y a pesar de algunos tímidos e infructuosos intentos por recuperar su carrera, murió en 1946 en el "Harlem Hospital" de New York olvidada por todos. Su discografía, abundante y desperdigada por numerosos y pequeños sellos discográficos, esta suficientemente recopilada y editada por orden cronológico en varios volúmenes por el sello "Document" bajo el genérico titulo de: "Complete Recorded Works".


miércoles, 25 de septiembre de 2013

Otoño


Ya que hemos comenzado el otoño, y aprovechando que el Pisuerga pasa por Valladolid, os castigo una vez más con una versión del "Autumn Leaves". Esta vez de Barney Willen acompañado nada más y nada menos que por el trio del gran Mal Waldron.

martes, 24 de septiembre de 2013

Neil Cowley

Nacido en Londres, Neil Cowley, un niño aventajado que con 10 años realizó un concierto para piano de Shostakovich en un repleto Queen Elizabeth Hall en Londres. Sin embargo, dio la espalda a las enseñanzas de música clásica a una edad temprana. En su lugar, tras haber respondido a un anuncio en el Melody Maker, entró a los 17 años en el mundo del pop. Cowley grabó e hizo giras con algunas de las mejores bandas de soul y funk de la época, incluyendo a Gabrielle, Pasadenas, 4 años con los Brand New Heavies, y Zero 7, hasta que en 2002 formó su propia banda, Fragile State.


Como una de las dos mitades del dúo Fragile State, Cowley produjo dos aclamados álbumes que colocaron el mundo del chill-out jazzy en un primer plano. Cuando el sello discográfico se disolvió, Cowley continuo haciendo música por otros derroteros. De esta manera, siguió adelante con su querido y viejo amigo el piano renovando su entusiasmo creativo lejos de estorbos tecnológicos.

Cowley empezó a componer y finalmente percibió un horizonte sobre el que trabajar a largo plazo. Así creo un trío de jazz junto a Richard Sadler en el bajo y Evan Jenkins a la batería. En junio de 2006 Cowley crea su propio sello, Hide Inside Records, y lanza su álbum debut Displaced, un destacable disco de grabaciones originales. Este trabajo presento a Neil como un deslumbrante pianista y un sorprendente compositor. El trío rápidamente se hizo conocido por sus enérgicas pegadizas y contundentes melodías; sus momentos conmovedores y emocionantes clímax. Este álbum obtuvo el premio de la BBC al mejor disco de jazz del año 2007.

En 2012 lanza The Face of Mount Molehill un magnífico nuevo álmum de Neil Cowley Trio. Siguiendo su aclamado disco Radio Silence (2010), esta nueva grabación está dispuesta a entrar de nuevo en la conciencia de los amantes de la música jazz y no jazz. Con un brioso groove a la hora de tocar el piano, Neil Cowley aporta una gran frescura al panorama musical.

lunes, 23 de septiembre de 2013

Piero Bassini

Piero Bassini (Codogno 1952) Italia

Es un compositor y pianista de jazz, el suyo es un lenguaje moderno de jazz que tiene sus raíces en la gran tradición del pianismo romántico europeo, sin sacrificar el ritmo pronunciación y el sentido del tiempo, que son los rasgos característicos del jazz. Se refiere, en particular, el pianista Bill Evans.

Nacido en Codogno en 1952, estudió piano clásico desde hace 6 años. Hizo su debut en 1976 en la Exposición de talentos del jazz italiano, promovido por la Universidad de Milán.

Únete Umbria Jazz Festival en 1976, 1978 y 1984. Mientras tanto, regresó a Milán en el Depot, donde conoció al pianista Guido Manusardi y Santino Palumbo y durante 3 años estudió piano jazz con ellos.

El primer disco "Sombras" es de 1976. Es su primer trío "forma trío Open" con Attilio Zanchi y Gianpiero Prina y juntos grabaron el álbum "Viejos recuerdos".

Entre 1985 y 1987 sonidos en Milán con el saxofonista estadounidense Boby Watson y con él afecta a 3 álbumes: "PerpetuaI Groowe", "Round trip" y "Appointment in Milano", que ganó el Premio de la Crítica en 1986 en el New York Times .

Comentado sus discos: Jazz Journal (Londres), la revista Jazz y Jazz Hot (París), Columpio Journal (Tokio), Revista de código (Canadá), el Foro de Jazz (Polonia) y muchos otros. En 1989 grabó un CD en trío "Nostalgia" y en 1991 el CD "Lush Life", de piano solo, ha informado la revista Musica Jazz entre los mejores discos de jazz italianos de los últimos años.

Actualmente vive en Codogno y enseña piano en el  Centro Musicale Tampa di Piacenza (CMT) y la escuela privada de Bosoni di Lodi. 


domingo, 22 de septiembre de 2013

Buddy Montgomery



Buddy Montgomery (30 de enero de 1930, Indianápolis, Indiana - 14 de mayo de 2009) fue un vibrafonista y pianista estadounidense de jazz. Fue el hermano menor de Wes Montgomery y Monk Montgomery, juntos grabaron una serie de álbumes con el nombre de The Montgomery Brothers.

