domingo, 30 de junio de 2013

Dexter (Desiderio) Gordon


"Yo soy Desiderio, nunca triste, siempre contento", era su frase preferida en un primitivo español aprendido durante su juventud en Los Ángeles. 
La pronunciaba lentamente, extendiendo sus larguísimos brazos y acercando sus manazas mientras clavaba sus penetrantes ojos azules y sonreía con la sonrisa del que ya lo ha vivido casi todo. El gigantón californiano inclinaba la cabeza y ofrecía su viejo y ajado saxo tenor en señal de sumisión. Sumisión a un público y a una música a los que había entregado toda su vida, desde los momentos más felices a los más dramáticos.
Dexter Gordon no sólo ha sido uno de los músicos más importantes del jazz de todos los tiempos, un saxofonista que ha jugado un papel indiscutible en toda la evolución de la música negro-americana contemporánea. Dexter Gordon ha sido bastante más que eso, el hombre que mejor ha trascendido las barreras de la música para presentar el lado humano del jazz, de todo músico de jazz. Su papel de Dale Arden en la película Round midnight (Alrededor de la medianoche),del francés Bertrand Tavernier, ha pasado ya a los anales cinematográficos como un alarde de sinceridad ante la pantalla. Dale no era Dexter ni Dester era Dale, pero se parecían como dos gotas de agua. Round midnight quedará como el mejor documento filmado sobre el jazz, el más profundo y el más honesto, y una gran parte de esa honestidad se deberá, sin duda, a la presencia de Gordon. Un Gordon que llegaba al cine tras casi 50 años de vida profesional en el jazz.
EL PAÍS

sábado, 29 de junio de 2013

Pete Jolly

Pete Jolly, cuyo verdadero nombre era Peter A. Ceraglioli (New Haven, Connecticut, 5 de junio de 1932 - Pasadena, California, 6 de noviembre de 2004), fue un pianista, acordeonista y compositor estadounidense de jazz.



Aprendió acordeón a los tres años y, a los nueve, comenzó con el piano. En 1952, se trasladó a Los Ángeles, para trabajar con Georgie Auld. Rápidamente se integra en el estilo West Coast y graba junto a Shorty Rogers y Lennie Niehaus, realizando los primeros discos como líder antes de 1956. Después, toca con los grupos de Art Pepper y Buddy DeFranco, y forma su propio trio. A finales de la década, tocará en la banda de Terry Gibbs y en sesiones de grabación de Buddy Collette, Jack Sheldon y otros, incluyendo varias bandas sonoras. A finales de los años 1960 experimenta con el jazz rock, grabando junto a Frank Zappa. Introducido en el mundo de las bandas sonoras, dedicará su tiempo, durante la década de 1970, a componerlas, aunque mantiene su relación con la escena del jazz, tocando con Gerry Mulligan o Shorty Rogers. No obstante, no realizará grabaciones como líder durante todos esos años, al menos hasta 1980.
Con un estilo basado en Bud Powell, era un pianista incisivo e intenso, en el que cohabitaban tendencias incluso contrapuestas.

viernes, 28 de junio de 2013

Karl Berger


Karlhanns „Karl“ Berger (30 de marzo de 1935 en Heidelberg), es un pianista y vibrafonista alemán adscrito desde hace años al free-jazz. Ha sido profesor de la escuela Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Frankfurt am Maindesde 1994 a 2003. A continuación dirigió hasta 2005 el departamenteo de música de la University of Massachusetts en Dartmouth (Massachusetts). 

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jueves, 27 de junio de 2013

Marion Brown

El saxofonista, Marion Brown, nació en Atlanta pero a los trece años se trasladó a Harlem (New York) con su madre. Dos años mas tarde se alistó voluntario en el ejercito pero año y medio después dejó la carrera militar. Regresó a su ciudad natal y allí estudió música en el "Clark College" donde se inició en el aprendizaje de los instrumentos de viento. Estudió Economía, Historia y Ciencias Políticas en laUniversidad de Howard en Washington DC. En 1962, una vez graduado en Ciencias, volvió a New York y tras un periodo de tiempo tocando en distintos clubes y locales, se gano una reputación de músico de vanguardia.

Fue Archie Shepp, quien se fijó en él y le dio la oportunidad de participar en varios discos suyos. Es destacable asimismo, la participación de Brown, en el excepcional álbum de Coltrane: "Ascensión", una obra maestra del Freejazz. Aquella oportunidad con Coltrane, le facilito el que comenzara a grabar álbumes a su nombre. Viajó a Europa y entre 1968 y 1970 desarrolló dos proyectos paralelos de música; el primero con el batería, Steve McCall y mas tarde con Gunter Hampel y Karl Hans Berger.

De aquella experiencia musical, muy al estilo del movimiento encuadrado en elAACM de Chicago, Brown grabó su obra maestra, el disco titulado: "Afternon of a Georgian Faun" con el sello de vanguardia ECM en 1970. Ese disco recoge con absoluta fidelidad, la pasión que el saxofonista tenía sobre la melodía y el tono. El talento de Marion Brown sigue siendo hoy innegable.

miércoles, 26 de junio de 2013

Wallace Roney

Wallace Roney (Philadelphia, 1960) saltó a los escenarios al mismo tiempo que su contemporáneo, Wynton Marsalis, y sus comienzos fueron de la mano del gran Sonny Stitt. Trabajó con los "Jazz Messengers" y su progresión fue tal que pronto fue considerado uno de los grandes trompetistas del jazz actual.

A lo largo de varios años, trabajó con el quinteto del batería, Tony Williams y participó en una sesión homenaje a Miles Davis en 1992. En su papel interpretando aMiles Davis, Wallace Roney, consiguió una gran aceptación de la critica cuando recreó el ambiente de su popular quinteto. Fue justo su participación con el trompetista de Alton, en el Festival de Jazz de Montreux, lo que hizo que saltara a la fama. El disco testigo de aquel hecho, se titula: "Miles Davis and Quincy Jones at Montreux"(Warner Bross, 1991).

En su todavía corta carrera discográfica, Wallace Roney, ha grabado mas de una docena de álbumes para los sellos: "Muse", "Warner" y últimamente con "Concord Jazz" con quien grabó en el año 2000 un excelente registro titulado: "No Room for Argument"

martes, 25 de junio de 2013

Leon Roppolo

Nacido en una familia de músicos de origen siciliano, su padre y su primo eran clarinetistas, Leon Joseph Roppolo, aprendió pronto a tocar la guitarra y el clarinete, debutando a los quince años en algunas salas de fiestas de Lago Pontchartrain conGeorg Brunis. Poco después, trabajo con el pianista, Eddie Shields en varios clubes de New Orleáns y a continuación se fue de gira con una compañía de vaudeville de la cantante y bailarina, Bea Palmer. En Davenport, terminada la gira, lo contrataron para uno de aquellos barcos de vapor que cruzaban el Mississippi con la orquesta deCarlisle Evans.

