sábado, 31 de marzo de 2012

El jazz, una música pecaminosa

Benedicto XVI aterrizó en La Habana con todo su misal a punto, para después plantarse en la plaza de la Revolución y regalar sus oraciones y plegarias a la numerosa parroquia cubana allí congregada. No lo dijo en su homilía, pero en los corrillos se habló de que también le apetecería saludar a Fidel Castro, aunque la cita fuese en chándal. Y así sucedió, ambos mandatarios aparcaron sus ideologías y diferencias y mantuvieron un encuentro "cordial" de unos 30 minutos de duración, tal y como informó puntualmente nuestra compañera Irene Hernández Velasco. La entrevista no estaba en agenda, así que sus santidades (una marxista y la otra católica) hubieron de improvisar, como si de dos buenos jazzistas se tratara. En La Habana saben mucho de improvisar (más aún de inventar y buscarse la vida), en lo que bien pudiera ser una metáfora de su gran corazón jazzístico. Allí, en todas las casas vive algún músico, dividido entre el academicismo de la música clásica y el jazz moreno, que a nuestro modesto juicio es lo que más gusta y se toca, folclores y tradiciones yorubas al margen. No consta que al Papa le guste el jazz, una música pecaminosa a la que las religiones siempre han mirado mal, aunque paradójicamente las iglesias hayan sido las primeras escuelas de algunos de los artistas más grandes que ha dado y sigue dando el género. Al menos en los templos norteamericanos, ya que en nuestro país, ya se sabe, las misas se acompañan, en el mejor de los casos, de guitarritas y cánticos a lo alabaré (aquí el único que hizo música grande en un altar fue Enrique Morente, con unas misas flamencas que conectaban con todas las divinidades y espiritualidades). A pesar de todo, y viendo a ese Papa entregado a la inercia de la improvisación y el alma cubana, gusta pensar en la posible visita del Santo Padre a uno de los templos jazzísticos más famosos de La Habana, La Zorra y el Cuervo. Las paredes de este club emplazado en el barrio de El Vedado pueden contar orgullosas grandes noches de conciertos y jam sessions, lo que en Cuba llaman descargas. Y puestos a imaginar, cabría soñar con un segundo encuentro entre Fidel y Benedicto, porque las negociaciones siempre descubren mejores soluciones cuando se rodean de buena música. La Zorra y el Cuervo ha sido justa alternativa al legendario Tropicana de Marianao, un refugio donde los músicos han podido abrazarse al jazz y destino habitual de las grandes figuras del género que asisten al Festival de Jazz de La Habana que dirige Chucho Valdés. No extraña por tanto que el club esté considerado como uno de los pulmones jazzísticos de la capital cubana, así como magnífico 'conservatorio' de los músicos e intérpretes que un día nos visitarán. En los últimos años se ha producido una evidente emigración de jazzistas cubanos a nuestro país, que ahora se abren paso entre nuestras calles. Muchos de ellos se citan estos días en la madrileña sala Bogui Jazz de la calle Barquillo, que organiza el ciclo 'Jazz con sabor cubano'. El programa cuenta con destacados "exiliados" como los pianistas Pepe Rivero o Iván 'Melón' Lewis, así como jóvenes promesas con mucho y buen horizonte, el saxofonista Inoidel González, habitual colaborador de Javier Limón, o el baterista Georvis Pico, que acaba de publicar su primer disco como líder, Horizonte urbano, nada menos que en la multinacional discográfica Universal. Todos ellos y muchos más, léase los veteranos Bobby Martínez y Horacio 'El Negro' Hernández, Alaín Pérez, Ariel Brínguez, los hermanos Vistel, Carlos Sarduy, Reinier Elizarde 'El Negrón', Caramelo Javier Masso, Daniel Amat, etc., están construyendo audaces malecones musicales en nuestras ciudades, por si en futuro, y puestos a imaginar, Benedicto XVI visitara de nuevo nuestro país subyugado por el alma cubana y la improvisación. 

Pablo Sanz / EL MUNDO.es

Os dejo un par de vídeos de Alain Pérez, uno de  tantos músicos cubanos de jazz llenos de talento.


viernes, 30 de marzo de 2012

Eurovisión

Como todos los años supongo que estará al caer el festival de los festivales, o sea Eurovisión. Para contrarrestrar en lo posible las insoportables canciones causantes de la llamada Eurofobia, he aquí un programa de intervalo del Eurofestival del año 1978 con Oscar Peterson, Stephane Grappelli, Yehudi Menuhin, Kenny Clarke y Nils Henning Ørsted Pedersen.
 

jueves, 29 de marzo de 2012

Max Roach

El batería de Jazz Max Roach dijo en cierta ocasión que "existen dos teorías" acerca del arte y del artista: "Una es que hay que hacer el arte por el arte, lo cual es cierto. La otra teoría, que también tiene razón, sostiene que el artista es un secretario". Roach explicaba que, según esta segunda teoría, el artista "toma nota de lo que mpasa en su época". Y después,habló ya en primera persona sobre esta cuestión: "Mi música intenta decir cómo me siento realmente, y espero que refleje de alguna manera cómo se sisente la gente negra en Estados Unidos".
Historias curiosas del Jazz/Lawrence Lindt

Maxwell Lemuel Roach (New Land, 1925) verdadero nombre del gran baterista, Max Roach, se interesó por el jazz desde muy temprana edad, tocando en una marching band, cuando solo tenia 8 años. Su madre, cantante de gospel, le aconseja abandonar el fliscornio para dedicarse a la percusión, y a renglón seguido se matricula en el Manhattan Conservatory of Music, del que se graduó en 1942 diplomado en percusión. A los dieciséis años sustituye a Sonny Greer en un concierto de la orquesta de Duke Ellington, proeza que repite bajo circunstancias similares en la orquesta de Count Basie. En 1942 los clubes de la Calle 52, hervían musicalmente gracias al sonido nuevo que Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Thelonious Monk y Kenny Clarke, estaban inventando en esos momentos y que denominaban bebop. Max Roach, y su amigo, Bud Powell, se sumergieron en ese ambiente y se impregnaron de las concepciones modernas. Cuando el baterista, Kenny Clarke, fue movilizado por el ejercito en 1943, y trasladado al frente de Europa, Max Roach, que actuaba regularmente en el club "Kelly's Stables" acompañando a Coleman Hawkins, fue elegido por Parker y compañía para formar parte de esas jam session en el Minton's Playhouse y el Monroe's, principalmente.

