jueves, 31 de mayo de 2012

Wynton Kelly

El extraordinario pianista, Wynton Kelly (1931-1971), se inició en el mundo del jazz, en las formaciones de los saxofonistas, Eddie "Lockjaw" Davis y Hal Singer, antes de acompañar al piano a la extraordinaria cantante, Dinah Washington, entre 1915 y 1954, y con quien grabó, entre otros, un gran disco para el sello "Emarcy", titulado: "Jazz Sides". De manera simultánea, comenzó a grabar con su propio nombre y a tocar con el saxofonista, Lester Young y con el trompetista, Dizzy Gillespie, con quien permanecería varios años a lo largo de la década de los cincuenta. En esos años grabaría para diferentes músicos cerca de una quincena de álbumes para el sello Blue Note y casi siempre en formato de trío. Después de dejar a Gillespie, trabajó con el maestro del contrabajo, Charles Mingus un par de años y por fin daría el salto definitivo de su carrera cuando se incorporó al quinteto de Miles Davis, con quien estuvo cuatro importantes años, entre 1959 y 1963. Con el quinteto de Miles Davis, Wynton Kelly, tuvo la fortuna de pasar a la historia del jazz cuando participó en la histórica grabación del, para muchos considerado, mejor álbum de jazz de la historia, el célebre: "Kind of Blue". Cuando dejó el grupo de Miles, formó su propio trío con los también músicos "milesianos", el contrabajista, Paul Chambers y el baterista, Jimmy Cobb. Juntos consiguieron una formación rítmica extraordinariamente sólida y a la que acudían innumerables músicos. Wynton Kelly, siempre destacó por ser un maestro consumado del trío de piano hasta el punto de que su estilo, impecable, elegante y rebosante de swing, creo escuela entre muchos pianistas. 


miércoles, 30 de mayo de 2012

Don Sleet


Don Sleet fue un músico estadounidense, nacido el 27 de noviembre de 1938 en Fort Wayne (Indiana) y fallecido el 31 de diciembre de 1986 a causa de un cáncer, a la edad de 48 años. Destacó como trompetista de jazz. Tocó en la banda de Stan Kenton en 1953. La revista de jazz Downbeat, además, le reconoció como mejor trompetista durante los años 1956, 1957 y 1958. No obstante, como líder sólo llegó a grabar un disco, titulado All members, en 1961. 
Os dejo la grabación del clásico "But Beautiful" acompañado de Jimmy Heath (saxo tenor) Wynton Kelly (piano) Ron Carter (contrabajo) y Jimmy Cobb (batería).



martes, 29 de mayo de 2012

The way we were

Os dejo esta versión jazzera por parte del Adam Birnbaum Trio del clásico "The way we were" tema original de la película del mismo título protagonizada por Barbra Streisand y Robert Redford.


lunes, 28 de mayo de 2012

Kevin Hays

Kevin Hays es un pianista y compositor de jazz nacido el 1 de mayo de 1968 en Nueva York (USA). Ha actuado junto a músicos tales como Sonny Rollins, Benny Golson, Ron Carter, Pat Metheny, Joe Henderson, Roy Haynes, John Scofield, Chris Potter, Al Foster, Buster Williams, Art Farmer, y Eddie Henderson.
Os dejo una gran versión del tema de Lennon/McCartney "And I love her " grabado para un disco temático de Beatles por el sello Blue Note, acompañado por Ron Carter y Jack DeJohnette al contrabajo y batería respectivamente.


domingo, 27 de mayo de 2012

Jeanne Lee

El free jazz, fue un movimiento casi prohibitivo para las cantantes de jazz. Sin embargo, Jeanne Lee, fue sin duda la vocalista mas próxima a este movimiento y dejó claro en su primer disco en 1961 para la RCA titulado "The Newest Sound Around" que se adelantaba a su época convirtiéndolo en uno de los grandes registros de jazz vocal de la década. Sus primeros comienzos fueron acompañando al pianista, Ran Blake y compaginó ese trabajo con los estudios de danza y música en el Bard College de New York. Con Blake, se presentó en el Festival de jazz de Monterey en 1962 y también realizó una gira europea en 1963. En 1967 se instala en Europa donde la música de vanguardia y casi marginal que ella asumió era mas aceptada que en los Estados Unidos. En el viejo continente estableció una duradera asociación musical con el multiinstrumentista, Gunther Hampel, su marido, con quien grabó varios discos juntos y también por separado para su sello independiente: Birth. Jeanne Lee, fue para los músicos del freejazz su cantante mas solicitada y así actuó junto con Archie Shepp en 1969, grabando el disco: "Blasé" con el sello Byg; con Marion Brown en 1970 participó en el disco "Afternoon of a Georgia Faun" para ECM; con Anthony Braxton en 1972 editando el disco "Town Hall" para el sello "Trío", etc. Su estilo de vocalizar sin palabras se inscriben en la vía iniciada por Adelaide Hall en la orquesta de Duke Ellington. Otros discos posteriores son aún mas radicales, por ejemplo el álbum titulado "Nuba" con el baterista, Andrew Crille y el saxo Jimmy Lyons, dos socios del pianista, Cecil Taylor. En cambio, con los discos grabados a su nombre, Jeanne Lee, ofrecía una perspectiva distinta, mas cálida en su interpretación del solo como se ve en el disco "Natural Affinities" de 1993 para el sello OWL o el extraordinario, "After Hours" de 1994 para el mismo sello y con el acompañamiento al piano de Mal Waldron. Jeanne Lee, fue una extraordinaria cantante de jazz con un talento portentoso que solo era apreciado por una gran minoría de aficionados. La dificultad de escucharla en nuestro país, se acrecentaba por el hecho de estar representada por una distribuidora mediocre.
Os dejo un vídeo interpretando junto al pianista Mal Waldron un tema compuesto por este último titulado "Seagulls of Kristiansund".