En Chicago formó la "Friars' Inn Society Orchestra", poco después conocida como"New Orleáns Rhythm Kings" en 1921. A finales de 1923 se trasladó a New York contratado por la orquesta de Al Siegal que actuaba en el "Mills Caprice" del Greenwich Village. Trasladado a Texas, entró a formar parte del grupo del pianista,Pete Kelly en 1924. Cuando se encontraba en Minnesota de nuevo con el grupo deCarlisle Evans, cayó enfermo, pero no le impidió tocar de nuevo en New Orleáns con una nueva formación de los "New Orleáns Rhythm King" dirigidos entonces (1925) por Paul Mares. Afectado por una fuerte depresión nerviosa, tuvo que abandonar la música para pasar una larga temporada en un sanatorio psiquiátrico. Aunque fue fugazmente dado de alta, recayó y tras varios intentos fallidos por volver a su profesión, murió en un manicomio de Louisiana, tres años después.

Leon Roppolo, fue uno de los mejores clarinetistas de la primera época del jazz, y tuvo la virtud de crear una de las mejores bandas de jazz de su tiempo. Fue con laNew Orleáns Rhythm King, cuando se inauguraron las primeras grabaciones interraciales del jazz con la incorporación ocasional de Jelly Roll Morton. En Leon Roppolo, se inspiraron, en mayor o menor medida, casi todos los clarinetistas blancos del jazz. Desde Nick Vitalo a Fud Liwingston, de Benny Goodman a Jimmy Dorsey.

lunes, 24 de junio de 2013

Charlie Rouse



Después de cursar estudios musicales en la Howard University debutó como saxofonista en 1944 con la orquesta de Billy Eckstine, y posteriormente colaboraría con las formaciones de Duke Ellington y Dizzy Gillespie entre otros. Cuando abandonó la orquesta de Ellington en 1950, se comprometió en tocar junto a Oscar Petifford, Clifford Brown y Fats Navarro. Tras un efímero paso por el octeto de Count Basie en 1950, grabó algunas sesiones de grabación con Clifford Brown en 1953 y en 1956, junto al trompetista francés, Julius Watkins formó el grupo: "Les Jazz Modes" y en esa misma epoca grabó con Art Farmer y Joe Gordon.

En 1959 inició su etapa jazzistica mas interesante cuando se enroló en la formación del pianista, Thelonious Monk, con quien permaneció en su cuarteto hasta prácticamente la retirada de éste del circuito jazzistico en 1970. Saxofonista predilecto de Monk, Charlie Rouse se ganó el prestigio de sus compañeros de profesión alcanzando una espléndida madurez artística. Tras la retirada de Monk del escenario actuó durante algunos años como sideman acompañante de otros grandes músicos en la zona de Chicago, Washington y Detroit. En 1975 formo el grupo Sphere (en homenaje a Monk) y con el recorrió durante los años ochenta clubes, festivales y actuaciones en medio mundo. Antes de fallecer participó con gran brillantez en el álbum que la cantante Carmen McRae, dedico al genial pianista.



domingo, 23 de junio de 2013

George Russell

El compositor, arreglista, director de orquesta y pianista, George Russell (Cincinnati, 1923) encauzó sus estudios musicales siendo muy joven y pronto debutó en 1938 -con tan solo quince años- en Chicago con dos vacas sagradas del swing, Benny Carter y Earl Hines. Durante la Segunda Guerra Mundial se afincó en New York y allí encontró a Charlie Parker con el que llegó a tocar, insólitamente como baterista, interrumpiendo esa relación al contraer la tuberculosis. También se vio forzado a abandonar la batería y dedicarse exclusivamente a los arreglos.



Considerado como uno de los grandes teóricos del jazz, y a pesar de que proporcionó a Dizzy Gillespie en 1947 la famosísima composición "Cubana be-cubanabop" y a Lee Konitz: "Ezz-thetic" y "Odjenar" -dedicada esta última a su mujer, Juanita Odjenar, y grabada por Miles Davis y Max Roach, George Russell, permaneció una larga temporada oscurecido y encasillado con la etiqueta de "un músico para músicos". En 1949, trabaja para el clarinetista, Buddy de Franco a quien compone y arregla "A Bird in Igors Yard" un intento de fusión de elementos parkerianos y concepciones de Igor Stravinsky. Desde los principios de la década de los cincuenta, su trabajo se centró en el desarrollo de su recién creada "Lydian Chromatic Concept Of Tonal Organization", un esfuerzo serio y riguroso sobre la modalidad, en especial el modo Lydio, que consistía en una ampliación del abanico de notas disponibles para los solistas, improvisando sobre modos y escalas mas que sobre acordes, tal comoMiles Davis había popularizado.

En 1956 aparece el primer disco como líder de George Russell íntegramente dedicado a sus composiciones e interpretadas por una pequeña formación -el Smalltet - con sus amigos, Art Farmer, Hal McKusick y Bill Evans como principales instrumentistas. El disco grabado para el sello "Koch" se titula expresivamente "Jazz Workshop" y el éxito del mismo es extraordinario. Los mismos protagonistas integran una bigband junto a solistas de la talla de John Coltrane y Benny Golson para grabar otro extraordinario disco en 1958 para el sello Impulse!: "New York, New York" con el que intentan describir musicalmente la ciudad. En el mismo formato de bigband, con Bill Evans y Paul Bley alternadose en el piano, graba otra obra maestra en 1960: "Jazz in the Space Age" para el sello DECCA/GRP. Sin interrupción alguna en su trabajo, formo su sexteto, una formación con él mismo al piano y que mantuvo hasta 1962, realizando cinco discos, siendo el grabado en mayo de 1961: "Ezz-Thetics" el mejor de todos.

A finales de 1964, y después de haber participado con su sexteto en el festival de Jazz de Paris, cruzó el charco y se afincó en Suecia durante quince largos años. En Europa su carrera se relanzó y firmó un contrato con la casa discográfica "Soul Note"con quien grabó regularmente hasta 1996. Formó una nueva bigband denominada"Living Time Orchestra", fue profesor del "New England Conservatory" de Boston y en la actualidad, octogenario ya, vive retirado de la música.


sábado, 22 de junio de 2013

Jimmy Rowles


Jimmy Rowles, (Spokane, 1918) estudió canto y piano por su cuenta y debutó con el saxofonista tenor Ben Webster, a principios de los años cuarenta. En ésa década también tocó con los hermanos Gaillard (Slim & Slam), con Lester Young, y con la cantante, Billie Holiday, algo que muy pocos pianista de jazz han conseguido.