Fue Coleman Hawkins, quien le proporcionó su primera sesión de grabación en febrero de 1945, grabando para la casa "Apollo" la primera versión de "Woody'n You". En 1945, Max Roach, no pudo participar en los discos que Parker y Gillespie grabaron juntos, por haberse marchado de gira con la orquesta de Benny Carter. En otoño de 1945, de vuelta Parker, a New York pasó, ahora sí, a formar parte del histórico quinteto de Charlie Parker y Dizzy Gillespie con el que actuaban regularmente en el club "Three Deuces". A finales de Noviembre de 1945, graba con ellos los famosísimos temas emblemáticos del bebop: "Billie's Bounce" y "Now's The Time", e inmediatamente se integró en el primer y efímero proyecto de bigband intentado por Dizzy Gillespie. Tras la gira de Parker y Dizzy por California, Max Roach se queda en New York, tocando en la Calle 52 junto a Jay Jay Johnson, Dexter Gordon y otros músicos y a la salida de Parker de Camarillo se unió a su quinteto, paradigma del bebop, con el trompetista, Miles Davis, y él mismo como miembros fijos con Duke Jordan, sustituido en ocasiones por Bud Powell o John Lewis, y los contrabajistas: Tommy Potter, Curly Russell y Nelson Boyd sucesivamente. Los extraordinarios discos de Savoy y Dial de 1947 y 1948 recogen esos innovadores patrones rítmicos.

En 1949, viaja con Parker a Europa para participar en el Primer Festival de Jazz de Paris, y también en el histórico concierto del "Massey Hall" de Toronto en 1953 que edita el sello "Debut", fundado por Charles Mingus. En mayo de 1954, codirige con Clifford Brown, un quinteto de hardbop que en poco mas de dos años, pasó a ser uno de los grupos fundamentales del hardbop y de la década, grabando para el sello "Emarcy" toda una serie de discos excepcionales. Tras el trágico accidente de Clifford Brown, que le costó la vida, en 1956, y tras un tiempo tocando sólo en trío con el contrabajista, George Morrow y el tenor, Sonny Rollins, reconstruye el quinteto con el trompetista, Kenny Dorham. Continua colaborando con otros músicos y en julio de 1958 reemplaza a Dorham por el joven trompetista, Booker Little. Muy sensibilizado con la lucha de los negros, intensificadas a lo largo de ese mismo período, introduce en su arte una dimensión deliberadamente política y abre las puertas a la voz de Abbey Lincoln, quien, mas tarde, se convertiría en su esposa. En 1960, ese discurso se radicaliza y pasa de las palabras a los hechos organizando un festival paralelo y alternativo al oficial de Newport de ese año como forma de protesta contra la segregación racial y graba el extraordinario disco "We Insist! para el sello Candid, un alegato contra el racismo manifestado desde la misma portada del álbum, donde se ve a un camarero blanco en la barra de un bar con gesto amenazante hacía sus dos clientes negros.

En septiembre de 1962, graba junto a Duke Ellington y Charles Mingus, un disco extraordinario titulado "Money Jungle" y liderado por el "Duke" donde expresan, en forma de trío, todos los conceptos del nuevo sonido del jazz y donde Ellington, demuestra que su arte no se limita a la éra del swing. Max Roach, tampoco desdeñó enfrentarse a dúo con algunos de los mas significativos vanguardistas del jazz. Así graba entre 1976 y 1984 con Archie Shepp, Dollar Brand, Anthony Braxton, Cecil Taylor y otros. Max Roach, es, no sólo uno de los mejores solistas de la historia de la batería, técnicamente formidable, solista exquisito utilizando la batería de forma análoga a cualquier otro instrumento solista, sino que su curiosidad musical le ha llevado a explorar con gran originalidad la tradición afroamericana para convertirla en referencia obligada en el jazz moderno.



miércoles, 28 de marzo de 2012

Sir Roland Hanna

Sir Roland Hanna fue uno de los mayores artistas de jazz y uno de los pianistas más flexibles. Nacido en Detroit (Michigan) Roland comenzó sus estudios pianísticos asistiendo a  muy temprana edad a clases particulares con Josephine Love. Después de su graduación en la High School y dos años en el ejército, continuó sus estudios musicales en la Eastman y Julliard School of Music. Continúo su larga carrera actuando en los más grandes escenarios de todo el mundo. En 1970 fue condecorado por el Presidente de Liberia William V.S. Tubman, por su labor humanitaria en aquel país.


martes, 27 de marzo de 2012

Kenny Drew

El pianista Kenny Drew fue animado en su infancia por su madre, pianista clásica para que se interesara por la música. De adolescente estudió en la "Hig School of Music and Art" de New York y debutó profesionalmente acompañando a una orquesta estudiantil sin renombre. Estudio la música de Fats Waller, Art Tatum y Teddy Wilson, tres clásicos del piano de jazz en la era del swing y sus primeras influencias. En aquella época la Calle 52 de Harlem era un hervidero musical de nuevas ideas y alternó sesiones en directo con Sonny Rollins, Jackie McLean y Art Taylor. En uno de los clubes de la Calle 52, escuchó una noche tocar el piano a Bud Powell y el sonido del maestro del piano bebop, lo cautivó para siempre. En 1950 grabó su primer disco para Blue Note aunque liderado por Howard McGhee, y junto al trombonista, Jay Jay Johnson y Brew More. A finales del cincuenta y principios de 1951, Kenny Drew tocó al lado de las grandes vacas sagradas del jazz como los saxos tenores, Coleman Hawkins y Lester Young, y también con Charlie Parker. Al año siguiente se traslada a California donde formo un trío propio con el que actuó en diversos clubes de San Francisco y Los Ángeles. Allí grabaría su primer disco como líder junto a Curley Russell y Art Blakey. De vuelta a New York acompaña a la cantante Dinah Washington y toca durante dos meses con los Jazz Messenger de Art Blakey. De Junio de 1958 a marzo de 1959 actuó de manera consecutiva con el grupo de Buddy Rich antes de formar un nuevo trío, su formula musical preferida, y actuar en el estado de Florida. En 1960 actuó en el Festival de jazz de Newport y formo parte del cuarteto de Kenny Dorham. Al año siguiente viaja por primera vez a Europa actuando en Paris, Bolonia y Copenhague donde contrajo matrimonio con la hija del pianista Leo Mathisen. En Copenhague actuó asiduamente en el "Montmartre Jazzhus" con Dexter Gordon, Johnny Griffin, Jon Henderson, Hank Mobley, Ben Webster o Don Byas. Trabó una gran amistas con el contrabajista danés, Niels-Henning Orsted Pedersen y formo un dúo con el ampliándolo ocasionalmente con el añadido del guitarrista belga, Philip Catherine. Sus discos para el sello danés "Steplechease" son además de numerosos, magníficos y prácticamente con todo el amplio abanico de músicos que estaban de visita en Dinamarca. 
Kenny Drew fue un pianista extraordinario, dotado de una refinada técnica, de garra y precisión, valores con los que evitaba adornarse con florituras innecesarias.