Buddy tocó por primera vez profesionalmente en 1948 y ya en 1949 con Big Joe Turner, y poco después con Slide Hampton. Después de un período en el Ejército, donde lideró su propio cuarteto, se unió a la Mastersounds como vibrafonista con su hermano Monk, el pianista Richie Crabtree y el baterista Benny Barth en 1957. Lideró la Montgomery-Johnson Quintet con Ray Johnson, de 1955 y 1957. Sus primeros períodos de sesiones como íder son de la década de 1950. Tocó brevemente con Miles Davis en 1960. En 1969 se mudó a Milwaukee, Wisconsin, y enseñó jazz a nivel local. A principios de la década de 1980 se trasladó a Oakland; allí colaboró con Charlie Rouse, David Fathead Newman y Bobby Hutcherson.

sábado, 21 de septiembre de 2013

Dudley Moore


Dudley Stuart John Moore, CBE (n. Dagenham, Condado de Essex, Reino Unido, 19 de abril de 1935 - f. Plainfield, Estado de Nueva Jersey, Estados Unidos, 27 de marzode 2002), fue un actor y músico británico. Alcanzó la fama con películas de comedia como 10, la mujer perfecta y Arthur, el soltero de oro.

Nació en Dagenham, en el condado de Essex. Desde pequeño mostró interés por la música y a los ocho años comenzó a estudiar el piano. Unos años más tarde, Moore asistió a clases de órgano y violín en el prestigioso Guildhall School of Music. Más adelante recibió una beca para estudiar en la Universidad de Oxford, y fue allí donde Moore modificó su trayectoria artística. Prefirió la interpretación teatral y comenzó a actuar en los escenarios de la universidad. A pesar de ello, y una vez obtuvo su diploma, se ganó la vida durante dos años tocando en conjuntos de jazz, realizando giras por diversas ciudades del mundo.

En 1960 Moore se asoció con tres actores y juntos acudieron al Festival de Edimburgo, donde montaron un pequeño escenario e interpretaron una obra cómica. Tuvieron tanto éxito que a continuación actuaron en Londres, y posteriormente enNueva York, en un teatro de Broadway. Por esta obra obtuvieron un premio especialTony, el equivalente de los Óscar en el teatro estadounidense. Moore continuó unido a uno de los tres compañeros, con el que hizo teatro, grabaciones de discos y también películas, así como televisión.

Cuando su socio decidió retirarse en 1978, Moore se instaló en Los Ángeles. Allí intervino en diversas comedias de cine, algunas de las cuales tuvieron un éxito extraordinario, como 10, la mujer perfecta, de Blake Edwards. Convertido en el actor cómico más apreciado de Hollywood, Moore tuvo otro gran éxito en 1981 con Arthur, el soltero de oro, película que le valió una nominación al Óscar como mejor actor principal. A partir de entonces intervino en unas cuantas películas más, pero no tuvieron el éxito de las anteriores. Los productores y directores le daban papeles que eran caricaturas de sus anteriores interpretaciones o para los que Moore no era el actor adecuado. Aun así, su popularidad se mantuvo gracias al recuerdo de sus grandes comedias. En los años siguientes apareció sobre todo en películas y mini-series para la televisión.

A lo largo de su carrera cinematográfica Moore no abandonó la música y tocó frecuentemente en orquestas famosas. Cuando el éxito de sus películas decayó, se dedicó con mayor entusiasmo a esta faceta. Una de sus realizaciones fue una serie de televisión en torno a la interpretación musical que hizo con el gran director de orquesta Georg Solti. Cuando esta serie llegó a su fin, Moore comenzó a notar síntomas de enfermedad. No podía mantenerse de pie mucho rato y sufría de pérdida de memoria. Inicialmente los médicos detectaron una lesión cardíaca, de la que fue operado en 1998. Al año siguiente se le diagnosticó una enfermedad mucho más grave y poco frecuente del cerebro. Aunque en sí no es mortal, puede resultar fatal cuando surge otra enfermedad en el organismo. Moore intentó aceptar este mal con su habitual sentido del humor. Manifestó que lo que más lamentaba era no poder tocar música. Tres años después Moore falleció de una neumonía, agravada por su enfermedad cerebral, en Plainfield, en el estado de Nueva Jersey.

Os dejo una versión ¿otra? del clásico Autumn Leaves.

viernes, 20 de septiembre de 2013

Orrin Evans


Orrin Evans (nacido en 1976) es un pianista de jazz estadounidense. Evans nació en Trenton, New Jersey y creció en Filadelfia. Asistió a la Universidad de Rutgers, y luego estudió con Kenny Barron. Trabajó como acompañante de Bobby Watson, Ralph Peterson, Duane Eubanks y Lenora Zenzalai-Helm, y lanzó su debut como líder en 1994. Firmó con Criss Cross Jazz en 1997, grabando prolíficamente con la etiqueta. Fue galardonado con un 2010 Becas Pew en los Arts. 
Os dejo una versión más del clásico "Autumn Leaves".

jueves, 19 de septiembre de 2013

Houston Person



Houston Person (n. Florence, Carolina del Sur, 10 de noviembre de 1934) es un saxofonista tenor estadounidense de jazz.