sábado, 26 de mayo de 2012

Freddie Hubbard

Freddie Hubbard, (Indianápolis 1938 - Sherman Oaks, California, 29 de diciembre de 2008) nació en el seno de una familia de músicos. 
Practicó el melófono en la "John Hope Junior High School", pero apenas un año después cambio a la trompeta, compatibilizando ese instrumento con el corno francés. En aquella época, trabajo con el grupo "The Contemporaries" y con la banda de los hermanos Montgomery -Wes a la guitarra, Buddy al vibráfono y Monk al bajo eléctrico). 
En 1958 se traslado a New York y superada la primera impresión de su visita a la Gran Manzana, tocó en el "Turbo Village" primero con el saxofonista Joe Cameron y después con su propio grupo. En 1959 viajo a San Francisco como miembro de la banda de Sonny Rollins con la que estuvo dos escasos meses. En 1960 estuvo con el octeto de Slide Hampton y el sexteto del trombonista J.J. Johnson y ya entonces era un asiduo de los famosos lunes del "Birdland". Ese mismo año debutó como líder de sesion grabando para "Blue Note" un álbum de cinco estrellas titulado "Open Sesame" un disco que le permitió franquear la entrada al Olimpo de los grandes de la trompeta y sólo con 21 años. Ese maravilloso debut discográfico le permitió grabar en 1961 con el maestro del saxo tenor Dexter Gordon (Doin't Alright-Blue Note) con Oliver Nelson en otra obra maestra (The Blues and the Abstract Truth-Impulse!) con Quincy Jones (The Quintessence-Impulse) y con el saxo alto, Jackie McLean (Bluesnik-Blue Note) entre otros grandes músicos. 
Sustituyó a Lee Morgan en los "Jazz Messengers" de Art Blakey permaneciendo tres años en el grupo del maestro de la batería y en algunos círculos jazzisticos de New York, se le empezaba a llamar el "nuevo Miles Davis". 
En 1966 firma para el sello Atlantic donde dejó un magnifico disco titulado "Baclash" y en 1976 ficha por el sello del productor Cred Taylor "CTI" donde deja algunos títulos magníficos , entre ellos, "Red Clay" un disco que además de lanzar a la popularidad a Freddie Hubbard como a ningún otro músico de jazz, fue una grabación con la que muchos músicos de jazz han crecido influenciados 
Mientras vivió, participó en diversos proyectos, grabando discos, acudiendo a festivales de jazz (el último en Varsovia) y transmitiendo su música a las nuevas generaciones. 

viernes, 25 de mayo de 2012

Hazel Scott

Hazel Scott, una de las pianistas cantantes de los Estados Unidos más injustamente olvidadas , nació en Trinidad el 11 de Junio de 1920.
A los tres años ya tocaba el piano, y a la edad de ocho actuó en la ciudad de Nueva York, recibiendo una beca para cursar estudios musicales en la prestigiosa Juillard School of Music. Siempre mantuvo que su técnica pianísitica pertenecía a Art Tatum y Teddy Wilson. Hazel Scott fue la primera mujer de color en tener programa televisivo propio, del cual fue apartada en 1950 tras ser acusada de simpatizar con el Partido Comunista. Se negó a actuar en teatros con segregación racial y recibió severas críticas políticas del macarthismo. Tras de residir cinco años en Paris, en los años 60 retomó su carrera en clubes y programas televisivos de USA.
Apopada el camaleón musical por su flexibilidad jazzista y clásica, continuó actuando hasta su muerte.
Os dejo un video acompañada de un joven Charlie Mingus y de Rudy Nichols.

jueves, 24 de mayo de 2012

René Urtreger

El pianista y compositor parisino, René Urtreger, comenzó sus estudios de piano a los cuatro años y en su adolescencia los profundizó en el Conservatorio de Música Clásica y se orientó hacia el jazz actuando en un pequeño club parisino, el "Sullyt d'Auteil" con una orquesta de estudiantes dirigida por Hubert Damisch, e integrada, entre otros, por Sacha Distel y Louis Viale. En 1953, ganó el primer premio de piano de un concurso para aficionados y desde ese momento se decidió a ser un músico profesional. En 1954, acompañó en un concierto parisino a dos grandes maestros americanos que se encontraban actuando en la capital francesa: el saxofonista tenor, Don Byas y el extraordinario trompetista, Buck Clayton. Con ambos intervino en el "Salone du Jazz" y su extraordinaria aportación le convirtió en uno de los músicos franceses mas solicitados del país por los músicos americanos que iban de gira a la capital francesa. Una vez terminado el servicio militar que realizaría entre 1955 y 1957, René Urtreger actuaría en el club de la margen izquierda del Sena, el famoso "St Germain" junto a dos vacas sagradas del jazz mundial: Miles Davis y Lester Young. Impresionado este último del nivel de Urtreger, solicitó al pianista que le acompañara en una minigira por Europa en 1956. Sus colaboraciones en esos últimos años de la década de los cincuenta fueron innumerables y casi siempre magnificas. Tuvo la inmensa fortuna de tocar junto a: Lionel Hampton, Stan Getz, Chet Baker, Dexter Gordon, Sonny Rollins y Ben Webster entre otros antes de abandonar durante un largo periodo de tiempo el jazz, y dedicarse, por razones de supervivencia, a acompañar al piano a varias cantantes de variedades. Su trabajo, sensible, con un sonido denso y lleno de swing, le lleva a ser galardonado por la "Accademie du Jazz de France" con el premio, "Django Reinhardt", el máximo galardón jazzistico del país vecino. En 1977, reapareció en la escena jazzistica parisina con la intención de reanudar su carrera y en esa segunda etapa, participó con brillantez, tanto a piano solo como acompañando en pequeñas formaciones, a Lee Konitz, Aldo Romano o Barney Whilen. En 1980, actuó en el Festival de Jazz de Antibes, siendo esta actuación el evento mas importante de esta última fase de su carrera. Inspirado indiscutiblemente en el estilo pianístico del maestro, Bud Powell, Urtreger es un músico que siempre bebió de las fuentes musicales del bebop, y tenia en Charlie Parker a su músico de cabecera. 