lunes, 26 de marzo de 2012

Barbara Dennerlein

Barbara Dennerlein (25 Septtiembre 1964 i Munich, Alemania), es una organista Hammond B3 de hard-bop y post-bop.
Os dejo un blues de un concierto en Suiza acompañada de la guitarista Emily Remler.

domingo, 25 de marzo de 2012

Emily Remler

La guitarrista, Emily Remler (1957-1990), creció en Englewoods en el Estado americano de New Jersey. 
Eligió la guitarra como instrumento a los diez años inspirada y alucinada por la forma de tocar de Jimmi Hendrix y sus músicos. Atraída por el jazz en la adolescencia, Emily Remler, estudió en el "Berklee College" donde quedó fascinada por Wes Montgomery, Charlie Christian y George Benson. Terminó sus estudios con dieciocho años y se marchó a New Orleáns, donde trabajó profesionalmente en números ambientes musicales, incluido el Rhythm and Blues. 
Su reputación como guitarrista se extendió rápidamente y en 1979, regresó a New York donde su facilidad melódica y el sentido natural del swing que desprendía su instrumento, impresionaron a todos las que la oían tocar. Alentada por Herb Ellis y Charlie Byrd, en 1980 firmó un contrato con el sello Concord Jazz, y un año mas tarde, en abril de 1981, grabó su primer álbum titulado "Firefly" con Hank Jones al piano, Jake Hanna a a la batería, y Bob Maize al bajo. Tuvo un notable éxito con el disco y ello le permitió ser invitada a los festivales de jazz de Colonia, Berlín y el Concord Jazz festival. 
Los años ochenta fueron para Emily Rimler, la década de su consagración; dirigió su propio grupo, un cuarteto con la presencia de James Williams en 1982 y realizó numerosas giras, actuaciones y conciertos en todo el mundo y en su música siempre estaban presentes los grandes maestros de la guitarra de jazz que le habían inspirado: Wes Montgomery, Kenny Burrell y Charlie Christian. Entre 1981 y 1988 grabó cinco discos para Concord, siendo el último de ellos un homenaje explicito al gran Wes Montgomery, "East to Wes" (Concord Jazz), 1988). 
Como muchos otros músicos, su carrera se malogró por la entrada en su vida de las drogas. Un mal día de 1990, el 4 de mayo, fue encontrada muerta en un hotel de Sidney en Australia por una sobredosis. Con ella se fue una gran instrumentista femenina de jazz, uno de los pocos caso en que la mujer se acerca al jazz para hacer algo que no sea cantar. 


sábado, 24 de marzo de 2012

Stan Getz un tipo peculiar

Una vez preguntaron a Duke Ellington si creía que era posible ser una mala persona pero hacer buena música. El maestro de maestros respondió con el nombre de un ilustre saxofonista de jazz : Stan Getz

En cierta ocasión, debido a sus adicciones, intentó atracar una farmacia en Seattle. El inconveniente fue que la pistola era de juguete y la policía lo detuvo de inmediato.  En comisaria le dieron una soberana paliza y de regreso a casa volvió ser detenido dando con sus huesos en la cárcel con una condena de seis meses. Intentó suicidarse pero fue salvado gracias a una traqueotomía. Estas anécdotas y otras similares no esconden su enorme talla musica.

Stan Getz se muere. Estamos en Copenhague en marzo de 1991. La vida del gran saxofonista se extingue poco a poco. Él sabe que su fin está próximo y decide un lugar muy querido para despedirse, el Club Montmartre de la capital danesa. Junto a él, el pianista Kenny Barron pero esa noche también, muy cerca, una enfermera pendiente del fatal e inevitable desenlace. Ese adiós emocionado es un concierto memorable ante un público entregado aque nunca lo olvidará. Afortunadamente, el evento se grabó y tomó forma de disco, el famoso People Time, uno de cuyos vídeos podéis ver a continuación.



viernes, 23 de marzo de 2012

Jacques Loussier

Luces apagadas
un sofá
una copa
un cigarrito
media hora libre
un piano
Jacques Loussier
Erik Satie
Gnossiennes


jueves, 22 de marzo de 2012

Bobby Hutcherson

Escuchar al vibrafonista, Milt Jackson, miembro fundador del magnifico grupo "The Modern Jazz Quartet" despertó en Bobby Hutcherson (Los Ángeles, 1941) la pasión por el jazz y en particular por el vibráfono, instrumento del que se ha consagrado como un verdadero especialista. Antes había estudiado piano conducido por su hermano quien había tocado con Dexter Gordon y Eric Dolphy. Su primer trabajo serio fue en 1960 con Curtis Amy y Charles Lloyd en California justo antes de llegar a New York en 1960. Nada mas llegar pudo tocar con el grupo de Al Grey, en el mítico club "Birdland" y el sello Blue Note, interesado como siempre en los músicos de calidad, le firmó un contrato para grabar discos siendo el primero de ellos editado en 1965 bajo el titulo de "Dialogue" un álbum que llegó a ser destacado como uno de los discos de la década por la prestigiosa revista, "Down Beat". La relación de Bobby Hutcherson, con Blue Note, duró hasta 1977 de forma ininterrumpida grabando cerca de una veintena de discos. Tuvo asimismo la oportunidad de grabar con artistas del sello una serie de discos espléndidos y sobre todo estuvo junto a Eric Dolphy en la grabación de una obra maestra del jazz moderno titulada "Out to Lunch" en 1964. Años mas tarde, Hutcherson formó su propio grupo, utilizando para el jazz la marimba y asumiendo un enfoque mas convencional en el que la delicadeza del detalle trascendía su repertorio. En el quinteto que formó con Woody Shaw, como principal instrumentista, se presentó en el Festival de jazz de Montreux (Live in Montreux, 1974). Ficha por el sello Columbia donde graba dos discos en 1978 y 1979 y todavía hoy permanece en activo. 