Aunque estudió piano, aprendió a tocar el saxofón con Aaron Harvey, en la banda de su College (1951). Tocó en un club de Alemania durante su servicio militar, en el que conoció a un gran número de músicos americanos de paso, como Cedar Walton, Don Ellis, Eddie Harris, Don Menza... A su regreso, se instala en Nueva York, donde toca con Johnny Hammond Smith y luego forma su propio trío, con la que incursiona en eljazz modal y en el funky, durante la década de 1960. Desde 1968 trabaja con Etta James, primero esporádicamente y, a partir de 1973, de forma asidua y estable, a la vez que graba de forma frecuente para Prestige. En los años 1980 realiza diversas giras, incluso por Europa, y graba nuevos discos con Bernard Purdie y Ran Blake, paraMuse. Entre sus casi 75 discos, se incluyen también trabajos con Charles Brown, Bill Charlap, Charles Earland, Lena Horne, Lou Rawls, Horace Silver, Dakota Staton, Billy Butler, Richard "Groove" Holmes y otros.

Su estilo, caluroso, directo, sin afectación y con mucho swing, está influido por Illinois Jacquet y Gene Ammons, y es uno de los más claros ejemplos de tenor de base rhythm and blues.


miércoles, 18 de septiembre de 2013

Fred Katz


Nacido en Brooklyn, Nueva York, un 25 de febrero de 1919, Fred Katz inició su carrera de concertista adolescente al tiempo que su militancia en el partido comunista. Para Katz, existía una “relación obvia” entre el pensamiento progresista, la música folk y la espiritualidad, lo que, entre otras cosas, le llevó a convertirse al budismo.

martes, 17 de septiembre de 2013

lunes, 16 de septiembre de 2013

Anne Ducros

Anne Ducros es una cantante francesa de jazz y música popular.


Originaria de Pas-de-Calais, Ducros comenzó su formación musical en el conservatorio de Boulogne-sur-Mer con Lyne Durian. Más tarde, mientras estudiaba derecho en la Universidad de Lille, completó y refinó su técnica vocal bajo la tutela de Yuri Anoff y Maddy Mespley. Estudió también la música barroca en un curso en la universidad, prestando atención a Couperin, Rameau and Bach. Empezó a practicar jazz vocal en 1986.

Con su primer cuarteto jazzístico ganó varios premios internacionales (premia al mejor solista y mejor vocalista en el festival de jazz de Dunkerque; primer premio al mejor solista y vocalista en el festival de jazz de Viena en 1989). Este incesante reconocimiento la estimuló para seguir cantando en numerosos conciertos por toda Francia y realizó así su primer disco de jazz vocal, "Don't You Take a Chance" en JTB en 1989. Tras esta primera grabación, regresó a las giras pasando por Niza, Nantes, Barcelona,İzmir y Montreal.

domingo, 15 de septiembre de 2013

Milcho Leviev

Milcho Leviev (Милчо Левиев, Plovdiv, 19 de diciembre de 1937) es un pianista,teclista, arreglista y compositor búlgaro de jazz.


Tras estudiar en el conservatorio de Sofía, realiza diversos trabajos como arreglista, entre otros, para la orquesta de la Radio-Televisión Búlgara, a comienzos de los años 1960, además de trabajar como solista con la Orquesta Filarmónica de Sofía (1963-68), a la vez que dirige un cuarteto de jazz. También compone música para varias películas, antes de trasladarse a Alemania, donde toca con Albert Mangelsdorff, a comienzos de la década de 1970. Trasladado a Los Ángeles por razones políticas,1 en 1971 se incorpora a la big band del trompetista Don Ellis, con quien permanece hasta 1974, labrándose una sólida fama como teclista y arreglista. Después trabajaría con Willie Bobo, Billy Cobham, Carmen McRae, Airto Moreira, Roy Haynes, Lee Riternour y otros, todos ellos durante la década de los 70. En los 80, tocará en cuarteto con Art Pepper y con Dave Holland, y simultanea sus giras americanas con estancias en su país, tocando con la big band de la radio búlgara. Es también profesor en las Universidades de California Sur y Sofía.

Es un pianista virtuoso, con un sonido cristalino muy clásico y, a la vez, muy enérgico, capaz de desarrollar improvisaciones de una estructura excepcional.


sábado, 14 de septiembre de 2013

Royce Campbell


Royce Campbell nació en Seymour, Indiana, en 1952. Hijo de un marino de carrera, Campbell creció en varias ciudades de todo los EE.UU. y en el extranjero, incluyendo Asia, Europa y las Indias Occidentales. La exposición a diversos géneros musicales, mientras era niño ha contribuido al estilo y el enfoque en la composición de jazz y juego musical de Campbell. El amor por el rock and roll marcó la primera conexión de Campbell con la guitarra, a la edad de nueve años, cuando descubrió a Chuck Berry. Al igual que muchos guitarristas de su generación, Campbell también fue influenciado por Jimi Hendrix y Eric Clapton. 