miércoles, 23 de mayo de 2012

Friedrich Gulda

Friedrich Gulda (16 de mayo de 1930 - 27 de enero de 2000) fue un pianista austríaco que destacó en la interpretación de música clásica y jazz. [editar] Biografía Friedrich Gulda nació en Viena, hijo de un profesor. Comenzó a aprender piano en la academia de Felix Pazofsky a la temprana edad de siete años. En 1942 ingresó en la Academia Musical de Viena, donde estudió piano y teoría musical a través de Bruno Seidlhofer y Joseph Marx. Ganó su primer premio en el Concurso Internacional de Ginebra, en 1946. Al principio, el pianista belga Lode Backx (1922) era el preferido, pero, al conocerse la decisión final del jurado, Gulda fue el ganador. Uno de los jueces, Eileen Joyce, que favoreció a Backx, se enfureció y creó un incidente menor insinuando que los que votaron por Gulda "habían sido sobornados" por los representantes de éste. Luego, Friedrich comenzó a viajar a través del mundo para mostrar su música. Junto a Jörg Demus y Paul Badura-Skoda, formó lo que se llamó Vienesse troika. Aunque fue conocido principalmente por sus interpretaciones de Beethoven, Gulda también interpretó música de Bach, Mozart, Schubert, Chopin, Schumann, Debussy y Ravel. En la década de 1950 se interesó por el jazz y comenzó a interpretarla con músicos vieneses, como por ejemplo Alexander Jenner, además de escribir canciones originales y fragmentos instrumentales combinando jazz con música clásica en sus conciertos. Gulda compuso obras como Variations on the doors o Light my fire y As you like it (1970). Gulda es considerado uno de los pianistas más importantes del siglo XX. Entre sus alumnos se encuentran intérpretes del renombre de Martha Argerich o Claudio Abbado. Expresó el deseo de morir el mismo día que nació uno de sus más grandes ídolos, Wolfgang Amadeus Mozart, y así fue; falleció el 27 de enero de 2000, a la edad de 69 años, debido a un paro cardiovascular. Gulda está enterrado en el cementerio de Steinbach, cerca del Lago de Attersee, en Austria.

martes, 22 de mayo de 2012

Dewey Redman

Dewey Redman (Fort Worth -Texas, 17 de mayo de 1931- Nueva York, 2 de septiembre de 2006), saxofonista (tenor) estadounidense de jazz. Seguidor de John Coltrane, tocó múltiples estilos, desde vanguardia jazzística hasta blues, pasando también por el bop. Influido desde su infancia por Louis Jordan y por lo clásicos del blues, Dewey comenzó tocando el clarinete en el instituto. Tras siete años en San Francisco, en 1967 se fue a Nueva York uniéndose al quinteto de Ornette Coleman. Trabajó, simultáneamente, con sus propias formaciones y con la Liberation Music Orchestra. Entre 1971 y 1976 tocó con Keith Jarrett y con el Old and New Dreams (grupo influenciado por Coleman). Es padre del saxofonista Joshua Redman. Falleció por un colapso masivo de origen hepático tras habérsele diagnosticado cáncer de próstata en 1997. 

lunes, 21 de mayo de 2012

Gary Peacock

Gary Peacock, (Burley, 1935) es uno de los grandes contrabajistas del jazz moderno. Su carrera profesional siempre estará marcada con letras de oro en la historia del jazz, por su pertenencia y relación musical con el trío del pianista, Keith Jarrett. Gary Peacock, comenzó a tocar el piano y la batería en su época de estudiante. Su afición por el jazz y por el contrabajo en particular se acrecentó durante el servicio militar que realizó en Alemania. Terminado éste, se afincó en Los Ángeles donde trabajó con los grandes músicos de la Costa Oeste. Allí conoció y tocó con Paul Bley, Barney Kessell y Don Ellis. En 1962 se trasladó a New York y colaboró con Albert Ayler y también ocasionalmente con el pianista, Bill Evans en su disco, "Trío 64". En aquélla época prevaleció sin embargo la colaboración con Albert Ayler, primero en trío con Sunny Murray y luego en cuarteto con el añadido de Don Cherry. Con ese cuarteto realizó una triunfadora gira por Europa grabando en Copenhage un álbum extraordinario titulado: "Ghost" liderado por Albert Ayler. Hasta el final de la década de los sesenta graba varios discos siempre a nombre de Ayler o de Paul Bley. Toda la primera mitad de la década de los setenta, los dedicó simultáneamente a la enseñaba de la ciencia macrobiótica en Seattle y a profundizar sus conocimientos en la cultura oriental, llegando a estudiar en Japón la filosofía Zen. En 1977 la música volvió a convertirse en su actividad principal y grabó el primer disco a su nombre para el sello ECM, titulado "Tales of Another" que tuvo una gran acepcion de critica y público, y fue su primera colaboración con Keith Jarrett y Jack DeJohnette. A ese álbum le siguió otro practicamente al contrabajo solo y colaboró en otro disco con el guitarrista, Bill Connors. La carrera de Gary Peacock, da un giro de 180º en la década de los ochenta. En 1983 empieza su colaboración con el pianista, Keith Jarrett y el baterista, Jack DeJohnette, y durante los próximos veinte años, el trío formado por esos músicos rompe todos los moldes establecido en el trío clásico de jazz. Cuando graba con Jarrett liderando las sesiones degrabacion, sus extraordinarios discos: "Standars. Vol 1"; "Standars. Vol 2" y "Standars Live", estos tres músicos, dieron un paso trascendental al frente de un trío convencional para iniciar lo que hoy alcanza dimensiones de enciclopédico homenaje a la tradición jazzistica. Todavía hoy, ese trío sigue en la cima de la vanguardia jazzistica y su música, lejos de estar caduca y añeja, sigue sonando fresca, improvisada y con swing suficiente.