miércoles, 21 de marzo de 2012

Eddie Higgins

Hay músicos que pasan desapercibidos en las enciclopedias del jazz al quedar eclipsados por quienes realmente alcanzaron la cima del éxito y monopolizaron la atención de los amantes del género. 
Éste sería el caso de un pianista de jazz, compositor y orquestador con un fraseo en sus dedos muy en la línea de Teddy Wilson. Se trata de Eddie Higgins (nacido en Febrero de 1932 en Cambridge, Nueva Inglaterra y afincado el Chicago, Illinois), un pianista elegante donde los haya, exquisito, sofisticado e injustamente tildado por algunos críticos puristas de “simple músico de piano jazz bar” por no saber ni querer captar la genialidad que subyacía en la técnica con la que Higgins ejecutó sus reflexivas baladas y la magistral lectura que hizo de los mas conocidos temas que han alcanzado la categoría de standards del jazz. En un intento de rememorar la figura de Higgins, destaquemos que su época mas gloriosa tal vez fuera la que durante los años cincuenta y sesenta se dedicó a tocar con su trío en el “London House Restaurant” de Chicago, un club de jazz ubicado en la esquina entre Wacker Drive y Michigan Avenue donde tambien se dejaron ver por temporadas algunas celebridades como Oscar Peterson, Ramsey Lewis, Dave Brubeck, Erroll Garner, George Shearing, Ahmad Jamal y muchos otros mas. Como curiosidad, constataré que el mítico club cerró en la década de 1970 para mas tarde convertirse en un Burguer King. Durante su larga estancia en Chicago, Higgins grabó un considerable número de discos tanto en solitario como con su trío o quinteto o también acompañando a músicos de muy diferentes estilos como Coleman Hawkins, Wayne Shorter, Bobby Lewis o Al Grey. También orquestó diversos proyectos, propios y ajenos, que igualmente llegaron al vinilo. A partir de los años ochenta, Eddie Higgins hizo varios circuitos al ser invitado a festivales jazzísticos en Europa y Japón, país este último donde sus lanzamientos lo convirtieron en número uno de ventas.

Hoy que hemos comenzado la primavera, os dejo este tema "You Must Believe In Spring", cuyo título esperanzador falta nos hace con la que está cayendo....


martes, 20 de marzo de 2012

Hampton Hawes

El pianista y compositor, Hampton Hawes se acercó a la música a través de la iglesia escuchando gospel junto a su padre, pastor de la iglesia baptista de su ciudad. Una hermana suya diez años mayor que él, le enseñó el manejo del piano y a los 16 años ya obtuvo el carnet profesional de músico. En 1946, al tiempo que terminaba sus estudios en la Polytecnic High School de Los Ángeles, ya obtuvo su primer contrato en la orquesta de Jay McNeely y a los 19 años tuvo una experiencia inolvidable cuando se encontró tocando con Charlie Parker y Howard McGhee que estaban de gira en Los Ángeles. A partir de aquélla experiencia se empeñó en adaptar su forma de tocar al piano a como lo hacía Bird en el saxo alto. Meses mas tarde entraría en la orquesta de Wardell Gray un saxofonista tenor extraordinario, tocaría también con Red Norvo, Dexter Gordon y Teddy Edwards. Durante un concierto fue escuchado por Shorty Rogers quien le llamó en 1952 para grabar el primer disco de los "Giants" y con los "Howeard Rumsey's All Stars" en el club "Hermosa Beach Lighthouse". Entre 1952 y 1955 hizo el servicio militar y tras licenciarse formó un trío que siguió unido durante muchos años y con el que grabó extraordinarios discos; sus acompañantes eran, Red Mitchell al bajo y Chuck Thompson a la batería. Sus trabajos en aquellos años de este excepcional trío para el sello Contemporary fueron el momento culminante de su carrera y de su creatividad. En 1956 y tras los éxitos de esas grabaciones, la revista "Down Beat" le nombró el mejor "New Stars" del año y a partir de ahí le llovieron los contratos, giras y actuaciones por todo el mundo. En 1956 contrató al guitarrista Jim Hall, con quien también grabaría unas extraordinarias sesiones. Años mas tarde y también para Contemporary grabó junto a Barney Kessell y Shelly Manne. En 1957 viajó al Este del país y encontró a Paul Chambers y a Oscar Petifford actuando juntos en varias ocasiones. En 1964 estuvo actuando varias semanas en el Bassin Street Wes de San Francisco y tras varios años grabando incesantemente viajó por fin a Europa en 1971 con un nuevo trío actuando en el Festival de jazz de Niza y Montreux aunque de manera progresiva fue dejando el sonido propio de los boppers para introducir en su repertorio la moda de la electrificación de los instrumentos. En sus primeros veinte años de carrera, Hampton Hawes llevó al piano de jazz el desarrollo de los estilos creados por Bud Powell y Thelonious Monk considerándose ese periodo el mas importante de su carrera y por lo que pasó a la historia del jazz. 
Os dejo este documental de un concierto acompañado por Ray Brown (Contrabajo), Bob Cooper (Saxo) y Shelly Manne (Batería) en el mítico Shelly Manne Hole Club, propiedad del mismo percusionista.



lunes, 19 de marzo de 2012

Andreas Vollenweider

Andreas Vollenweider nace en Zúrich, el 4 de octubre de 1953. 
Es un músico suizo cuya música está considerada dentro de los siguientes géneros: world music, jazz, new age o incluso música clásica. 
Dos de sus álbumes alcanzaron el número uno simultáneamente en las categorías de clásica, jazz y pop durante varias semanas. 
Su principal instrumento es el arpa eléctricamente modificada con un diseño propio, pero también toca otros instrumentos. 
Sus composiciones y música son principalmente instrumentales. Su música se ha utilizado en todo el mundo sea para comerciales o sport de tv, documentales, etc. Canal 2 de Televisa México utilizó durante varios años temas para ilustrar costumbres e identidad de México en diversos videos durante mediados de los años 80. 
Políticamente, Andreas Vollenweider es un convencido pacifista, seguidor de los principios de "no violencia" encabezados por Gandhi, entre otros. En su website difunde ideas contrarias a la pasada guerra en Irak. 

domingo, 18 de marzo de 2012

Ella ¿Quién si no?

Si alguien no brasileño ha cantado samba y bossa nova aportando cosas positivas en sus versiones, ha sido sin duda la gran Ella Fitzgerald, escuchad si no éste extraordinario medley con la celebérrima "Garota de Ipanema".


sábado, 17 de marzo de 2012

Egilsson, Pederson & Darling - Live In Vienna

Hoy toca sesión de graves en Viena para amantes del contrabajo con calma y tiempo a cargo de los virtuosos NHOP, Arni Egilsson y Wayne Darling .