En 1942 trabajó durante cinco meses con la orquesta de Benny Goodman, pasando después a la de Woody Herman, con la que estuvo hasta 1943, cuando fue movilizado por el Ejercito Americano. Licenciado en 1946, volvió con Herman y al año siguiente estuvo con Les Brown, Tommy Dorsey, Benny Goodman y Butch Stone, todos ellos excelentes directores de bigband. En los cincuenta estuvo durante cuatro años participando en programas radiofónicos y televisivos, entre ellos en el show deBing Crosby. Pasada aquella etapa, se marcha California para trabajar con la cantante Peggy Lee, con Stan Getz, Chet Baker, Benny Carter y Zoot Sims, aunque su mayor éxito fue la de acompañante al piano de la gran cantante, Carmen McRae con quien grabó varios álbumes memorables.

A finales de los cincuenta formó su propio trío para actuar en varios clubes de jazz y también para grabar varias sesiones de grabación en estudio junto a: Barney Kessel, Bob Brookmeyer, Buddy de Franco y otros instrumentistas de categoría. Sus discos se vendían con facilidad y es muy destacable el grabado con Stan Getz al saxo tenor titulado: "The Peacocks" (Columbia, 1977) y el grabado en homenaje a la música de Duke Ellington y Billy Strayhorn, titulado: "Plays Ellington and Billy Strayhorn" (Columbia, 1981).

Pianista inspirado e influenciado por Art Tatum, Jimmy Rowles, es uno de los grandes pianista del jazz y su contribución a los grandes discos de Billie Holiday, deCarmen McRae o de Peggy Lee, son incuestionables y decisivas.

viernes, 21 de junio de 2013

Adrian Rollini

Adrian Rollini, (1904-1956), fue un músico de excepcional precocidad y talento, pues ya a los cuatro años actuaba en publico como pianista de obras de Chopin y a los catorce dirigía su primera orquesta. A principios de los años veinte entró a formar parte de los "California Ramblers" que necesitaban un saxo bajo, instrumento que aprendió a tocar en solo un mes y que introdujo y adoptó en el jazz.

En 1927 viajo por primera vez a Europa y en Inglaterra estuvo con la formación deFred Elizalde hasta 1929. De vuelta a New York, se unió a la orquesta de Bert Lowndonde estuvo un periodo de seis años, entre 1927 y 1933. Dejó el saxo bajo y empezó a tocar en sus actuaciones el vibráfono. En 1935, formó un trío para actuar en el Hotel President de New York, al que denomino "Adrian's Tap Room" y donde tocaba el vibráfono, el piano y la batería. Durante los años cuarenta se dedicó a actuar en pequeños grupos y en locales igualmente pequeños, y fue en 1950 cuando se trasladó a Florida contratado por el "Driffwood Lodge", un club local. En Florida incrementó su actividad musical, tocando en varios clubes de Miami o en Hoteles como el "Eden Rock Hotel". 

Este fue su ultimo contrato ya que falleció el 15 de mayo de 1956 a causa de una afección hepática con complicaciones pulmonares. Adrian Rollini, tiene en el jazz un sitio de honor por haber sido, además de un instrumentista excelentemente versátil, -llegó a tocar determinados instrumentos creados por el mismo- el músico que introdujo el saxo bajo al jazz y adoptarlo como su primer instrumento.    



jueves, 20 de junio de 2013

Shorty Rogers

Después de estudiar música, el trompetista y arreglista, Shorty Rogers (1924-1994), se especializó en composición y arreglos en el Conservatorio de Los Ángeles y debuto en 1942 en la orquesta de Will Bradley. Antes de ser llamado a filas en el ejercito americano, tocó durante todo un año en el grupo de Red Norvo. Entre 1945 y 1951 colaboró como arreglista e instrumentista, en la orquesta de Woody Herman y después de grabar algunos temas compuestos por él, se trasladó a California tocando sucesivamente con Butch Stone y Charlie Barnet.


En 1950, con una bien ganada reputación entre los músicos de la Costa Oeste americana, entró a formar parte de la orquesta de Stan Kenton, donde estuvo durante un año y medio como músico de sección y también como arreglista. Sus trabajaos para la orquesta de Stan Kenton , le dio tal prestigio, que fue el arreglista mas solicitado en el mundo del jazz en aquella zona. A lo largo de su carrera colaboró con con casi todos los músicos de jazz de California y es mas brillante en la composición y en los arreglos que como instrumentista. Su carrera discográfica para los sellos, RCA, y Atlantic, principalmente, está jalonada de grandes éxitos, siendo sus álbumes todos parejos en calidad.

De entre sus discos clásicos destaca el titulado: "Cool and Crazy" (RCA, 1953) al estilo del sonido apuntado por Maynard Ferguson. Shorty Rogers, murió en el invierno de 1994.



miércoles, 19 de junio de 2013

Betty Roché

Criada en Atlanta City y trasladada a New York en 1939, la cantante Betty Roché, perteneció entre 1941 y 1942 al grupo los "Savoy Sultans". En una de sus actuaciones la oyó cantar Duke Ellington, y Betty Roche se convirtió en 1943 en la primera mujer cantante que interpretó la parte del Blues en la suite Black, Brown and Beige, durante un concierto en el Carnegie Hall en 1944. Ocupó en la banda de Ellington el lugar dejado por otra magnifica cantante ellingtoniana: Ivie Anderson.



Su excelente interpretación en la banda de Ellington y su repercusión publica posterior al concierto, le permitió granjearse la estima de la critica especializada que siempre la consideró como una de las mejores cantantes que tuvo la gran orquesta de Ellington. Tras su paso por la banda del "Duke", Betty Roché empezó a trabajar en solitario, y al año siguiente grabó una versión del tema "Trouble Trouble" para la serie"V-Disc" la marca discográfica que la compañía RCA-Victor sacó especialmente para divertimento de la tropa americana desplazada en Europa con motivo de la II Guerra Mundial. Una vez terminada la contienda y pasada la depresión económica, Betty Roché colaboró a lo largo de la década de los cincuenta con la orquesta del pianista, Earl Hines, con quien llegó a grabar algunos álbumes de gran interés, entre ellos: "I Love My Lovin' Lover".