domingo, 20 de mayo de 2012

Red Rodney

El trompetista, Red Rodney, pasó a la historia del jazz cuando se unió en 1949 al quinteto de Charlie Parker. Estudió música en Mastbaum, y a los quince años empezó a tocar profesionalmente pasando por varias orquestas como las de Jimmy Dorsey, Tony Pastor, Les Brown, Claude Thornill y Gene Krupa. En 1948, entró en la formación de Woody Herman con quien grabó "The Crickets" y More Mon". En 1949, Charlie Parker, lo llamó para que sustituyera en su quinteto a Kenny Dorham y durante mas de un año, Red Rodney, vivió junto a Parker la eclosión del bebop actuando en infinidad de locales y clubes. Con Parker, inauguró el "Birdland" y también realizó giras por el Sur de los Estados Unidos y Europa. Sus problemas con las drogas le apartaron de la actividad musical y fue ingresado en un Hospital de Lexington. Reaparece con fuerza y se une a los grupos de Charlie Ventura, de Oscar Pettiford, y mas tarde con el de Stan Kenton. Durante algunos años estuvo en pequeños grupos locales y en algún que otro programa televisivo como el dirigido por Sammy Davis, Jr. En los sesenta, y tras alguna veleidad con la música pop, se enroló en la orquesta de Count Basie (1964-1965) y tras otro paréntesis forzado por su salud, organizó en la compañia de George Wein, un espectáculo musical titulado: "Musical Life of Charlie Parker" que recorrió el viejo continente entre 1974 y 1975. Su participación, tanto como músico como actor en la película homenaje a Charlie Parker, dirigida por Clint Eastwood (Bird, 1988) fue uno de sus ultimas apariciones.
Os dejo éste vídeo que a pesar de su corta duración, muestra su forma de tocar la trompeta.



sábado, 19 de mayo de 2012

Samba

El samba es un género musical surgido en Brasil, de raíces africanas, considerado el estilo musical nacional. Es una de las principales manifestaciones de la cultura popular brasileña, y un símbolo de la identidad nacional. Las raíces del samba se remontan a África, principalmente Angola, donde la danza samba fue su predecesora. El nombre samba probablemente viene de esta centenaria música de estilo ritual. En América Latina y Brasil se utiliza como masculino (el samba), mientras que en España se utiliza como femenino (la samba). El samba no debe confundirse con la zamba (género musical completamente distinto, de Argentina y Uruguay, donde se pronuncia /la samba/). El samba se desarrolló como una forma distintiva de música en los inicios del siglo XX en Río de Janeiro (entonces capital del Brasil), bajo la fuerte influencia de los inmigrantes africanos del estado brasileño de Bahia. El título "escuela de samba" ("escola de samba") se originó durante el periodo de formación de este género. "Pelo Telefone" (1917), de Donga y Mauro Almeida, es generalmente considerada la primera grabación de samba. Su gran éxito trajo al nuevo género fuera de las favelas. Quién creó la música es inseguro, pero probablemente fue obra del grupo alrededor de Tia Ciata, entre ellos Pixinguinha y João da Bahiana. En los años treinta, un grupo de músicos liderados por Ismael Silva fundó la primera escuela de samba, Deixa Falar, en el barrio de Estácio de Sá. Ellos transformaron el género musical para que encajara mejor en el desfile del carnaval. En esta década, la radio difundió la popularidad del género por todo el país, y con el apoyo del presidente Getúlio Vargas, se convirtió en la música oficial del Brasil. En los años siguientes, el samba tomó muchísimas direcciones. Desde la elegante samba-canción (samba-canção) hasta las orquestas de batería que acompañaban el desfile del carnaval. Uno de estos nuevos estilos fue la bossa nova, hecho en un principio por gente de origen europeo de clase media. La bossa nova ganó popularidad mundial a través de los trabajos de João Gilberto y Antônio Carlos Jobim, entre otros, y llegó a Norteamérica con los álbumes de Gilberto junto al saxofonista de jazz estadounidense Stan Getz, y la banda sonora de Jobim de la película Black Orpheus (Orfeo negro) en 1959. En la década de 1960, el Brasil se dividió políticamente con la llegada de un dictador militar, y los músicos izquierdistas de bossa nova empezaron a prestar atención a la música hecha en las favelas. Muchos artistas populares fueron descubiertos en este período. Nombres como Cartola, Nelson Cavaquinho, Velha Guarda da Portela, Zé Keti, y Clementina de Jesus grabaron sus primeros álbumes. En los '70, el samba volvió a las ondas radiales con compositores y cantantes como Martinho da Vila, Clara Nunes y Beth Carvalho. En el inicio de la década de los '80, después de haber eclipsado su popularidad con la llegada de la música disco y el rock brasileño, el samba reapareció en el medio con un movimiento musical creado en los suburbios de Río de Janeiro. Era el pagode, un samba renovada, con nuevos instrumentos - como el banjo y el tantan - y un nuevo lenguaje que reflejaba el modo de hablar de mucha gente en ese entonces. Los artistas más populares fueron Zeca Pagodinho, Almir Guineto, Grupo Fundo de Quintal, Jorge Aragão y Jovelina Pérola Negra. El samba es extremadamente popular en Japón, especialmente en sus formas más tradicionales; tanto que algunos sambistas como Nelson Sargento, Monarco, y Wilson Moreira han grabado específicamente para el mercado japonés y empleado mucho tiempo en giras en este país. Hoy en día, el samba aún es uno de los géneros musicales más populares de Brasil. 