viernes, 16 de marzo de 2012

Benny Carter

Benny Carter, saxofonista alto, arreglista y compositor, ha desarrollado una de las carreras mas gratificantes del mundo del jazz. Ya con sólo 16 años, atrajo la atención del público en 1923 cuando tocaba y actuaba en bandas de New York. Con mas de noventa años cumplidos, Benny Carter, ha estado tocando en clubes, festivales y encuentros jazzisticos hasta hace muy poco. Músico polifacético, dotado de una gran técnica y dominador de varios instrumentos, ya fue en la época del swing un extraordinario arreglista y compositor. Su orquesta, en el periodo mas brillante del swing, fue sin duda un punto de referencia indiscutible en la historia del jazz. Adoptó como instrumento preferido el saxo alto y fue junto al excepcional, Johnny Hodges, el punto de referencia antes de la aparición en escena del genial, Charlie Parker. Entre 1923 y 1928, tocó en numerosas bandas en Harlem y ya en 1929, formaba parte de la orquesta de Fletcher Henderson, donde se encargaba magistralmente de los arreglos. En 1932, formó su propia orquesta por donde pasaron, ni mas ni menos que: Ben Webster, Teddy Wilson, Big Sid Catlett o Chu Berry. En 1934 viajó por primera vez a Europa ya consolidado como un excelente músico y actuó en Londres, Paris y Escandinavia. Regresó a los EE.UU., en 1938 y su banda estuvo tocando en el Savoy Ballroom hasta 1940 cuando llegó la declive de las big bands. Durante la década de los cincuenta, participó en numerosos espectáculos y conciertos por todo el mundo de la mano del JATP del empresario Norman Granz. Sus grabaciones en Europa y en los Estados Unidos son un testimonio inigualable del arte musical de un músico que puede ser considerado sin ninguna duda, como uno de los grandes maestros del jazz. Poseía un tono musical arrebatadoramente denso, un impecable sentido del ritmo y un fraseo excepcional y sus últimos años de actividad, los dedicó a la educación musical en la Universidad de Princenton. Benny Carter, falleció el 13 de julio de 2003, en un Hospital de Los Ángeles.
Os dejo una versión del clásico "Body and Soul" actuando en Montreux 1977en la que toca trompeta y saxo y está acompañado de Ray Bryant al piano, Niels Pedersen al contrabajo y - Jimmie Smith a la batería.


jueves, 15 de marzo de 2012

David Fiuczynski

Nacido en Newark (New Jersey) en 1964, David, también conocido como Fuze, es un guitarrista de jazz-rock iconoclasta y prolífico, aclamado por la prensa mundial como el héroe de la guitarra inventiva, inclasificable, desafiante y estimulante. En 1994 se inició en el mundo del jazz de fusión en colaboración con el teclista John Medeski, en el álbum de referencia, Lunar Crush, escogido por la revista Guitar Player’s como uno de los álbumes más influyentes de los últimos treinta años. También se convirtió en el guitarrista de Meshell Ndegéocello y tuvo un lugar destacado en sus dos primeros álbumes, con sendas nominaciones a los Grammys. Otros proyectos Creó la banda de jazz-funk-punk Screaming Headless Torsos, que debutó con el disco homónimo en 1996 y en total han editado ya cuatro discos. Las grabaciones de David en solitario son una mezcla de tradición experimental con sonidos y ritmos modernos, una mezcla de funk-rock-jazz, improvisaciones y músicas del mundo. Se caracteriza por su apasionados solos. Actualmente ejerce de profesor en el Berkelee College en Boston.

miércoles, 14 de marzo de 2012

Eva Cortés

Eva Cortés (Tegucigalpa, 1972) es una cantante y compositora hondureña de jazz. 
Se encuadra en el movimiento de la fusión, al incorporar a su música las influencias de la música tradional latinoamericana (tango, bolero), el blues, la música tradicional andaluza y el jazz. Canta con un español de cadencia latinoamericana y ecos andaluces. 
Eva Cortés nació en Tegucigalpa (Honduras), creció en Sevilla y reside actualmente entre Madrid y Paris. Se dio a conocer en el año 1980 tras grabar un álbum de canciones infantiles titulado 'Cosas de niños' junto a cantantes españoles como Ana Belén, Víctor Manuel y Miguel Bosé. En la actualidad, su música refleja las influencias recibidas de su mestizaje cultural, así como de los diferentes géneros musicales desarrollados a lo largo de su trayectoria como cantante. Durante su infancia, al crecer en una familia de gran tradición musical, estuvo expuesta a la música tradicional Latinoamericana. Sin embargo escuchamos en sus primeras composiciones a la edad de16 años, una fuerte influencia del blues. En enero de 2006 voló hasta Santiago de Chile para grabar y coproducir “Sola Contigo”, su primer álbum en solitario que fue mezclado y masterizado posteriormente en París. En dicho trabajo podemos encontrar ritmos Sudamericanos fusionados con el Jazz y con un suave toque proveniente del Sur de España. Eva se siente honrada por haber contado con la colaboración de músicos con una gran proyección y prestigio internacional en el jazz latino, en la música folclórica y en el flamenco: Jerry González, Antonio Serrano, Pepe Rivero y Nono García entre otros. En Abril de 2008 Eva graba su segundo trabajo “Como Agua entre los Dedos”. Para ello cuenta como trío base con Pepe Rivero como pianiasta y arreglista, Toño Martín al contrabajo y Mark Mondesir (músico de John McLaughlin) a la batería. Como invitados cuenta con Jerry González, Yadam, Piraña, Antonio Serrano, Manuel Machado y Bobby Martinez. “Como Agua entre los Dedos” es un álbum de temas originales compuestos en su mayoría por Eva Cortés, aunque también destacan en el dos adaptaciones al castellano de dos standards como son “You don’t know what love is”y “La Vie en Rose. Eva Cortés edita su tercer álbum “El Mar de Mi Vida” el 6 de Abril de 2010. Con su personal jazz fusión, ha conseguido hacerse un hueco entre las propuestas más interesantes y prometedoras del panorama jazzístico en español. “El Mar de Mi Vida” reúne 12 temas que resultan exponentes máximos del mestizaje cultural. Más jazz que nunca, no renuncia a sus raíces latinas, al blues o a sus influencias flamencas.Eva ha sabido rodearse siempre de músicos de primera fila y “El Mar de Mi Vida” no es una excepción. Cortés vuelve a contar con la colaboración de los cubanos Bobby Martínez y Manuel Machado, de uno de los percusionistas más importantes del mundo, Piraña, o del destacado armonicista Antonio Serrano (estos dos últimos acompañan actualmente a Paco de Lucía). En esta ocasión además, se unen el grande del flamenco Miguel Poveda en la versión del tema ”Cést si Bon”, Perico Sambeat, Lew Soloff (considerado uno de los trompetistas más brillantes de los últimos tiempos y que ha colaborado entre otros con Marianne Faithfull o Frank Sinatra), Santiago Cañadada, Rémy Decormeille, Georvis Pico, el bajista eléctrico del momento Hadrien Feraud y el batería inglés Mark Mondesir (ambos músicos de John McLaughlin). Eva firma una vez más la mayoría de los cortes y comparte autoría en un par de temas con el guitarrista brasileño Kiko Loureiro. Además encontramos temas como Alfonsina y el Mar (Ariel Ramirez-Felix Luna)Une chanson Douce (Henrie Salvador- Maurice Pon), C'est si Bon (André Hornez-Henri Betti) y Que reste-t-il de Nos Amours (Charles Trenet-Leo Chauliac). 