Sam Rivers

Hijo de un cantante y de una pianista, el saxofonista, Sam Rivers (El Reno, Oklahoma,1930) nació durante una gira musical de sus padres. Afincado en Chicago, estudio música y técnica instrumental en una escuela católica. En su vecindario tocaba en bandas juveniles y tenía tiempo y recursos para enseñar música en la"Berklee School" de Boston, donde también tocaba la batería, Tony Williams. 


Meses mas tarde, colaboró con dos grandes cantantes de blues, los guitarristas, T-Bone Walker y B.B. King, trasladándose, animado por estos, a New York. En 1964 realizó un gira con Miles Davis, al que recomendó su amigo de escuela, Tony Williams,participando en el disco que el trompetista grabó en Tokyo. Entre 1967 y 1971 estuvo con Cecil Taylor y luego con el pianista, McCoy Tyner. Fue un músico, a pesar de sus aptitudes, infravalorado y se le negaba el reconocimiento que otros conseguían con mas facilidad y no siempre con idéntica calidad.

En 1973 su carrera profesional dio un giro de ciento ochenta grados cuando participó en el Festival de Jazz de Montreux al que se presentó formando trío con el contrabajista, Cecil McBee y el baterista, Norman Connors, con quienes obtuvo un éxito clamoroso. A partir de ese momento las invitaciones para participar en festivales, giras, conciertos y todo tipo de eventos, se suceden vertiginosamente. Al mismo tiempo se multiplican sus grabaciones en estudio y empiezan a llegar con asiduidad al mercado una serie de discos importantes, destacando los grabado en 1976 con el contrabajista, Dave Holland, para el sello: Improvising.

Artista no atado a ningún sello discográfico, sus grabaciones se han ido sucediendo a lo largo de estos últimos años con los sellos: Blue Note, ECM, RCA, BlackSaint, Timeless etc, y su actividad como saxofonista o compositor siempre ha tenido el don de la creatividad.


viernes, 13 de septiembre de 2013

Sonny Red




El saxofonista alto de inspiración bop, Sonny Red, estudió música primero en laNorthern High School y después en la Community Music School en su ciudad natal de Detroit. Tocó en primer lugar en el C-Melody Saxy y en 1949 decidió pasarse al saxo contralto acompañando profesionalmente al maestro del piano, Barry Harris en cuya formación permaneció hasta 1952. En 1954 tocó el saxo tenor en el grupo de Frank Rosolino, pero a finales de año lo dejó pasando otra vez a tocar el saxo contralto con el grupo del baterista, Art Blakey.

En 1957 se trasladó a New York para tocar con Curtis Fuller con el que grabó un extraordinario álbum titulado: "New Trombone" para el sello Prestige. Trabajó en aquella epoca también con Paúl Quinichette con quien también tuvo la posibilidad d grabar el disco: "On the Sunny Side" y ya a principios de los años sesenta se unió al grupo de Donald Byrd con el que grabaría "Slop Drag" un álbum en la línea delfreejazz y que contó con una composición del propio Sonny Red, el tema: "Jelly Roll".En 1966 se unió al grupo del trompetista, Kenny Dorham y durante sus últimos años grabó varios discos especialmente para los sellos Savoy y Blue Note. Desapareció de la escena a mediados de los setenta y falleció en 1982.

jueves, 12 de septiembre de 2013

Boyd Raeburn



El saxofonista bajo y director de orquesta, Boyd Raeburn, pasó su infancia en Platte, donde estudio música y aprendió teoría y saxofón. Mas tarde asistió a laUniversidad de Chicago donde llegó a dirigir una banda del campus universitario a comienzos de los años treinta.

La música que tocaba en sus inicios no era jazz y a todo lo mas, su sonido se asemejaba a un swing muy comercial. En 1944 decidió cambiar drásticamente su anodina carrera y contrata al arreglista, Ed Finckel y entre ambos se encargaron de modificar y reelaborar los arreglos y por su nueva orquesta pasaron instrumentistas tan destacados como, Dizzy Gillespie, Sonny Berman y Al Cohn. Los sonidos que comenzó a producir la nueva banda de Raeburn eran de pronto los mas modernos de la época, superando incluso a los de la orquesta de Stan Kenton y Billy Eckstine. Esa posición dominante se fortaleció cuando Boyd Raeburn contrató al arreglista y compositor, George Handy, lo que le dio al grupo una imagen muy vanguardista para la época que se tradujo en temas como: "Boyd Meets Stravinsky", "Dalvator Sally" y"March of the Boyds".

En 1945, Boyd Raeburn, llevó su banda a California donde se le unieron otros excelentes músicos jóvenes, entre ellos, Dodo Marmarosa y Johnny Mandel, pero para equilibrar el sonido del grupo con el gusto del publico, decidió contratar a la cantante, Ginny Powell, con quien contraería posteriormente matrimonio. A partir de ese momento, la banda empezó a perder fuerza y Boyd Raeburn, volvió a los terrenos de la música comercial y solo un par de años después desapareció de la escena musical.