Os dejo un@ samba  intepretada por el violonchelista, arreglista, director, productor musical y compositor Jaques Molerenbaum junto a su Cello Samba Trio.


viernes, 18 de mayo de 2012

Tigran Hamasyan

Tigran Hamasyan (nacido el 17 de Julio de1987) es un pianista armenio de jazz. Interpreta genralmente composiciones orginales influenciadas notablemente por la tradición folclórica armenia.
Os dejo un vídeo de su trio.


jueves, 17 de mayo de 2012

The Sound of Jazz CBS 1957

En 1957 la cadena CBS produjo la serie de diez programas de televisión Seven Lively Arts. Entre ellos dedicaron uno al jazz titulado “The Sound Of Jazz”. A lo largo de una hora recogía la música de un grupo de artistas pertenecientes a varias décadas y estilos. Entre ellos se encontraban Count Basie, Lester Young, Ben Webster, Billie Holiday, Coleman Hawkins, Doc Cheatman, Henry Red Allen, Vic Dickenson, Pee Wee Russell, Thelonious Monk, Jimmy Giuffre, Jim Hall y Gerry Mulligan. Organizados en distintos grupos dejaron para la posteridad una hora de jazz en blanco y negro, en un estudio despojado de todo decorado o adorno, en el que lo importante no era tanto la música sino los músicos, tanto tocando como moviéndose libremente para disfrutar de la música de sus compañeros.

A lo largo de los diez temas hay espacio para que se sucedan una multitud de momentos únicos e inolvidables. Sin embargo, y por encima de todos ellos, hay que destacar la intervención de Billie Holiday interpretando “Fine and Mellow”, en la que aparece acompañada por Mal Waldron, Roy Eldridge, Doc Cheatman, Vic Dickenson, Gerry Mulligan, Coleman Hawkins, Lester Young y Ben Webster entre otros. Un tema en el que Lady Day es capaz de emocionar al más pintado y en el que demostraba una vez más su enorme capacidad como intérprete: sólo por este tema merece la pena echar un vistazo a este programa.


miércoles, 16 de mayo de 2012

Steve Swallow

Steve Swallow empezó dedicándose al piano y después a la trompeta para lo que empezó a tomar clases de profesores particulares. A los dieciocho años paso al contrabajo, y ya en 1960 actuó profesionalmente con el trío de Paul Bley, músico con el que grabó, dos años después, el álbum: Fusión y Free Fall, acompañando a Jimmy Giuffre siempre con el pianista. En 1963 grabó un álbum emblemático en la carrera de Paul Bley, el excepcional, "Footlose", y en 1965, otro magnifico disco: "Closer". En 1961 tocó con el maestro George Russell y fue también protagonista directo de otro extraordinario álbum a nombre de éste ultimo y titulado: "Ezz-Thetic". Con ése extraordinario bagaje musical, Steve se unió al grupo de Jimmy Giuffre y Art Farmer, y en 1965 fue contratado por Stan Getz en su cuarteto, con el que actuó en Europa grabando discos de enorme éxito como: "The Stan Getz Quartet in Paris" o "The Best of Two Worlds". En 1964 y 1965 formó parte de la "Jazz Composer's Orchestra" y en 1967 tocó con Carla Bley y Gary Burton dejando grabado un magnifico disco titulado: "A Genuine Tong Funeral". La colaboración con Burton duró hasta 1970 y ése tiempo también formó parte del extraordinario álbum grabado para el sello Atlantic entre Burton y Keith Jarrett. En 1970 se trasladó a California donde se estableció hasta 1973 y allí amplió su faceta de compositor por encargo del pianista, Art Lande. En San Francisco tuvo la oportunidad de conocer y tocar con los mas grandes músicos de la Costa Oeste. Allí también conoció a un magnifico pianista llamado Steve Kuhn con quien grabaría también un álbum. A su nombre la discografíá como líder no es muy extensa, pero si de una calidad fuera de lo común; su primer álbum fue grabado para el sello alemán ECM en 1974, y se tituló: "Hotel Hello". Siguió grabando para ECM y en 1996 obtuvo su fruto cuando grabó el que muchos consideran su obra maestra particular, un excelente álbum titulado. "Deconstructed". Su último disco, por el momento, es el grabado en 2004 y titulado "L' Histoire Du Clochard: The Bum's Tale", una grabación extraordinariamente original donde da rienda suelta a su creatividad sobre la base de composiciones propias. 
Os lo dejo formando parte del John Scofield Trio en una sentimental versión del clásico de Gershwin "Someone to Watch Over Me", dónde queda demostrada la incierta relación entre número de notas por minuto y excelencia musical.


martes, 15 de mayo de 2012

Kristin Korb

Kristin Korb es una contrabajista y cantante americana. Korb cursó sus estudios en la University of California, San Diego. Asimismo tomó clases del maestro del contrabajo Ray Brown, con quién grabó su debut discográfico en 1996. Vocalista y contrabjista reconocida internacionalmente, reside en Glendale, California. Esta dama que alterna entre la música y la docencia, es como una especie de cóctel cuyos ingredientes son Mingus, Ray Brown, Sarah Vaughan y Ella Fitzgerald. Os dejo este video de una hora de duración del recital dado en el jazz club Porgy & Bess de Viena.


lunes, 14 de mayo de 2012

Martin Scorcese presents The Blues : A Musical Journey

Producida por Martin Scorcese, "The Blues" es una serie de personales películas dirigidas por algunos de los directores más importantes de los últimos tiempos, que capturan la esencia de la música blues, mostrando su influencia y su historia, desde sus raíces africanas a su papel inspirador de la música actual, desde el rhythm & blues o el country al rock & roll y el hip-hop.
Tener éstos documentales doblados al español, debe de más o menos ser como ganar al mus.......si alguien se da por aludido será recordado por siempre en mis letanías de cada día.


domingo, 13 de mayo de 2012

Carlos Miyares


Carlos Miyares es un saxofonista y compositor cubano miembro de la banda the Afro Cuban Messengers liderada por el pianista Chucho Valdés. Os dejo este vídeo suficientemente explícito sobre su calidad musical.