martes, 13 de marzo de 2012

1959 The Year that Changed Jazz For Ever

El gran año de la década de 1960, por lo menos para el jazz, fue 1959. Es decir, esa cierta idea de modernidad, de ruptura entendida como una de las bellas artes, y de vanguardia asociada al valor que sería, para siempre, el sello de la época, cristalizó ese año en algunos de los discos más importantes de todo el género. Un género, claro, inseparable de las nociones de cambio y originalidad, de sonido propio y de riesgo estético. Kind of Blue de Miles Davis (y con Bill Evans, John Coltrane y Canonball Adderley), Giant Steps de John Coltrane, dos de Charlie Mingus, Ah Um y Blues and Roots (que se editó en 1960), Pyramid del Modern Jazz Quartet, The Shape of Jazz to Come, de Ornette Coleman, y Time Out, del cuarteto de Dave Brubeck, son algunos de ellos.
Os dejo este documental producido por la BBC sobre el tema, si alguien lo tuviera en castellano......


lunes, 12 de marzo de 2012

Enrique "Mono" Villegas

Enrique Mono Villegas fue un pianista argentino de jazz. Nació en Buenos Aires el 3 de agosto de 1913, casualmente en la misma manzana que Adolfo Ábalos (1914, pianista folclórico) y Aníbal Troilo (bandoneonista de tango, 1914-1975). Falleció en la misma ciudad el 11 de julio de 1986.
Su padre fue dentista, escribano, abogado y después dejó todo para dedicarse a criar gallos de pelea. Su madre murió joven, de un ataque cerebral, cuando Enrique tenía seis meses. Como lo criaron unas tías, decía haber hecho “todo lo que se me dio la gana, toda mi vida”. El Mono creía que su vida había terminado a los 7 años. Desde entonces sólo se había dedicado a tocar el piano y a leer. A esa edad, ya tocaba Mozart correctamente. Fue anotado en el conservatorio al mismo tiempo que en el colegio primario. Su descubrimiento del jazz llegó poco después, a los nueve años; tenía mucha imaginación, que en el jazz es una materia prima imprescindible. El compositor Alberto Williams, que le permitió ejecutar todos los géneros, le brindó su primera instrucción musical. Esta formación sería importante para su futuro, ya que sus años tempranos lo encuentran incursionando en la música clásica, folclórica y en el tango. Estas raíces nunca dejarán de hacerse presentes aun cuando luego abrazara el jazz. Llegó hasta el cuarto año del Colegio Nacional Mariano Acosta donde dejaba las clases para ir a estudiar piano. Era “un tipo inteligente, músico de raza y de nacionalidad pianista”, decía de sí mismo. En 1932 estrenó el Concierto para piano y orquesta de Ravel, en el teatro Odeón de Buenos Aires. Por esa misma época descubrió a quien él reconoce como sus “maestros espirituales”: Art Tatum, Fats Waller, Duke Ellington y Louis Armstrong. Aunque luego incorporaría otras influencias (Thelonious Monk y Bill Evans, entre ellas), tanto su estilo como su repertorio quedarían marcados para siempre por la impronta de estos cuatro grandes. En 1932 estrena en el Consejo Nacional de Mujeres la versión original de la Rhapsody in blue de George Gershwin. Alrededor del año 1935 realizó su primer trabajo en el Alvear Palace y en radio El Mundo. En 1941 estrena de su Jazzeta, primer movimiento, con Carlos García de solista y los mejores músicos de jazz de ese momento. En 1943 forma el Santa Anita Sextet con Juan Salazar en trompeta, Chino Ibarra en saxo tenor, Panchito Cao en clarinete, Tito Krieg en bajo y Adolfo Castro en batería. En 1944 forma el combo Los Punteros, con Juan Salazar en trompeta, Bebe Eguía en saxo tenor, Jaime Rodríguez Anido en guitarra, Nene Nicolini en contrabajo y Pibe Poggi en batería. En 1949 ingresó como pianista para el dúo Martínez-Ledesma, en reemplazo de Horacio Salgán. Aprendió a tocar música criolla. En 1953 escribió la música para Un tranvía llamado deseo de Tennessee Williams, que estrenó en el teatro Casino la compañía de Mecha Ortiz. Grabó para discos Music Hall, música criolla con guitarra y bombo (zambas, chacareras, gato (mús, vidalas, etc., de los hermanos Ábalos) y temas de jazz con Méndez en contrabajo y Poggi en batería. Ganó la copa Mundo Radial como solista favorito del Bob Club, del cual fue socio fundador. En 1955 viajó a Nueva York donde grabó para Columbia Records con Milt Hilton en bajo y Cozy Cole en batería. Le propusieron entonces grabar temas del compositor cubano Ernesto Lecuona y él no aceptó. Se dedicó a mirar películas, a tocar en pequeños lugares y a frecuentar a los músicos jazzeros Cole Porter, Count Basie, Nat King Cole y Coleman Hawkins. En 1957, en Cleveland, escuchó por primera vez a Duke Ellington. “Gracias a él, empecé en el jazz”, decía. Y aseguraba sentirse identificado porque “jamás repetimos la música aunque toquemos los mismos temas. Estamos convencidos de que el jazz, como la conversación, debe ser espontáneo”. En 1958 tocó durante el Festival Casals en la Universidad de Río Piedras (Puerto Rico). En 1973 grabó el disco de sus 60 años en el Teatro Municipal General San Martín y en 1974 volvió a tocar la Rhapsody in blue en el club Vélez Sarsfield, ante 20 000 espectadores. En 1975 tocó en solo de piano un repertorio de jazz en el Teatro Colón de Buenos Aires. Hombre de una cultura rica y variada que abrevaba tanto en los libros como en la calle, Villegas cultivó amistades como los escritores Jorge Luis Borges y Macedonio Fernández, el pintor Xul Solar y el bandoneonista Astor Piazzolla, quien le dedicó el tema Villeguita. Contra lo que muchos suponen, su vida fue austera y ordenada. 
Os dejo esta enorme versión del tango "Caminito" .


domingo, 11 de marzo de 2012

Wolfgang Muthspiel


Wolfgang Muthspiel (2 de Marzo de 1965 en Judenburg, Styria) es un guitarrista y compositor austriaco de jazz hermano del pianista y trombonista Christian Muthspiel.
Os dejo un solo improvisado sobre el archiconocido tema de Thelonious Monk "Round Midnght".