Tras un breve paso por la orquesta de Earl Hines, volvió a colaborar con Ellington en 1952 durante todo el año y a partir de mediados de los años cincuenta desapareció de la escena musical. Ya solo reaparecía fugazmente para acompañar a Mel Tormé en alguna ocasión. En esa nueva etapa, grabó con Ellington el disco: Ellington Uptownpara Columbia en 1953. Su lugar en la orquesta de Ellington, fue ocupado por la cantante Joya Sherrill. Sólo grabó a su nombre cuatro álbumes, siendo el ultimo de ellos, el realizado en 1961 un disco con el contrabajista, Wendel Marschall para el sello Prestige, siendo ésta su ultima visita a los estudios de grabación.



martes, 18 de junio de 2013

Marcus Roberts

El pianista, Marcus Roberts, (Jacksonville, 1963), es uno de los jóvenes talentos del jazz mas involucrados en el panorama jazzistico actual. Marcus Roberts, se dio a conocer como pianista del grupo del saxofonista, Wynton Marsalis. 


Nacido en Florida en 1963, y ciego desde niño, su carrera ha corrido paralela en cierto modo a la del saxofonista Marsalis. Dirigió la Lincoln Center Orchestra, y su trabajo compositivo para grandes formaciones y orquestas es extraordinariamente bueno. Excelente pianista en cualquier estilo, se le identifica sobre todo con sus personales recreaciones de composiciones de , entre otros, de Scott Joplin, Thelonious Monk y Gershwin.

En 1988, firmó contrato con la discográfica , Novus, y su primer disco titulado: "The Truht is Spoken Here" tuvo un muy buen grado de aceptación por parte del publico y la critica. Es obvio que el apoyo en la batería del gran, Elvin Jones y de Charlie Rouse,al saxo tenor, hacen del disco de su debut, un extraordinario registro. Sus grabaciones para Novus, continuaron y a un ritmo de disco por año, Marcus Roberts,llega a 1993, año en que graba su mejor - y momentáneamente su ultimo disco - para el sello Novus, titulado: "If I Could Be With You", en el que se sienta al piano en solitario para grabar un gran registro. Una vez terminada su relación contractual conNovus, Marcus Roberts, firma un contrato con Columbia que también da excelentes resultados.

Alternando las grabaciones para Columbia- con quien graba en 1999 un extraordinario álbum en homenaje a Duke Ellington (In Honor of Duke) - y Novus,Marcus Roberts, llega hasta nuestros días convertido en un excelente pianista en el que los resbalones, que los hay, son ensombrecidos por sus logros. 

lunes, 17 de junio de 2013

Luckey Roberts

Luckey Roberts fue un pianista que apareció muy pronto en los escenarios. Nacido en Philadelphia el 7 de agosto de 1893, entre sus recuerdos tiene muy presente cuando fue su primera actuación en su primer show musical. Y así recuerda que su primera actuación la hizo como participante de un tipo de revista de la época llamados "Smart Set" cuando él tenía cuatro años de edad. Al año siguiente, esto es con cinco años, Luckey ya vivía profesionalmente del mundillo de la música, bien cantando, bailando... en un vaudevil que hacia un circuito por todo Estados Unidos. Así ya con esa edad se hizo un experto en los instrumentos de percusión, todo ello unido a ser un niño de una personalidad muy inquieta, pues, nada más y nada menos, con esa edad y esa "experiencia" va con la compañía a trabajar a Europa. 


A esa edad escucha ya con atención a los pianistas que le acompañaban y toma su primer contacto con tal instrumento, familiarizándose rápidamente con él. Tal es así que en poco tiempo y a la edad de seis años ya es un pianista conocido en fiestas y carnavales. Eso si, Luckey Roberts por su edad solo podía tocar el piano en una nota la "B natural" (los pies no le llegaban a los pedales), y así recuerda que se aprendió todo el show tocando en tal tono lo que obligaba a los y las cantantes a que acomodasen su voz al mismo. Músico de gran inquietud como tal y como artista, trabajó muy duro para conocer el instrumento, y para ello aparte de las prácticas que hacia escuchaba a multitud de pianistas de la época como Jess Pickett, One Leg Willie, Sam Gordon, Jack The Bear, Lonnie Hicks, etc. De esta forma Luckey al poco dominada el instrumento y rápidamente aprendió a tocarlo en todas las notas posibles. Al mismo tiempo se hizo un espabiladísimo jugador de billar, y participaba en tal juego sacándose su dinero, entre actuación y actuación.

Igualmente comenzó a escribir música especialmente rags, y en 1913 son grabados dos que serán un éxito completo y de los mejores jamás escritos nunca:"Junk man rag" y "Pork and beans" . Posteriormente hizo la grabación de su rag"Ripples of the Nile" , este no solo le dio más fama sino una buena cantidad de dinero, y ello porque en 1942 es grabado por Glenn Miller pero con otro nombre ("Moonlight Cocktail"), pero los derechos de autor los cobró Luckey, como tenía que ser. Igualmente escribió música para diversos shows que se representaron en Broadway, y por más de tres décadas encabezó una de las más afamadas orquestas de sociedad de la Costa Este de Norteamérica. Luckey tuvo su propio club, el "Rendezvous" en Harlem entre 1942 y 1954. El club tenía una particularidad: mientras Luckey tocaba, todo el mundo que tenía algún trabajo en el club, especialmente los camareros y la gente que trabajaba en la cocina, cantaban al mismo tiempo con él. Un visitante asiduo del club en los cincuenta fue Red Garland. Luckey recuerda que Red muchas veces no quería irse a su casa y le preguntaba constantemente cosas sobre el piano y nuevas formas de tocarlo. El club fue cerrado por razones de salud de Luckey. En muy poco tiempo sufrió dos accidentes de tráfico, y para su desgracia en uno de ellos sus manos se vieron seriamente dañadas. 