sábado, 12 de mayo de 2012

David Sanborn

Después de intentar tocar diversos instrumentos, David Sanborn, emprendió seriamente su estudio del saxo alto a los catorce años, apenas recuperado de un proceso grave de pulmonía. Comenzó a tocar en la zona de St Louis como bluesmen de Little Minton y Albert King. Por esa época conoció a las jóvenes promesas del jazz, Randy Brecker y Keith Jarrett. Por razones de estudio se trasladó a Chicago y llegó a tocar con músicos de vanguardia como, Roscoe Mitchell y Lester Bowie. Se trasladó posteriormente a la Universidad de Iowa, donde conoció al pianista, Dale Oehler llegando a tocar con él en la formación de Tom Davis. En 1967, afincado en San Francisco, fue contratado por el baterista, Philip Wilson, dentro de su grupo denominado "Butterfield Blues Band" con la que permaneció hasta 1971. De esa época son sus primeras grabaciones como jazzman de Wilson. Tocó luego durante año y medio con Stevie Wonder, y en 1973 entró en la orquesta del gran arreglista, Gil Evans. En el seno de dicha orquesta fue cuando empezó a ser conocido y reconocido como un músico con talento. Con Gil Evans, realizó varias giras por Europa e intervino en discos como "There Comes a Time". En 1974, tocó con David Bowie, los hermanos Brecker, y con Chick Corea. En 1975, graba su primer disco a su nombre para el sello "Warner" titulado "Taking Off". Con la "Warner Bross" estuvo hasta 1988, grabando cerca de una docena de discos, todos ellos dotados de una calidad pareja, destacando el titulado "Voyeur" grabado en 1980. Tras su estancia con "Warner", firma en 1991 con el sello "Elektra" donde deja otros seis álbumes espléndidos, siendo el mejor de todos, el titulado "Upfront" grabado en 1992. Con este sello estuvo hasta 1999 y a partir de ahí alterna las grabaciones para "Warner" y "Reprise". Músico dotado de una extraordinaria técnica y de un especial virtuosismo con su instrumento, es capaz de pasar con facilidad de la vulgaridad a la genialidad y esa irregularidad es la que de momento le impide el total reconocimiento de la comunidad jazzistica.

Os dejo esta versión del tema "Smile" compuesto curiosamente por Charlie Chaplin para su película  "Tiempos  Modernos".



El pianista portugués Bernardo Sassetti,  ha muerto a los 41 años, al despeñarse por un acantilado próximo al balneario de Cascais, al oeste de Lisboa, cuando estaba tomando fotos.
Acantilados de Cascais - Foto : Gatopardo

viernes, 11 de mayo de 2012

Jutta Hipp

Jutta Hipp (Leipzig, 4 de febrero de 1925 - Queens, 7 de abril de 2003) fue una pianista de jazz y pintora alemana. Cómo música, estuvo encuadrada en el bebop y el cool. Estudió pintura en Alemania, pero ya durante la guerra empezó a tocar jazz, dedicándole gran parte de su tiempo. Tras la guerra, se trasladó a la zona occidental y trabajó con Hans Koller durante un tiempo. Lideró también un quinteto, en el que el hermano de Albert Mangelsdorff, Emil, fue uno de los miembros más destacados. En 1954 tocó con Attila Zoller. El crítico Leonard Feather quedó impresionado con su trabajó cuando la escuchó en Alemania y pronto se trasladó a Nueva York, donde pasaría el resto de su vida. Criticada en principio por algunos por sus similitudes con su valedor Horace Silver, en 1956 tocó en el Newport Jazz Festival y grabó un álbum de estudio con Zoot Sims, que está considerado como uno de sus mejores trabajos.

jueves, 10 de mayo de 2012

Paulo Moura & Yamandú Costa

Hoy os dejo un vídeo de dos excepcionales músicos brasileños, el clarinetista Paulo Moura (15 de julio de 1932, en San José do Rio Preto, São Paulo) y el guitarrista Yamandú Costa (24 de enero  1980, Passo Fundo, ) en una versión de la archiconocida "Paloma". 

miércoles, 9 de mayo de 2012

Malia

Malia se crió en Malawi de madre de piel negra e ingeniero británico de piel blanca. Malawi era entonces colonia británica con gran segregación racista y el matimonio mixto de sus padres trajo problemas consigo. Malia describe sus años en Malawi como una extraña rechazada por el mundo. Sólo a los catorce años tras su mudanza a Londres, se le abrió el mundo. Cuando más tarde comenzó a trabajar en un restaurante de jazz, aprendió a mar la música que ahora canta. Descubrió los discos de Billie Holiday, Sarah Vaughan, pasando éstas a ser sus maestras. El jazz se convirtió en su música y la comunidad jazzística en su país.  Canciones como "Strange Fruit" y "Young, Gifted and Black" le enseñaron a ser fuerte y orgullosa. "No necesité a Duran Duran y el jazz pasó a ser la banda sonora de mi vida".
Os dejo este vídeo promocional en una versión del clásico de Nina Simone "My Baby Just Cares For Me".