sábado, 10 de marzo de 2012

Paolo Fresu, Dhafer Youssef & Eivind Aarset

Aquella compuesta por Paolo Fresu, Dhafer Youssef y Eivind Aarset es una sociedad que se formó seis años atrás en un festival Noruego, y que desde entonces ha emprendido un camino de búsqueda y afinidad hasta llegar a Latitudini, el homenaje que el trío ofrece a la "World Music" para la serie "Jazz Italiano Live 2008". Ocho momentos, casi todos originales, entre los cuales vale la pena remarcar: la ensoñadora "Nenia" y la espléndida "Tema dei Fiori e Del Pianto" de Fresu; la enigmática "Istanbulogna" del tunesino Youssef, y la transversal "Electromagnetic" de Aarset. El guitarrista noruego entrelaza los fondos, haciendo gran uso de la electrónica para las melodías suspendidas -por momentos al unísono, a veces distantes- de la trompeta insidiosa de Fresu y por el oud de Youssef: elemento esencial, junto a su voz, para descubrir secretos de la música del mundo. La llamada del "Concierto de Aranjuez" de Rodrigo y la revista de "My Man's Gone Now" de Gershwin hacen de marco a un cuadro de mil colores, dibujado por las manos sabias de tres músicos que no conocen el significado de la palabra "límite". 

viernes, 9 de marzo de 2012

Portico Quartet

Portico Quartet es una nueva banda con 4 años de recorrido que interpretan música enmarcada dentro del NuJazz electrónico; una mezcla de sonidos vanguardistas y bases rítmicas electrónicas que se está imponiendo a viejos formatos. En principio un grupo más dentro del sobrecargado panorama musical inglés. Pero tienen algo que les distingue, un estilo fresco que les hace sonar de una manera diferente. Sonidos orgánicos donde el nuevo instrumento de percusión llamado Hang está omnipresente. Las maderas en forma de saxo sobrevuelan una sección rítmica sólida y experimental. Lo que les da un sello personal difícil de conseguir en estos días. Pero lo más importante es que tocan agrupados como una verdadera banda, sin concesiones individuales.
Los componentes son Duncan Bellamy (batería), Milo Fitzpatrick (contrabajo), Nick Mulvey (hang y percusión) y Jack Wyllie (soprano, tenor saxo y electrónica).


jueves, 8 de marzo de 2012

Bud Shank

Los aficionados al jazz conocerán a este experto saxo tenor sobre todo por haber contribuido con su sonido etéreo y flotante al cool jazz que caracterizó al denominado jazz de la Costa Oeste (West Coast jazz), desarrollado en California en los años cincuenta. Pero el público más aficionado a los clásicos del pop enseguida sabrá quién es si decimos que con la flauta realizó la improvisación que suena en California dreamin' de The Mamas and the Papas. Bud Shank nació el 27 de mayo de 1926 en una granja de Dayton (Ohio) con el nombre de Clifford Everett Shank Junior. A los 10 años aprendió a tocar el clarinete tras escuchar en la radio a Benny Goodman y Artie Shaw. Dos años después comenzó con el saxo. Aunque estudió dos años en la Universidad de Carolina del Norte, la dejó en 1942 para viajar con una banda que se disolvió a las pocas semanas. Entonces probó suerte en Los Ángeles. Tras tocar con Stan Kenton, participó en las jam sessions del club California's Hermosa Beach Lighthouse, que llegaban a durar 12 horas seguidas. Pero Shank también se adelantó en 10 años a la fusión del jazz con la música brasileña que en los sesenta popularizarían Stan Getz o Charlie Bird. Fue cuando comenzó a tocar con el guitarrista brasileño Laurindo Almeida, que incorporó al jazz sus ritmos de baile y bossa nova. También tocó en los años sesenta con Sergio Mendes y con la estrella del sitar Ravi Shankar. Tuvo su época de trabajo en estudio -de entonces data su improvisación para The Mamas and the Papas-, y participó en la banda sonora de películas como Quiero vivir (1958), donde hacía un cameo durante los títulos de crédito tocando en un night-club. También en War Hunt (El que mató por placer, 1962), debut de Robert Redford, o Verano del 42 (1971). En 1986, Shank se concentró en su "verdadero amor", el saxo, al tiempo que su forma de tocar se volvía más fuerte e intensa. "Me he probado a mí mismo que no se puede ser dos personas a la vez", dijo en 2003, "no puedes ser el mejor saxo tenor y el mejor flautista por mucho que lo intentes". 
 LILA PÉREZ GIL (EL PAÍS)


miércoles, 7 de marzo de 2012

American Folk Blues Festival,

El blues nace cuando el negro se siente triste, cuando se encuentra lejos de su hogar, de su madre, de la mujer que ama. Entonces, el negro piensa en un tema o en un ritmo, coge el trombón, o el violín, o el banjo, o el clarinete o el tambor, y toca, rompe a cantar, o sencillamente baila. Y mediante el tema elegido, bucea en lo más profundo de su imaginación. Esto le disipa la tristeza, esto es el blues.
ERNEST ANSERMET, 1918


martes, 6 de marzo de 2012

Ambrose Akinmusire

Antes de cumplir 17 años, el trompetista Ambrose Akinmusire ya había compartido escenario con Joe Henderson, Joshua Redman o Steve Coleman. A los 25 ganó la Thelonious Monk International Jazz Competition —el jurado incluía a músicos como Quincy Jones o Roy Hargrove— y un año después, en 2008, publicó su primer disco como solista, Prelude to Cora (Fresh Sound), por el que recibió excelentes críticas.

En el último año ha tocado con artistas como Herbie Hancock o Wayne Shorter, y grabado con Vijay Iyer y Esperanza Spalding, entre otros, lo que no ha hecho sino estimular el desarrollo de un sonido propio e inconfundible. 

 

lunes, 5 de marzo de 2012

Harry Sweets Edison

Harry "Sweets" Edison, fue uno de los grandes trompetistas de la era del swing. Dotó su estilo con la trompeta de un lenguaje muy característico desde los primeros años de su carrera y desde entonces permaneció fiel a él. De padre negro y madre india, Edison, pasó sus primeros años en Kentucky y en los años veinte entró en contacto con el jazz a través de los discos de Louis Armstrong y de la cantante de blues, Bessie Smith. Regresó a su ciudad nata, Columbus en plena adolescencia y allí tuvo sus primeros escarceos con algunas bandas de música. En 1937 se unió a la banda de Count Basie que se había establecido en New York y en los pupitres de la orquesta se convirtió en una de las piezas importante de aquélla maquina del swing. Su permanencia con la orquesta de Count Basie, duró hasta 1950 cuando el pianista y líder disolvió su primera bigband. El productor y mecenas del jazz, Norman Granz, lo fichó para sus célebres giras con el JATP y como consecuencia grabó con abundancia para el sello Verve, bien en sesiones lideradas a su nombre o como acompañante de otros músicos. En los años cincuenta su participación era muy solicitada en numerosas colaboraciones en la Costa Oeste de los estados Unidos y en los últimos años de su carrera tenía un gran prestigio lo que le hizo participar en numerosos festivales de jazz por todo el mundo. También se prodigó en esos años en acompañar al saxofonista Eddie "Lockjaw" Davis y mas recientemente, en 1997, fue el director de un grupo musical formado por Flip Phillips y Harold Land. 