Aún así, a las pocas semanas de este accidente, Luckey se fue para acabar unas grabaciones que tenía pendientes. Realmente Luckey era de un carácter indomable. Jamás bebió o fumó, fue una persona siempre de buen humor y optimista por naturaleza, ayudaba siempre que podía y a quien lo necesitase. Para mucha gente esta considerado como uno de los escasísimos hombres claros, transparentes y honestos que conocieron. Sin embargo, luego y pese a ser el primer músico que vendió música "honky tonk" con éxito comercial, fue olvidado y en 1946 grabó su último disco en 78 r.p.m. para el sello "Circle". Ante tanta injusticia, el productorLester Koenig sabiendo lo que fue y quien era Luckey, para él un mito viviente, hizo con él y con Willie The Lion Smith en 1958, una serie de grabaciones a piano solo los famosos "Harlem piano solos", quizás una de sus mejores grabaciones de todos los tiempos." 




domingo, 16 de junio de 2013

Lee Ritenour

El guitarrista, Lee Ritenour, estudió el instrumento con varios profesores cualificados, entre ellos el maestro de la guitarra de jazz, Joe Pass. Desde los doce años trabajaba como músico profesional en grupos como los "Esquires", el "Afro Blue Quintet", el trío de Craig Hundley y en el famoso grupo de Sergio Mendes: "Brasil 77". A los 16 años hizo su primera sesión junto al grupo: "The Mama's and the Papa's". y dos años después colaboró en las actuaciones de Tony Bennett y Lena Horne en elDorothy Chandler de Los Ángeles. En 1973 formó un grupo con John Pisano, antiguo guitarrista de Herb Alpert, y al año siguiente con Dave Grusin, antiguo pianista del ya citado grupo "Brasil 77". Con Grusin, veterano pianista, compositor, productor y cofundador del sello GRP inició una magnifica relación profesional compartiendo con él la autoría de algunos discos como Harlequin. 


Influenciado en sus años jóvenes por los estilos relajantes de Wes Montgomery, Joe Pass y Barney Kessel, ha conseguido poseer un estilo propio y fluido. Su debut discográfico como líder fue en 1976 para el sello Epic con el álbum: "First Course". Lee Ritenour ha desarrollado a lo largo de su carrera otros estilos musicales distintos al jazz; sus coqueteos con la fusión del jazz con otros ritmos, fundamentalmente brasileños. De hecho, muchos de los músicos que comparten discografía con él, son originarios de Brasil. En 1979 graba para GRP, el álbum "Río", el disco mas importante de esa época donde el jazz y la bossa se daban la mano.

Guitarrista polifacético, durante su carrera, Ritenour ha sido nominado 17 veces a los premios Grammy; consiguió varios álbumes de oro, y abundantes números uno en concursos de guitarra. Sus discos, cerca de una veintena, están grabados mayoritariamente para GRP, y su mayor éxito lo obtuvo en 1994 con el álbum: "Larry & Lee", a dúo con el también guitarrista, Larry Carlton.



sábado, 15 de junio de 2013

Dannie Richmond


El baterista Dannie Richmond (1935-1988), empezó de niño a tocar el saxofón tenor y a los veintiún años decidió pasarse a la batería, un hecho que pudo favorecerle en su carrera ya que adaptó ese instrumento sin ideas preconcebida sobre el papel de ese instrumento.

En 1956, conoció al contrabajista, Charles Mingus con el que colaboró en su grupo"Workshop" casi un año. Estuvo después con Chet Baker algunos meses, pero volvió nuevamente con Charles Mingus de quien ya no se separaria hasta practicamente la muerte del bajista en 1979. Estar mas de veinte años siendo el batería de un genio del jazz como Charles Mingus, significa escribir paginas indelebles en la historia del jazz moderno y cubrir una carrera profesional excepcional. Al margen de su carrera profesional con Charles Mingus, aceptó algún que otro esporádico trabajo con músicos de otros estilos como, Elton John, Joe Cocker o Mark-Almond.

Todas las experiencias de Charles Mingus, en el mundo del jazz, del bebop al freejazz, han sido vividas en primera persona por Dannie Richmond, que con su técnica refinada, su precisión y su versatilidad en las baquetas, se convirtió en un pilar insustituible de todas las formaciones mingusianas. Los discos de Mingus, son de alguna forma también los discos de Dannie Richmond y en las arcas de Columbia; Impulse!; Atlantic y otros mas, están algunas de las obras maestras del jazz moderno. Después de la muerte de Mingus, Dannie Richmond, formó el grupo de"Mingus Dynasty" un cuarteto formado también por exmúsicos del gran contrabajista.



viernes, 14 de junio de 2013

Dizzy Reece


El trompetista jamaicano, Dizzy Reece, fue introducido a la música por su padre, pianista especializado en darle sonido al cine mudo. A los once años empezó a estudiar saxo barítono para después dedicarse desde 1945, a la trompeta. En 1948 realizó su primer viaje a Europa como músico profesional y en el viejo continente tuvo ocasión de acompañar a la mayoría de los músicos americanos afincados allí; así entre 1949 y 1950, tocó en Paris con el saxo tenor Don Byas y también con Jay Cameron; posteriormente en Holanda y en Alemania acompañó a Wallace Bishop, Sandy Mosse y de nuevo a Don Byas. En 1954 se trasladó a Londres durante un par de años, actuando en varios locales con la orquesta de Tony Crombié.

Entre 1956 y 1958, cruzó en sentido inverso el Canal de la Mancha para trabajar en Paris y Portugal. A finales de 1959 regresó a los Estados Unidos donde en 1963 formó un grupo propio con el que llegó a actuar en el "Village Vanguard" neoyorquino. Grabó con Victor Feldman para el sello Contemporary, la antología "London Jazz" para el sello Impulse y a su propio nombre para los sellos Savoy, Blue Note y New Jazz. Para éste último sello discográfico, grabó en 1962 el que quizás sea su álbum mas aclamado: "Asia Minor".

jueves, 13 de junio de 2013

Freddie Redd

El pianista y compositor, Freddie Redd estudió en la "Greenwich House" de New York y después de cumplir el servicio militar, entre 1946 y 1949, debutó profesionalmente con la banda del baterista, Johnny Mills. En los primeros años de la década de los cincuenta tuvo lugar su eclosión como músico profesional y en esa época tocó con los grupos de Cottie Williams, Oscar Petifford, Jivi Bombers, Joe Rolandy los Jazz Messengers de Art Blakey.

En el verano de 1956 marchó de gira por Europa y en Suecia tuvo un enorme éxito con el grupo de Rolf Ericson, un músico local muy reputado. De vuelta a los Estados Unidos formó su propio grupo, un cuarteto, y también tuvo oportunidad de trabajar como compositor para la Ópera "The Connection", un acto en el que los propios músicos formaban parte de la acción. Estuvo en los años sesenta actuando desideman con otros músicos en el área de San Francisco. Discípulo del maestro Bud Powell, Freddie Redd tenía una indudable calidad al piano, y dominaba a la perfección el instrumento. Sus grabaciones como líder fueron escasas y apenas llegó a la docena de títulos. Debutó en los estudios de Prestige con un magnifico álbum titulado: "Piano East West", (1952) pero quizás el disco mas representativo de éste discípulo de Powell, fuera el álbum "The Connection" grabado para la para Blue Note en 1960.
 

miércoles, 12 de junio de 2013

Henry Red Allen

Nacido y criado en New Orleáns, Henry "Red" Allen, aprendió a tocar la trompeta ayudado por su padre, que fue durante varias décadas líder de una orquesta de jazz. En 1927, se marchó de su ciudad natal para unirse en St. Louis, a los famosos "Dixie Syncopators" del celebre, King Oliver. En uno de sus viajes con la orquesta, llegó a New York para participar en su primera grabación con la orquesta del pianista, Clarence Williams. 