El merito histórico de Boyd Raeburn, estriba en su posición de catalizador y punto de referencia para descubrir nuevos talentos para la música. Jamás volvió a tocar ni a dirigir ningún grupo, ni siquiera cuando su esposa falleció en 1959. El lo haría en 1966.


miércoles, 11 de septiembre de 2013

Jo Stafford

Jo Stafford (Coalinga, 1920) no es estrictamente una cantante de jazz, como ella misma reconoció, pero bastaría escuchar el disco "Jo+Jazz" (Columbia, 1960) para desmentirla. Su registro de mezzosoprano, la perfecta claridad de entonación y su fraseo, comparable a una flauta, y el enigmático, pero perfecto, control del vibrato, son cualidades propias de una gran cantante de jazz.

Nacida en las postrimerías de la I Guerra Mundial en Coalinga (California), aspiraba de joven a convertirse en cantante de ópera, pero la Gran Depresión de 1929, la empujó, por razones económicas, a formar uno de los tríos vocales propios de la época junto con sus hemanas mayores, Pauline y Christine. Deambularon las tres sin pena ni gloria por las emisoras de radio hasta que el trombonista, Tommy Dorsey la integró en el grupo vocal de su orquesta, los "Pied Pipers". Las cuatro voces de la misma, a las que a veces se incorporaba Frank Sinatra como la quinta -, estaban especializadas en baladas lentas y piezas "mood", y el timbre muy puro de Stafford definió su peculiaridad. En el seno de esa formación interpretó numerosos temas como solista en la orquesta. Allí encontró a su futuro marido, el arreglista, Paúl Weston, que luego conseguiría convertirse en director artístico de la casa Capitolhasta 1949, en que paso con las mismas funciones a Columbia.

Jo Stafford, hizo el mismo recorrido que su marido consiguiendo notables éxitos con canciones folklóricas y country como "Jambalaya" o "Temptation". A partir de 1943 comienza su carrera en solitario y debuta con la recién inaugurada Capitol Records, y anota su primera entrada en las listas de éxitos con "Old Acquaintance". Junto aJohnny Mercer y los Pied Pipers, consigue su primer número uno a principios de 1945 con Candy. Dentro de su producción en los años cincuenta para Columbia, que la confirmó como una cantante popular de tranquilo atractivo y calmado estilo, grabó sus mejores álbumes y tuvo más de ochenta grandes éxitos hasta 1957, destacando entre ellos: Darling, my darling (1948), Whispering hope(1949), Shrimp boats (1951),You belong to me(1952), el citado Jambalaya(1952), o Make Love to me(1954),formando en algunas de esas canciones, dúos con Gordon McRae o Frankie Laine. Con ese repertorio fue la cantante preferida de los soldados americanos que en el Frente participaban en la 2ª Guerra Mundial. La mayoría de los temas estaban acompañados a la orquesta por su marido Paúl Weston. Jo Stafford falleció en su residencia de Century City (California) a los 90 años de edad.

martes, 10 de septiembre de 2013

Victoria Spivey


Cantante excepcional del blues tejano, Victoria Spivey (1908-1976) debutó en los escenarios siendo aun muy niña en los espectáculos que recorrían los teatros negros del Sur de los Estados Unidos: St. Louis, Menphis, etc. En su adolescencia tuvo la fortuna de acompañar a una de las grandes leyendas del blues, el guitarrista, Blind Lemon Jefferson. Durante los años veinte escribió canciones, tocaba el órgano, el piano y el ukelele y en 1926 le llegó el éxito cantando una composición propia y grabándola para el sello Okeh: "Black Snake Moan" y que llegó a convertirse en todo un clásico del blues versionado por numerosos artistas. Su voz nasal y lastimera era inolvidable. Sus grabaciones en los años veinte con el pianista, John Erby y el guitarrista, Lonnie Johnson, fueron extraordinariamente vendidas y con solo diecisiete años, era ya una autentica profesional.

En 1928 consigue otra vez situarse en primera línea del éxito y cambiando de estilo, grababa con el cornetista de jazz, Joe king Oliver, el pianista, Clarence Williamsy el guitarrista, Eddie Lang un extraordinario blues titulado "Organ Grinder Blues" (The Complete King Oliver, Vol 4. King Jazz). Pasada la Gran Depresión del 29, Victoria Spivey supo acompañarse de los mejores instrumentistas que empezaban a aflorar en la primera época del swing y grabar con ellos canciones con textos crudos, muy pegados al realidad urbana y poco espacio para los asuntos banales y amorosos. En este sentido tocó y grabó con: Louis Armstrong, Henry Red Allen, Tampa Red, Lonnie Johnson etc. durante los años treinta graba numerosos blues para los sellos: Víctor, Vocalion y Decca sin moverse de la ciudad de New York, donde por aquélla época contrae matrimonio con el bailarín de claqué, Billy Adams. 