domingo, 4 de marzo de 2012

Mal Waldron

Fotomontaje:Gatopardo
El pianista Mal Waldron, aprende primero el saxo alto en 1943 y toca profesionalmente en New York con este instrumento en 1947. Estudia posteriormente piano y composición con Karol Rathaus en el Queens College y sus principios al teclado lo son en compañía de Big Nick Nicholas y Ike Quebec (1949-53). A continuación toca en diversas bandas de rhythm and blues. Se junta con Charles Mingus con quien permanece entre 1954 y 1957. Al mismo tiempo toca con Lucky Milinder, Lucky Thompson (1955) y Gigy Gryce (1956). En 1957, Billie Holiday lo elige como pianista acompañante y aprovecha los periodos vacacionales de la cantante para dirigir su propio grupo en el Five Spot. Actividad que continúa después de la muerte de Billie, en compañía de Eric Dolphy. Waldron también fue un excelente compositor, y firmó la música de algunas películas cuando se establece en Europa en junio de 1965, viviendo sucesivamente en Roma, Bolonia y Munich. Desde entonces, toca en Europa en varios contextos, mucho con Steve Lacy, uno de sus mejores amigos, regresando a Estados Unidos por cortos periodos. En los años ochenta se asocia especialmente con el saxofonista Marion Brown con quien graba "Song of Love and Regret" y "Much More", y a la cantante Jeanne Lee. Trabaja con ésta última a partir de 1994 y graba con ella un extraordinario disco titulado: "After Hours". Realiza una gira por Japón en 1995 para conmemorar el 50 aniversario de los trágicos bombardeos de Hiroshima y Nagasaki. Para celebrar sus 70 años, en septiembre de 1995, da una serie de conciertos en el Desingel International Art Center de Amberes, ocasión que aprovecha para tocar con el New York Trío y Steve Lacy, en dúo con Lee y con Max Roach. En 1997 Waldron toca en el Jazz Middelheim de Amberes con Andrew Cyrille, Reggie Workman, Joe Henderson, Jeanne Lee y Abbey Lincoln. En el 2000 realiza una gira europea para celebrar su setenta y cinco aniversario y graba un disco de homenaje a Thelonious Monk en un sexteto formado además de por el mismo, por Steve Lacy, Enrico Rava, Rosswell Rudd, Workman y Cyrille. Tras ofrecer varios conciertos en Brasil, en el Lincoln Center y en el Iridium de Nueva York, fue invitado a diversos festivales europeos con Jeanne Lee y la Orchesta Nacional de Jazz de Francia. Nuevamente toca con Max Roach en el Festival Internacional de Jazz de Montreal, y en el North Sea Jazz Festival. En el otoño de 2000 Mal Waldron hace otra gira europea con su trío y Jackie Mc Lean y un nuevo cuarteto con Sean Bergin. En el 2001 su destino es África del Sur y Japón, y de regreso a Europa falleció en Bruselas en diciembre de2002

El vídeo lo he tomado prestado de este extraordinario blog.



sábado, 3 de marzo de 2012

Kurt Rosenwikel

Kurt Rosenwinkel (28 de Octubre de 1970 em Filadelfia) es un guitarrista y teclista norteamericano afincado en Berlin donde ejerce de profesor y que se díó a conocer en los años 90.
Rosenwinkel pertenece a esa escena moderna que algunos tachan de fría, pero su calidad de heredero natural de la generación de Scofield, Metheny y Frisell le permite no solamente llenar escenarios. 

viernes, 2 de marzo de 2012

Tito Puente

Santos Colón Ernesto Antonio Puente (*Nueva York, 20 de abril de 1923 - † 31 de mayo del 2000), conocido como Tito Puente, fue un percusionista estadounidense de origen puertorriqueño intérprete de ritmos cubanos como Guaguancó, son, yambú, rumba, bolero, cha cha chá, bembé y columbia entre otros, que posteriormente se denominarían Mambo y en la era moderna se llamaría Salsa y jazz latino, de gran influencia en estos géneros. Sus padres puertorriqueños Don Ernest Puente y Doña Ercilia Puente, nacido en el vecindario conocido como El Barrio de Nueva York. A menudo es llamado el primer músico "puro" de salsa. Se le conoce por las composiciones únicas que ayudaron de sostener su carrera por más de 50 años. Gracias a su técnica en el manejo de la percusión fue conocido como «El Rey de los Timbales». Por estos años Tito tocaba en el Palladium que era la casa del mambo, y que junto a Machito y Tito Rodríguez hicieran conocido el mambo mundialmente. Tito casi le quita el título de Rey del Mambo al mismísimo Dámaso Pérez Prado, músico que colaboró mucho con Benny Moré, cantante y sonero cubano residente en México. Sin embargo, Puente no tocaba Mambo en general, pero en Nueva York siempre hubo confusión entre los ritmos cubanos. Durante los años 1950, la popularidad de Puente llegó a su mayor nivel y logró que la música cubana, como el mambo, el son y el cha cha cha llegara a una mayor audiencia. Luego incursionó en otros estilos como pop y bossa nova. Sus participaciones junto a la cantante cubana La Lupe con temas como: "Salve Plena" se hicieron muy conocidos en muchos países de raíz latina, pero su sonido inconfundible al interpretar los timbales lo hizo conocido a nivel mundial, eso mismo sucedió cuando Tito Puente toco en Japón, inspirando a una agrupación de músicos japoneses a interpretar el género salsa, hablaría de la Orquesta de la Luz. Su percepción del término Salsa no era muy aceptado por él ya que decía que Salsa era algo que se le echaba a la comida, pero es reconocido en este género por todos los conocedores del jazz y las músicas caribeñas o de origen Afro en latinoamerica y el mundo entero.

jueves, 1 de marzo de 2012

"Niño" Josele

Juan José "Niño Josele" Heredia (n. Almería, 1974) es un guitarrista flamenco. Hijo del Josele, cantaor almeriense, es descendiente de una larga dinastía de tocaores y cantaores almerienses, comenzó a despuntar a mediados de los años 1990, ganando en 1996 el Concurso de Jóvenes Intérpretes de la Bienal de Flamenco de Sevilla. Ha tocado en multitud de países y en compañía de músicos de todos los ámbitos, desde flamencos como Paco de Lucía,Montse Cortés, Duquende, Remedios Amaya, Pepe de Lucía, Enrique Morente o el Cigala, a intérpretes de talla internacional como Andrés Calamaro, Joan Manuel Serrat, Lenny Kravitz, Alicia Keys o Elton John. Con él han colaborado productores musicales como Javier Limón o Fernando Trueba. Fue nominado a los Premios Grammy Latinos 2010, por su disco Española.
Os dejo un  vídeo del clásico "My foolish heart".