Cuando regresa a New Orleáns, con una bien ganada fama de trompetista, el director de orquesta, Fate Marable, lo contrata para que toque en los barcos de vapor que navegan por el Mississippi. Su vida le cambió a partir de entonces. Conoce a Louis Armstrong, un músico que influiría decisivamente en su carrera musical; graba cuatro discos para el sello: "Víctor", con la orquesta de Luis Russell. A partir de entonces, Allen, se convirtió en uno de los trompetistas mas solicitados del momento y dirigió o tocó con numerosos grupos y músicos. Por aquel entonces, era incluso mas valorado que otros contemporáneos suyos. 

A mediados de los años cincuenta, y ya en pleno apogeo del bebop, actuaba de manera regular en un local de New York llamado "Metropol" al lado deColeman Hawkins y otros músicos importantes del jazz. Uno de los momentos memorables de su carrera, se produce en 1958, cuando él y su grupo de "All Stars" aparece en el programa televisivo de la BBC americana titulado "Sounds of Jazz". Allí comparte actuación con Billie Holiday, Lester Young, Count Basie y Coleman Hawkins entre otros grandes músicos.

A finales de 1966, Allen empezó a notar señales inequívocas de su larga enfermedad que acabaría con su vida la primavera del año siguiente. Su estilo, original y maduro, y su fraseo, rotundo y lleno de swing, fue recuperado a su muerte por otros músicos que aprendieron de Allen a tocar swing sin fisuras.


martes, 11 de junio de 2013

Jimmy Raney

Jimmy Raney empezó a estudiar guitarra con su madre, comenzando por la guitarra clásica en los primeros años escolares. Su paso a la guitarra de jazz se produjo a los trece años cuando un amigo músico le hizo conocer la música de Charlie Christian. En 1944 entró a formar parte de la orquesta de Jerry Wald en New York. Durante los tres meses que estuvo en esa orquesta pudo oír a los creadores del bebop desarrollar su estilo y ése nuevo sonido, fue decisivo para el impulso de su carrera.

Se trasladó a finales de 1944 a Chicago trabajando entre otros grupos con Max Miller y Lou Levy. En 1948, recomendado por Tiny Khan, entró a formar parte de la orquesta de Woody Herman donde permaneció hasta el año siguiente y dejando detrás una gran amistad con otros miembros de la banda, como Stan Getz y Serge Chaloff. En la Costa Oeste compartía casa con el también guitarrista, Tal Farlow y Teddy Charles y sus colaboraciones con el trío del pianista, Al Haig, o con el sexteto del clarinetista Buddy de Franco, le permitieron obtener una excelente reputación entre los músicos de jazz. Entre 1949 y 1950, tocó con los "Gramercy Five" del clarinetista blanco, Artie Shaw. Entre 1951 y 1953 estuvo en el quinteto de su viejo amigo Stan Getz y al finalizar 1953, entró en el trío del vibrafonista, Red Norvo con quien tuvo la oportunidad de realizar una larga gira por Europa entre enero y febrero de 1954. En ésa gira europea, tuvo la fortuna de coincidir en una grabación con la cantante Billie Holiday.

En 1953 grabó el primer disco a su nombre para el sello Prestige: "Jimmy Raney Plays" y en 1955, reapareció en la escena jazzistica de New York tocando en el club"Blue Angel" con el trío de Jimmy Lyons. En 1954 y 1955, la revista Down Beat en la votación de los críticos de jazz, le proclamó el mejor guitarrista de jazz del mundo. Tras un percance en un vuelo se llevó seis años recluido en la Gran Manzana al negarse a subir de nuevo al avión. Sus grabaciones discográficas se sucedieron al lado de los mejores músicos de la época, como Stan Getz, Bob Brookmeyer y el también guitarrista, Jim Hall. En 1959 se puso a estudiar en serio el violoncello y composición clásica con Hall Overton, y dedicó gran parte de su tiempo profesional al acompañamiento de cantantes como: Tony Bennett, Andy Williams o Anita O'Day. En 1964 se recluyó en su casa abandonando su carrera profesional hasta 1972 cuando de nuevo reapareció en New York. En esa nueva etapa, y tras la aparición en el escenario de su hijo Doug, compartió grabaciones con él y realizó alguna gira donde ambos, padre e hijo, eran los protagonistas. 

Su vuelta a los estudios de grabación se produjo en el sello "Steeple Chase" junto a su hijo en dos discos grabados en 1979. De ahí hasta su muerte, ocurrida en 1995, extendió su maestría por los escenarios participando en numerosos festivales de jazz, conciertos y actuaciones en clubes y visitando asiduamente los estudios de grabación. Jimmy Raney fue uno de los grandes maestros de la guitarra de jazz, y su improvisación, llena de swing, era de una inventiva extraordinaria. Su modo de tratar la melodía, y el lirismo de su estilo fueron su mejor tarjeta de presentación durante toda su carrera.

lunes, 10 de junio de 2013

Jon Faddis


Nacido en una familia de músicos, el trompetista, Jon Faddis, comenzó a los ocho años a estudiar trompeta con la ayuda de sus hermana y un profesor particular. A los quince años empezó a estudiar con Bill Catalano, quien le introdujo con entusiasmo en la música del trompetista Dizzy Gillespie. Poco después estudio con Carmine Caruso y entre 1972 y 1973 con Mel Broiles en la prestigiosa escuela:"Manhattan School of Music". En 1975 perfeccionaría su estudios de piano, armonía y teoría bajo la guía de Stanford Gold.

A los trece años debutó delante del publico en su ciudad natal, Oakland con grupos locales de rhythm and blues. Tras terminar sus estudios entró a formar parte de la orquesta del vibrafonista Lionel Hampton, con quien se marchó a New York a mediados de los años setenta y allí en la gran manzana tocaría sucesivamente conThad Jones y el baterista Mel Lewis hasta 1975; con el arreglista Gil Evans, en 1976 con quine se fue de gira por Europa durante cuatro años tocando regularmente en el club "Jamboree" de Varsovia y con el contrabajista Charles Mingus con el que llegó a grabar un disco. Su deseo fue siempre tocar al lado del hombre que desde adolescente le inspiraba, el trompetista Dizzy Gillespie, con cuya orquesta logró tocar a finales de 1979.