martes, 8 de mayo de 2012

Charlie Barnet

Charlie Barnet, nació en New York en el seno de una familia adinerada y con gran influencia en la alta sociedad neoyorquina. A los ocho años aprendió a tocar el saxofón y prescindiendo de los estudios jurídicos que quería su familia, se embarcó en una orquesta de jazz denominada "SS Republic" que cruzaba el Atlántico. A su vuelta era un apasionado del jazz y tras varios escarceos con su grupo por Texas y California, a finales de los años treinta, deambulaba por el barrio negro de Harlem en busca de las raíces de esa música que noche tras noche tocaba. Allí conoció la música de Duke Ellington, un músico que a partir de entonces veneró. Se comprometió consigo mismo, en sacar el jazz de aquel gheto negro y su compromiso fue tan fiel, que se ganó el respeto de la comunidad negra del jazz. Tuvo el honor de ser el primer músico blanco, que dirigió una orquesta de músicos blancos, en el escenario sagrado del jazz negro: El Apollo Theatre de Harlem. Tuvo un gran éxito y su saxo sonó aquella noche como el Coleman Hawkins. Charlie Barnet, utilizó su influencia y la de su familia para romper barreras racistas en los empresarios de clubes neoyorquinos que no veían con buenos ojos, a negros y blancos tocando juntos en el mismo escenario. En ese sentido, su orquesta fue la pionera en contratar músicos de color, y así se incorporaron a su banda, el trompetista, Roy Eldridge o el saxofonista, Benny Carter. En 1939, Barnet, firmó un contrato para grabar una serie de discos con la filial de la RCA, el sello "Bluebird". Allí grabó el celebre tema de Ray Noble, titulado: "Cherokee" y su versión fue muy conseguida. Otro gran éxito de Barnet, fue el tema "Skyliner". Incorporó a su banda al clarinetista, Buddy de Franco, a la cantante Lena Horne y al saxofonista, Dodo Marmarosa. Ya en plena crisis de las grandes orquestas, disolvió la suya en 1949 y su estela se difuminó para siempre. 

lunes, 7 de mayo de 2012

Charlie Byrd

Charlie Byrd (1925 – 1999) comenzó tocando la guitarra a temprana edad bajo la orientación de su padre. En su adolescencia, él estaba tocanco guitarra con grupos locales en Virginia y Washington. En el Instituto Politécnico de Virginia, tocó guitarra con la banda de la escuela. Durante la segunda guerra mundial toco con una banda del ejército en Europa. Después de la guerra se radicó en Nueva York, donde toco con grupos locales de jazz como Joe Marsala y Freddie Slack. En 1950 Charlie Byrd volvió a la zona de Washington DC, donde comenzó a estudiar la guitarra clásica. Siempre había tenido interés en guitarra clásica y decidió en este momento para comenzar un estudio serio del instrumento. Estudió guitarra con la teoría de Sophocles Papas y música con Thomas Simmons. En 1954 fue a Italia a estudiar con Andrés Segovia. Poco después de ese viaje fue que forma un trío de jazz por primera vez y comenzó a llevar a cabo actuaciones en clubes locales. Su instrumento de elección para su trío era la guitarra de concierto. En el trío formato Byrd encuentra la forma perfecta para mezclar su amor por el jazz y blues con música clásica. La orientación de la música para el trío era jazz, pero jazz inspirado con técnica clásica y sonido. Entre 1957 y 1960 su trío lleva a toca en los alrededores de Washington. Durante ese tiempo Charlie Byrd hizo algunas de sus mejores trabajo grabado en 1957 lanzó considerando de jazz y Blues For People noche y en 1958 Jazz en el Showboat y en 1959 guitarra en el viento y en 1960 Choice del Charlie también conocido bajo el título El arte de Charlie Byrd. En 1961 lanzó Charlie Byrd en The Village Vanguard. Fue esta grabación que introdujo a Charlie a una la audiencia más amplia que ha tenido en Washington DC. En 1962 Charlie Byrd y su trío viajaron a América del Sur bajo el patrocinio del Departamento de Estado. Cuando regresó a los Estados Unidos hizo el hito de grabación con Stan Getz Jazz Samba. A diferencia de las grabaciones con Laurindo Almeida y Bud Shank de la música brasileña, estos registros fueron al público radioescuha y había hecho de Charlie Byrd un nombre de hogar. A lo largo de los 1970 1980 y de los noventa Charlie Byrd siguió grabando y reproduciendo. Lo hizo con algunas grabaciones excepcionales con Barney Kessel y Herb Ellis como Las grandes guitarras y docenas de grabaciones en su propio nombre. Charlie Byrd es muy recordado por el trabajo que hizo con Stan Getz y por su trabajo con Herb Ellis y Barney Kessel, como El gran guitarras. La importancia de esos dos asociaciones a veces oscurece el trabajo notablemente innovador que hizo al final de la década de 1950 y 1960 con su trío. Aunque Laurindo Almeida lo precedieron en el uso de la guitarra de concierto en un entorno de jazz, estilo y técnica de Byrd parecen perfecto para jazz. Ambos un alto grado de sofisticación trajo a la guitarra de concierto debido a su formación clásica y un hogar abajo tipo de calidad que vino a través de cuando toco blues y jazz directamente anticipada. Se ha dicho podría tocar una cantata de Bach con la misma facilidad que una canción de Gershwin, pero entregó a cada uno en su propia manera única. 

domingo, 6 de mayo de 2012

La Mama

Fotomontaje : Gatopardo
Hoy día de la madre os dejo la voz de Ray Charles y el tema compuesto por  Charles Aznavour.


sábado, 5 de mayo de 2012

The Girl from Ipanema - Erroll Garner


Sin duda, La chica de Ipanema es el tema más célebre del mítico dúo brasileño de compositores Carlos Antonio Jobim/Vinicius de Moraes. Muchas veces os habréis preguntado por su improbable e inexistente apariencia. La "chica" existe, se llama Heloísa Eneida Menezas Paes, pero cuando los autores de la canción se fijaron en ella, corría el año 1962, se llamaba Heló Pinheiro. Tenía 15 años de edad y solía acudir al café Veloso de Ipanema, en Río de Janeiro, a comprar tabaco para su padre.