En los años cuarenta participó en el "Helzapoppin' Show" de Olsen y Johnson y continuó actuando en cabarets, clubes y todo tipo de espectáculos musicales. En 1950 decide abandonar la música y se dedica exclusivamente a administrar económicamente una comunidad eclesiástica y posteriormente a regentar su propia casa de discos "Spivey Records" para quien graban sus antiguas rivales de los años veinte: Lucille Hegamin, Alberta Hunter, o Hannah Sylvester. Tambien para su sello grabaron futuras estrellas de la canción como Bob Dylan, que por entonces tocaba la armónica por las calles y tugurios de New York. Victoria Spivey, fue siempre una mujer hábil, emprendedora e inteligente y nunca perdió sus habilidades vocales como lo demuestran las grabaciones realizadas en los años sesenta para su sello discográfico.

lunes, 9 de septiembre de 2013

Cæcilie Norby


Cæcilie Norby (nacida el 9 de septiembre de 1964) es una cantante danesa de jazz y rock. Nació en Frederiksberg en una familia musical. Su padre es el compositor Erik Norby, y su madre cantante de ópera. En 1985 tuvo su primer éxito comercial como cantante del grupo de jazz / rock Frontline. En 1995 lanzó su primer álbum de jazz con el nombre de "Cæcilie Norby".
Os la dejo en compañía del saxofonista James Carter en una energética versión del clásico "How high the moon".

domingo, 8 de septiembre de 2013

Stéphane Huchard



Originario de Paris, Stéphane Huchard tiene sus primeros contactos con la la percursión siendo adolescente. El rock es el culpable de sus primeros conciertos locales. A la edad de 15 años, Stéphane descubre el jazz. Fascinado, entra a la escuela de batería de Dante Agostini en París. Sale licenciado con un Primer premio del Ciclo Superior.
Su trayecto como sideman está jalonado por colaboraciones desde Laurent de Wilde a Tania María, pasando por Jean-Pierre Como o la París Jazz Big Band. Su manera de tocar abierta a todas las formas de groove, le abre las puertas de los mejores clubs y estudios como sideman. Luego, como líder, Stéphane Huchard grabó con el sello Blue Note.

sábado, 7 de septiembre de 2013

Buddy Tate

Saxofonista tenor, soprano, contralto y barítono, clarinetista y tambien flautista, George Holmes Tate, verdadero nombre de Buddy Tate (1912-2001), manejó su primer saxo a los doce años cuando su hermano mayor le regaló un contralto. Dos años después, en 1927, empezó a tocar esporádicamente con los "Mc Cloud's Night Owls" que entonces dirigía el trompetista, Roy McCloud, primo suyo. En 1929, tocó durante varios meses en Wichita Falls con los "Saint Louis Merrymakers", y ese mismo año actuó tambien con el grupo de Troy Floid, en San Antonio. Entre 1930 y 1935, pasó por los grupos de Gene Coy, Terence Holder, E. J. Malone, con la orquesta de Wesley Smith, los "Tom Rown Topics", y con los "Ethel May's Band". Es poco significativo su efímero y primer paso por la orquesta de Count Basie durante algunos meses de 1934 y después con la de Andy Kirk (1934-1935).


Ya muy rodado y con una gran experiencia a sus espaldas, volvió en 1939 con Count Basie, sustituyendo permanentemente a Hershel Evans en la banda durante diez años, siendo uno de los pilares de la orquesta en su sección de saxos. Dos discos importantes recogen sus sus mejores momentos con la orquesta de Basie: "Rockaby Basie" tambien con Lester Young en la orquesta (1939) y "Super Chief" (1942). En 1949 dejó a Count Basie y se enroló en la formación de Hots Lip Page y posteriormente en la del cantante de blues, Jimmy Rushing, otrora cantante de la banda de Basie. Cansado de ir de grupo en grupo, decide formar su propia formación con la que estuvo muchísimos años tocando de manera ininterrumpida en el"Celebrity Club" de New York. Junto a él, el grupo lo formaban: Pat Jenkins (trompeta); Eli Robinson (trombón); Ben Richardson (saxo contralto, saxo barítono y clarinete); Skip Hall (piano y órgano); Flap Top Wilson (contrabajo); y Clarence Fats Donaldson (batería).

Con ese grupo, prácticamente invariable durante muchos años, Buddy Tate realizó multitud de giras, conciertos, actuaciones en festivales, y estancias en Europa y Japón. Buddy Tate, ha actuado con los mas grandes del jazz en distintos escenarios y formatos, rodó una película dirigida por Louis Panassié, titulada "L'aventure du Jazz". En 1968 recibió el premio de la Academia Francesa del Disco por un un álbum grabado a nombre del organista, Milt Buckner y junto al baterista, Wallace Bishop: "Crazy Rhythm" (Black & Blue, 1967). En los años setenta tocó y grabó un disco al frente de los "Buddies", un prestigioso grupo formado por el trompetista, Roy Eldridge, el saxofonista, Illinois Jacqet, la pianista, Mary Lou Williams, el bajista, Milt Hinton, el guitarrista, Steve Jordan, y Gus Johnson con el extraordinario trompetista Buck Clayton, como arreglista. La intención de esa formación era clara: hacer una especie de revival del sonido de Kansas City, en una versión modernista y original. Tate, tambien formó parte de manera estable, de los famosos "Newport All Stars" de George Wein, de los "Nice Stars" de Cozy Cole, de varios grupos formados por el pianista, Jay McShann, o los "Muse All Stars" de Arnett Cob.