Sus colaboraciones con músicos de talla como el contrabajista, Ron Carter, los pianistas Oscar Peterson, Kenny Barron o Randy Weston, el guitarrista, Buck Pizzarellio el organista, Charles Earland fueron muy importantes en su carrera. Su paso por la Mel Lewis - Thad Jones Orchestra como primer trompetista, le dio la oportunidad de darse a conocer en el mundo del jazz y fiel al estilo "gillespiano" de tocar, Jon Faddis se ganó a pulso una bien merecida fama de instrumentista virtuoso y desde luego una de las grandes trompetas de sección, por encima incluso de su papel como músico solista. Su disco "Legacy" grabado en 1985 para el sello "Concord" en homenaje a su maestro Dizzy Gillespie, quien escribe las líneas de la contraportada, es su obra cumbre como líder de sesión.

domingo, 9 de junio de 2013

Bobby Watson


Se reveló como un diamante en bruto hace 35 años, en una de las versiones de los Jazz Messengers de Art Blakey más sólidas y memorables; aunque no particularmente popular, para algunos fue la última gran line-up del batería, al menos en cuanto a cohesión y efervescencia. Ahí estaba Bobby Watson, un joven saxofonista de Kansas, junto Blakey, el veterano Walter Davis Jr., el trompetista ruso Valery Ponomarev, el portentoso contrabajista Dennis Irwin y el primer blanco que ejerció como saxofonista oficial de la banda, Dave Schnitter . Poco después llegó el pianista James Williams y los Jazz Messengers volvieron a toda su gloria con una de sus formaciones más extravagantes y heterogéneas. Pero funcionaba. En el futuro llegarían otros nombres brillantes (los hermanos Marsalis, Terence Blanchard, Donald Harrison, Billy Pierce, Benny Green,Lonnie Plaxico, Geoff Keezer, Robin Eubanks…) pero el grupo, como unidad, no volvió a tener el mismo empuje y compenetración.

Watson, solista dinámico y compositor brillante, estaba llamado a tener una carrera en solitario fulgurante: con varias decenas de álbumes a sus espaldas (sólo como líder) es uno de los saxos altos más respetados de la escena jazzística, habiendo mantenido una envidiable compostura artística a lo largo de toda su trayectoria. 

Yahvé M. de la Calzada - EL PAÍS

sábado, 8 de junio de 2013

Julia Hüllsmann


“Julia Hüllsmann es una intérprete altamente creativa que posee un lenguaje rico en armonías, una sensibilidad melódica de 24 quilates y una increíble flexibilidad rítmica”. 
Definición de la prensa inglesa


Julia Hüllsmann nació en Bonn en 1968: empezó a estudiar piano con 11 años y cinco más tarde ya formaba su propia banda. En la década de los 90 se traslada a Berlín donde comparte su trabajo de docente con el de intérprete. Alterna con viajes a Nueva York donde estudió con Richie Beirach, Maria Schneider y Jane Ira Bloom. 

viernes, 7 de junio de 2013

José James


José James (Minneapolis, 1978), es un cantante, de origen panameño, que no gusta de las etiquetas a la hora de autodefinirse, tal vez, porque su estilo, en el que se entremezclan elementos del jazz, r&b, hip-hop y electrónica, sea lo suficiente sólido y original como para no necesitar de adjetivo alguno.

jueves, 6 de junio de 2013

Avishai Cohen



Uno no es nadie en el mundo del jazz si no sabe quien es Avishai Cohen. “¿Pero a cual 'Avishai Cohen' se refiere Vd.?”. Resulta que, a falta de uno, hay dos “Avishai Cohen”; uno, reconocido, que toca el contrabajo y vive en Tel Aviv; y otro, por conocer, que nació en esa misma ciudad, vive en Nueva York y toca la trompeta. El aficionado fetén se ofende ante la duda: Avishai Cohen, a ciertos efectos, sólo hay el trompetista, joven talento convertido en músico de culto, y qué cosa hay que guste más al aficionado que eso. Pues bien, fue éste Avishai Cohen, el semioculto genio en la sombra de apenas 35 años con aspecto de gurú maharishi, el que se dejó caer ayer martes 30 de Abril por el madrileño Café Berlín, dentro del ciclo “1906 Jazz”, para solaz y disfrute de los muchos connoisseurs jazzísticos que habitan los subterráneos de nuestra ciudad y pusieron el local a reventar, a 10 € la entrada; una ganga. Y fue un concierto tremendo, de los que levantan al respetable de sus asientos si no fuera porque, en el Berlín, la mitad del personal está de pie y la otra no tiene modo de levantarse del asiento sin tirar el gin tonic al suelo. En la música de Cohen hay pasión, y fuego, y todas esas cosas que uno encuentra en el jazz y en ninguna otra música. Como trompetista, hay quien le saca parecido a Clifford Brown y quien a Don Cherry, en realidad, se parece a los dos. Luego, que no se le caen los anillos (los lleva) por tocar Portrait, de Mingus, o Wise one, de Coltrane, piezas que ya nadie toca si no es bajo amenaza de excomunión. En realidad, da igual lo que toque, su música swingeasiempre y en todo lugar; algo que no puede definirse con palabras, ni falta que hace. El que tiene swing, tiene swing, y el que no, a vender cupones al Metro. Avishai Cohen lo demuestra: se puede ser moderno y tener swing. Aleluya.
La música de Avishai Cohen, la que pudimos escuchar anoche en el Berlín, es un caballo libre y salvaje que nos arrastra a su paso; un canto de amor al Jazz con mayúsculas. Para más información, su último disco,Triveni Il. Merece la pena.

miércoles, 5 de junio de 2013

Anat Fort



Hoy os presento a una pianista y compositora israelí que conjuga el arte de la improvisación con unas bases de piano clásico que me recuerdan a Bill Evans, lo que no es de extrañar ya que comenzó a estudiar clásica desde muy niña, asi como tampoco sería de extrañar su ascenso a los altares del jazz contemporáneo.
Pianista de acordes sensibles y armónicos, sin estridencias, sin florituras, sin fuegos artificiales, plenos de poesía.....

martes, 4 de junio de 2013

Pepe Rivero


El pianista y compositor Pepe Rivero forma parte de una nueva generación de músicos cubanos que ha irrumpido con fuerza en la escena internacional del jazz. Completó sus estudios de piano en La Habana, dentro de una formación clásica, para luego interesarse por el jazz.