Además de despejaros la incógnita, os dejo un vídeo de la visión personal de Erroll Garner sobre esta mítica bossanova.


viernes, 4 de mayo de 2012

Paul Emil Breitenfeld (Paul Desmond)

No faltan ejemplos de músicos de jazz que, por el motivo que fuera cambiaron su nombre por otro. Un caso curioso es el del saxofonista Paul Emil Breitenfeld, que pensaba que su nombre ral sonaba "demsiado Irlandés" y cierto día optó por mirar al azar un nombre en el calendario. La suerte le llevó a adoptar el de Paul Desmond. Actualmente se recuerda a Paul Desmond, aquél elegante saxofonista, sobre todo por sus colaboraciones con Dave Brubeck, muy especialmente en el ya clásicos -y, por cierto, compuesto por el propio Desmond- Take Five.
Os lo dejo en una versión del tema de Paul Simon Mrs Robinson.


jueves, 3 de mayo de 2012

Lee Konitz & Lennie Tristano

El cool jazz no podrá ser rotundamente clasificado de "jazz blanco", como el dixieland, si incluimos entre sus cultivadores a Lester Young y a Miles Davis. Sin embrago Lee Konitz, uno de los más destacados intérpretes de la escuela y uno de los músicos blancos más dotados, no puede ser emparejado con Davis o con Young salvo en sus aspectos más superficiales. Si comparamos a Konitz con Davis veremos que, a pesar de haber tocado juntos en diversas ocasiones y de que juntos crearon parte de la mejor música de coolk jazz (los ocho discos que grabaron entre 1948 y 1949), sus enfoques básicos son totalmente dispares, aunque los dos, dentro de las limitaciones y exigencias de sus respectivos instrumentos, prefierann los sonidos puros, casi sin vibrato. Y aqui terminan las semejanzas. John Lewis, el pianista y director del Modern Jazz Quartet, y el pianista Lennie Tristano, as blanco de una de una de las más excitantes ramas del estilo cool, están considerados por igual como artistas pertenecientes al cool jazz. Sin embargo, sería difícil encontrar dos instrumentistas y compositores más dispares. Lewis, pese a su insistencia en empapar sus composiciones con los dictados de la música europea, es uno de los más conmovedores intérpretes de blues que hay en el jazz, pero resulta muy difícil imaginar a Tristano tocando blues.

Blues People - LeRoi Jones (Amir Baraka)


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miércoles, 2 de mayo de 2012

Blue in Green

Paul Virilio, el filósofo francés, dice que ya hemos colonizado el espacio y que ahora estamos colonizando el tiempo. La velocidad lo es todo. Velocidad, velocidad, velocidad, rápido, rápido, rápido, ya, ya, ya. La comunicación digital. Las "comodidades" de la vida moderna. Pero el arte y por ende la música necesita calma. El arte es estático -inerte- hecho para la contemplación y el placer. Es un punto de meditación. El afán por ir deprisa es casi la intención contraria al arte.
Menos mal que nos queda la música de Bill Evans. 
Os dejo éste maravilloso tema compuesto al parecer por Bill Evans, aunque se lo adjudicó Miles Davis para su álbum Kind of Blue, en versiones de Chet Baker y Naruyoshi Kikuchi & Hiroshi Minami.


martes, 1 de mayo de 2012

Snooks Eaglin, el guitarrista prodigioso de Nueva Orleans

"Podía tocar cualquier cosa que tuviera cuerdas". Así definía Quint Davis, director del Festival New Orleans Jazz and Heritage, a Snooks Eaglin, que murió el 18 de febrero en esta ciudad, de la que nunca salía. Sufrió un infarto y llevaba un año luchando contra el cáncer de próstata. Fird Eaglin Jr. nació en Nueva Orleans el 21 de enero de 1936, y siendo niño, quedó ciego a causa de un glaucoma y lo primero que tocó fue un ukelele con cuerdas de goma que le regalaron. Pegado a la radio, pasó después a la guitarra, que aprendió a tocar de oído. Precisamente tomó su nombre artístico, Snooks, en homenaje a un personaje radiofónico llamado Baby Snooks. Fue a la Escuela Louisiana para Ciegos de Baton Rouge, pero a los 14 años abandonó los estudios para dedicarse profesionalmente a la música. Se unió a los Flamingos, un septeto de rhythm and blues. Con ellos vivió una de las anécdotas más llamativas de su juventud. Después de una gala nocturna en un pueblo llamado Donaldsonville, los músicos estaban tan borrachos que decidieron que debía ser Snooks quien condujera de vuelta a casa. Y lo hizo, siguiendo las curvas de memoria. Así se lo contó a John Blancher, propietario del club Mid-city Lanes, donde Eaglin tocaba a menudo, como explicaba The Times-Picayuna. Cuando llegaron a su casa, su madre salió enfurecida y los mandó a todos a la iglesia para dar gracias por semejante milagro. Blancher conoció a Eaglin después de que se lo recomendara Robert Plant, el líder de Led Zeppelin, que se lo habían presentado en una fiesta. Sus dedos hacían prácticamente números de circo sobre las cuerdas de la guitarra, fuera de seis o de 12 cuerdas, y cantaba con una voz ronca trufada de emoción. Tocaba sobre todo con la uña del pulgar y en ocasiones en posturas inverosímiles. Además, conocía al menos 2.500 canciones, lo que le convertía en una especie de rocola humana que podía tocar desde el Para Elisa, de Beethoven hasta el Ready for Love, de Bad Company. "La razón por la que cubro un campo tan amplio", dijo en una entrevista en The Guardian en 1989, "es porque cuando tocas música, tienes que seguir moviéndote. Si no, eres como un aficionado que repite lo mismo todas las noches, y es una lata". Dado a recluirse y excéntrico en ocasiones, quien quisiera verlo tenía que ir a Nueva Orleans. Allí vivió en Saint Rose con su esposa, Dorothy, Dee, durante 30 años. Ella se sentaba a un lado del escenario cuando él tocaba. Tuvo de espectadores, además de Plant, Paul McCartney o Eric Clapton, a Bonnie Raitt, a quien le dijo desde el escenario: "¡Escucha esto, Bonnie! Vas a aprender algo esta noche". 

LILA PÉREZ GIL/EL PAÍS