Buddy Tate, fue un saxofonista sobrio y directo, lleno de swing y de expresividad, y como tantos otros grandes músicos, fue fruto de la maravillosa cantera jazzística que fue la gran orquesta de Count Basie.

viernes, 6 de septiembre de 2013

Red Mitchell

Keith Moore "Red" Mitchell (Nueva York, 20 de septiembre de 1927 - Salem,Oregón, 8 de noviembre de 1992) fue un contrabajista, violonchelista, pianista y cantante estadounidense de jazz.

Se inició profesionalmente con el contrabajo, tocando junto a Mundell Lowe, aunque ya antes había tocado en la banda de la Armada, aunque tocando el saxo alto. En 1949 entra a formar parte de la big band de Chubby Jackson, tocando el piano y, también, el bajo. Después, tocará con Charlie Ventura y Woody Herman, antes de alejarse una temporada de la escena musical como consecuencia de enfermar de tuberculosis. Su regreso, ya en 1952, lo lleva al trío de Red Norvo, en el que sustituye a Charles Mingus. permenecerá con Norvo hasta 1955, trabajando después con Gerry Mulligan y Hampton Hawes, con quien colaborará a lo largo de una docena de años. En los años 1960 se convierte en uno de los más buscados músicos de sesión, llegando a intervenir en casi mil discos en menos de cinco años. Durante varios años compatibiliza las grabaciones con grupos en gira que co-dirige, junto a músicos como André Previn,Shelly Manne o Harold Land.

A finales de los años 1960 deja de realizar trabajos como músico de sesión, y se incopora al grupo de Dizzy Gillespie (1968), instalándose después en Estocolmo (Suecia), donde permanecerá 14 años. En este periodo, trabajó con un gran número de músicos de gira por la zona (Phil Woods, Bobo Stenson, Toots Thielemans, Clark Terry...) y músicos de jazz escandinavos (Nisse Sandstrom, Rune Carlsson, Rune Gustafsson, Svein Christiansen...). Llega incluso a obtener dos de los Premios Grammy de Suecia, en 1986 y 1991.

Mitchell fue uno de los primeros contrabajistas en adoptar con frecuencia el bajo eléctrico, que era acorde con su sonoridad voluminosa en el acústico. Recurre con frecuencia al walking bass más clásico y, en ocasiones, a un slap atenuado y al glissando.

jueves, 5 de septiembre de 2013

Poemas a Billy Tipton



EL LABERINTO DE 
BILLY TIPTON

Nadie supo quién fue, nadie sabía

qué mirada ocultaba su mirada,
qué máscara o qué cara le fue dada
al que no pudo ser lo que quería.
Qué se puede esperar como ella hacía
en una sociedad desesperada,
quién escucha la música callada
del que lleva en el alma la poesía.
Dorothy amaba con total empeño
el misterio del jazz, el swing profundo
de la más bella música del mundo,
como un poeta puede amar el sueño.
Fue Billy Tipton, otro ser distinto,
aunque otro hubiera sido su deseo.
En vez de ser Ariadna fue Teseo.
Nunca pudo salir de laberinto.
Antonio Casares 


MORIR DE AMOR AL JAZZ
(En memoria de Billy Tipton)

Amar el jazz sobre todas las cosas,
amar todas las cosas por el jazz,
como si el jazz fuese el único dios
en un mundo ajeno a los dioses,
y dedicar la existencia a la música
como un sacerdote a lo sagrado,
tiene el mérito que tienen los héroes
y celebran las vastas epopeyas.

Tuvo que ser una mujer, 

Antígona luchando nuevamente contra un mundo 
de hombres insensibles a su arte,
una mujer que se llamaba Dorothy
y hubo de fingirse masculino
para sobrevivir a un mundo macho
y machista hasta lo irracional.

Todo el mundo creyó lo que no era,

lo que demuestra que, además de músico,`
era una buena actriz. 
Nadie lo supohasta después de muerta. 
Fue su vidaun continuo calvario 
por tugurio y garitos de todas las ciudades
del país más musical del mundo,
donde tocaba el saxofón o el piano,
fingiendo siempre que era un hombre,
sin que nadie lograse descubrirlo,
sin que su voz delatase su sexo,
sin que su sexo le impidiese hacer
lo que soñaba, que era tocar jazz.

Hay en la historia músicos mejores

y sobran nombres para demostrarlo,
pero nadie ha amado el jazz como ella,
nadie le ha dado tanto como ella,
que fue capaz de renunciar a su ser
y a todos los placeres de la vida
por su infinito amor a la música.

(Que el piano misterioso de la noche

y el saxo silencioso de la luna
interpreten para ella una canción
que agradezca su ejemplo memorable
y suene eternamente en su memoria,
como una sublime forma de poesía
o la más bella música del mundo,
y que su nombre, Dorothy o Billy Tipton,
qué importa ya la máscara del nombre,
quede escrito con letras imborrables, 
como el más alto de los destinos,
en el hermoso libro de los sueños.)