Rivero ha viajado liderando varias bandas cubanas de jazz a festivales como los de Montreal, Tokio, Puerto Rico, México, Washington, New Haven y Nueva York. En Nueva York conoció a Paquito D’Rivera y a Celia Cruz y ambos se convencieron de inmediato de que habían descubierto un diamante en bruto.

Pepe Rivero acompañó al piano a Celia Cruz en sus conciertos en España así como en sesiones de grabación y desde el primer momento fue considerado como un componente esencial de la banda. Su trabajo no se limitaba sólo a ejecutar el repertorio de la cantante  sino que aportaba nuevas composiciones y arreglos.

Pepe Rivero proviene de una acreditada familia de músicos y es un fiel exponente de este estilo de expresión pianística que él continúa enriqueciendo en la actualidad. Este músico posee la virtud de extrapolar un ritmo y en torno a él articular un nuevo cuerpo, construyendo una estructura sonora diferenciada que le da pie para nuevas variaciones.

Como pianista de jazz latino, Rivero parte casi siempre de la estructura de algún género señero de la música cubana, como el guaguancó, el cha cha-chá, la guajira, la conga… y en torno a él incorpora una serie de imbricadas y complejas armonías que extrae de su amplio acervo como jazzista y compositor con una herencia clásica. La música que compone Pepe Rivero también integra otros géneros dentro del jazz latino, como el flamenco, la bossa-nova o el jazz clásico; es capaz de crear diversos ambientes en una misma composición, transitando con tal destreza de uno a otro que da la impresión de que la música es sólo una.
En 2001 fundó su propia formación, La Banda de Pepe Rivero, junto con el trompetista Manuel Machado, el saxofonista Bobby Martínez, el baterista Georvis Pico, el percusionista Yuri Nogueira y Santi Greco al bajo eléctrico.

La música que Pepe Rivero compone y toca es auténtico jazz latino, expresando sus raíces cubanas en cada composición, incluso cuando la samba, la bossa-nova o el flamenco son la nota distintiva de cualquier tema en particular. Por otra parte, el público conocedor puede encontrar en él otra faceta y es que le encanta insertar alegorías de los clásicos en la música que crea.

Os lo dejo en compañía de Chopin primero, y del gran  Jerry González a continuación.

lunes, 3 de junio de 2013

Igor Prochazka

El pianista y compositor Igor Prochazka nació en Zlín (República Checa) en una familia de profesionales de la música de entretenimiento. Al cabo de diez años de formación de piano clásico en Düsseldorf (Alemania), trabajó como pianista en restaurantes y hoteles exclusivos alemanes presentando clásicos de Pop y Jazz. Desde 2002 está afincado en Madrid siendo miembro del Jambol Jazz Quartet.

En 2006 Igor crea su propia formación: Igor Prochazka Trio (IPT), una apuesta por un jazz original y un sonido propio que sus componentes echaban de menos en otros proyectos anteriores. Aunque IPT tenga un máximo respeto a la tradición de las épocas del bebop y posteriores, ve su destino también en un Jazz más innovador y personal. Abiertos a dejarse influir por nuevas tendencias, también las que se salen del ámbito del Jazz, no toman el camino fácil de aplicar meras mezclas de estilos. 

Las imaginativas composiciones del pianista Igor Prochazka y las excelentes habilidades de improvisación de Christian Pérez (contrabajo) y Federico Marini (batería), dos de los músicos más cotizados en el panorama madrileño del Jazz, hacen que cada canción tenga un carácter personal y profundo. Igor Prochazka trío, es un combo multinacional: los tres músicos afincados en Madrid provienen de Estados Unidos, Argentina y Alemania. Es la universalidad de su interpretación del Jazz lo que une las diferentes raíces musicales de cada uno.

En Junio 2007, el grupo recibió el Primer Premio en la modalidad Jazz en el concurso "Audiciones" de ámbito nacional, organizado por la Fundación Canal (Madrid). 



domingo, 2 de junio de 2013

Pony Poindexter

El saxofonista Pony Poindexter, estudió clarinete en la escuela primaria de su ciudad natal, perfeccionándolo después en un Conservatorio de California. En 1940 obtuvo su primer contrato profesional con Sidney Desvignes. Entre 1946 y1947 realizó una gira con la orquesta de Billy Eckstine a la que mas tarde, en los años cincuenta, volvería a enrolarse. En 1950 se trasladó a San Francisco para firmar un contrato con el cuarteto de Vernon Alley, pero al año siguiente tuvo la oportunidad de firmar con la orquesta de Lionel Hampton con quien tuvo la oportunidad de grabar varios discos. Tras dejar a Hampton regresó a San Francisco donde en 1953 formó su propio grupo actuando en el club "Bop City" donde por aquella epoca también tocaba Charlie Parker.


Pony Poindexter trabajó con miembro de la Count Basie Band en cuyo repertorio había una pieza muy conocida y dedicada a él titulada: Little Pony. La Count Basie Band no fue su único empleo en una big band puesto que Pony Poindexter trabajó también en la banda de Stan Kenton como en la citada orquesta de Lionel Hampton.

Permaneció en la Costa Oeste de los Estados Unidos hasta 1959 alternando sesiones de grabaciones con actuaciones en clubes y festivales. Es destacable su trabajo en el "Jazz Cellar" de San Francisco donde consiguió reunir de forma estable un cuarteto con el que tocó hasta bien entrado los años sesenta. En 1961 fue llamado para tocar con el grupo vocal de Lambert-Hendricks y Annie Ross y con ellos estuvo dos años en plena forma. En 1964 cruzó por primera vez el Atlántico y realizó una gira por Europa donde participó en numerosos eventos y festivales en 1964, destacando los de Berlín y Bolonia. La acogida que tuvo en el viejo continente le ganó para siempre y prácticamente la recorrió entera, incluida España donde estuvo algunos años afincado tanto en Ibiza como en Castedefells (Barcelona) lugar donde tuvo la oportunidad de conocer y tocar con Tete Montoliu. En 1970 echó raíces en Alemania donde tuvo la oportunidad de grabar varios discos para el sello MPS.

Aunque su discografía no es muy extensa, es destacable el primer disco que grabó a su nombre para el sello Epic en 1962 titulado: "Pony's Express"; o el grabado en directo en Barcelona en junio de 1972. Ya antes había grabado un extraordinario disco en directo en 1967 en el marco del Festival de Jazz de Frankfurt (German Jazz Festival) con la cantante Annie Ross. Pony Poindexter fue un músico muy preparado, de gran formación y dominaba los saxos a la perfección.


sábado, 1 de junio de 2013

Walter Norris

Walter Norris (27 de Diciembre 1931 – 29 Octubre 2011), fue un pianista y compositor estadounidense.