Antonio Casares

miércoles, 4 de septiembre de 2013

George Cables



George Cables (Brooklyn, Nueva York, 14 de noviembre de 1944) es un pianista y compositor estadounidense de jazz.
Desarrolla sus estudios en la "High School of Performing Arts" y, después, en el "Mannes College", hasta 1965. En esa época forma una banda con Steve Grossman y Billy Cobham, tocando después con Art Blakey, Bobby Hutcherson y Max Roach. En el cambio a la década de 1970, toca y graba con Sonny Rollins (1969) y Joe Henderson (1970-71), y se une a la banda de Freddie Hubbard, con quien permanecerá cinco años. Después, toca con Dexter Gordon y, de forma estable, trabaja con Art Pepper, hasta la muerte de este, en 1982.
En los años 1980, trabajó en el proyecto Bebop & Beyond, con el que grabó discos de homenaje a Dizzy Gillespie y Thelonious Monk.
Es un pianista de fraseo elegante, de desarrollos fluidos y con un sentido rítmico muy fino. Ello lo convirtió en un acompañante muy solicitado, aspecto que ha perdurado como imagen de Cables, incluso por encima de sus indudables logros como solista.


martes, 3 de septiembre de 2013

Bill Mays


William Allen Mays (n. 5 de febrero 1944), más conocido como Bill Mays, es un pianista de jazz estadounidense de Sacramento, California.

Nacido en una familia de músicos, a la edad de 15 años comenzó a interesarse por el jazz tras un concierto de Earl Hines.

Desde 1969 hasta la década de los 80 Mays trabajó como músico de sesión en un estudio de Los Angeles. Ha sido pianista acompañante de cantantes tales como Al Jarreau, Peggy Lee, Anita O'Day, Frank Sinatra, Sarah Vaughan y Dionne Warwick entre otros, y también ha trabajado con artistas como Mel Lewis, Shelly Manne, Bob Mintzer, Red Mitchell, Gerry Mulligan, Art Pepper, Bud Shank, Bobby Shew, Sonny Stitt, Paul Winter, Phil Woods y Frank Zappa. En 1984, se trasladó a Nueva York y comenzó a trabajar más de director de orquesta, compositor y arreglista. Ha grabado más de dos docenas de álbumes bajo su propio nombre, y colaborado en cientos más de otros músicos.

lunes, 2 de septiembre de 2013

Noah Howard

Noah Howard (6 abril 1943 al 3 septiembre 2010). Fue un saxofonista alto americano de free jazz .

Nacido en Nueva Orleans, Howard tocaba música desde la infancia en su iglesia. Se inició en la trompeta y más tarde pasó a saxo alto, tenor y soprano. Fue un innovador influenciado por John Coltrane y Albert Ayler. Estudió con Dewey Johnson, primero en Los Ángeles y más tarde en San Francisco. Cuando se mudó a Nueva York empezó a tocar con Sun Ra.
Grabó su primer disco como líder, Noah Howard Quartet, en 1965 y su segundo LP Noah Howard en Judson Hall en 1966 tanto para ESP Records, pero encontró poco reconocimiento de la crítica en los EE.UU.. En la década de 1960 y 70 actuó con regularidad en los EE.UU. y Europa, trasladándose a París en 1968.
En 1969 apareció en el álbum de Frank Wright "One For John and on Black Gipsy" con Archie Shepp. Como líder grabó "The Black Ark" con Arthur Doyle entre otros. En 1971 creó su propio sello discográfico, ALTSAX,  y ha publicado la mayor parte de su música bajo esa etiqueta.
En 1971 grabó "Patterns in the Netherlands" con Misha Mengelberg y Han Bennink. Se trasladó a París en 1972, vivió en Nairobi en 1982 y finalmente se trasladó a Bruselas a finales de 1982, donde tenía un estudio einauguró un club de jazz. Grabó de manera constante a través de los años 1970 y 1980, explorando el funk y la world music en la última década de grabación para ALTSAX. En la década de 1990 volvió a sus orígenes de free-jazz, de Cadence Jazz entre otros sellos, y experimentó un resurgimiento de la aclamación de la crítica. Sus dos últimos álbumes, Desert Harmony (2008, con Omar al Faquir) y Voyage (2010), reflejan su interés por la world music y fueron influenciados por la India, América Latina y la música de Oriente Medio.
Noah Howard murió el 3 de septiembre de 2010 de una hemorragia cerebral, a la edad de 67 años. Le sobrevive su esposa, Lieve Fransen.

domingo, 1 de septiembre de 2013

Luisa Sobral



Con tan solo 23 años publicó la cantante portuguesa Luisa Sobral su primer disco, "The Cherry On My Cake", a finales de 2011.
Su nuevo disco, "There is a flower in my bedroom" verá la luz en septiembre de 2013. 
A mí, personalmente, me recuerda a Madeleine Peyroux, e incluso lejanamente a Billie Holiday......