miércoles, 30 de noviembre de 2011

Radka Toneff

Ellen Radka Toneff 25.06.1952 - 21.10.1982. Radka fue una  cantante, pianista y compositora de jazz noruego-búlgara que a pesar de su corta vida dejó un importante rastro en la vanguardia del jazz europeo. 
Os dejo este vídeo en el que interpreta el tema de Ornette Coleman "Lonely Woman".

martes, 29 de noviembre de 2011

Wes Montgomery in Holland


Nadie parecía capaz de tocar con su elocuencia, su naturalidad, su facilidad. Bajo su nombre, Wes Montgomery grabó abundantemente durante diez años, entre 1958 y hasta pocos días antes de su inesperado ataque al corazón, en 1968.
Os dejo este peculiar vídeo en el que toca de manera relajada.



domingo, 27 de noviembre de 2011

Billie Holiday Última parte "God bless the child"


El 11 de Julio de 1959, el corazón de Billie empezó a fallar y murió la madrugada del 17 de julio. Todos coincidían en que últimamente se sentía mejor, pero algo se rompió en ella. Bromeaba refiriéndose a que volvía a enfrentarse a la misma rutina del poli bueno y del poli malo, pero tal vez fue la amenaza de una pena de prisión lo que incidió más el empeoramiento súbito en el hospital, más que la cirrosis hepática, más que el fallo renal, más que otras complicaciones médicas que figuran en el certificado de defunción.


sábado, 26 de noviembre de 2011

Billie Holiday Cuarta parte "Tenderly"


Me explicó que cuando se casó lo que más deseaba era tener hijos, y que a veces se quedaba en la cama con los pies en alto después de hacer el amor porque pensaba que aquella postura podía contribuir al embarazo.

viernes, 25 de noviembre de 2011

Billie Holiday Tercera parte "Lover Man"


Billie y Lester hicieron un buen número de grabaciones en las que se puede apreciar el grado de intimidad que alcanzaban voz y saxo a la hora de trabajar. Nunca fueron amantes; la suya era era más bien una relación de hermanos con mucho en común. Sus miedos eran los mismos, y ambos tenían problemas de confianza y necesitaban recurrir a las drogas y a la bebida para mantenerse al margen del mundo; también eran de una generosidad extraordinaria y no tenían el más mínimo sentido empresarial.

jueves, 24 de noviembre de 2011

Paul Motian RIP

Muere el baterista de jazz Paul Motian, miembro clave de una generación irrepetible.

Fue el tercer hombre del trío de Bill Evans, a quien conoció en 1955 en el seno de la banda de Jerry Wald (por mucho en que muchos se empeñen en fechar su mágico encuentro años después). Volvió a coincidir con Evans a las órdenes de otro visionario, el pianista, compositor y arreglista George Russell, antes de formar uno de los tríos de piano más famosos –y tal vez el más influyente– de la historia. En dicha formación, Evans y Scott LaFaro no fueron los únicos que reinventaron su respectivo instrumento.

Pero Motian no se quedó allí, siguió adelante tocando en casi cada corriente que ha dado el jazz, desde la tradición a la improvisación libre más extrema, sin renunciar a seguir creando música honesta y comprometida hasta este mismo año. Podemos encontrarle en la Liberation Music Orchestra de Charlie Haden y Carla Bley, en los primeros y más importantes grupos de Keith Jarrett, en grabaciones imprescindibles de Joe Lovano, Geri Allen, Marilyn Crispell, Paul Bley o el propio Haden y, muy especialmente, en varias decenas de sus grabaciones como líder, entre las que se cuentan un buen puñado de obras maestras.

EL PAÍS.com


miércoles, 23 de noviembre de 2011

Billie Holiday Segunda parte "My man"

Billie nunca tuvo un séquito. La mayoría de las cantantes tienen una corte de mujeres que las acompañan y se encargan del vestuario y la peluquería. Las únicas personas que seguían a Billie eran los tipos que iban a verla eran los camellos y los yonquis.

martes, 22 de noviembre de 2011

Billie Holiday Primera parte "I'm a fool to want you"

Tony Scott explicó cómo se debía escuchar y valorar las cualidades de Billie a través del siguiente ejemplo: "Cuando Ella (Fitzgerald) canta "My man he's left me" ves a un tipo que se ha ido a comprar pan, cuando lo canta Lady Day ves al tipo calle abajo con sus bártulos, y sabes que nunca volverá.

lunes, 21 de noviembre de 2011

Dino Saluzzi & Modernist Cuisine

Timoteo "Dino" Saluzzi (n. 20 de mayo de 1935; Campo Santo (Ingenio San Isidro), provincia de Salta), es un músico y compositor argentino.
Hijo del popular compositor e instrumentalista carpero Cayetano Saluzzi, Dino tocaba el bandoneón desde su niñez. Además de su padre, recibió influencias de músicos salteños como Cuchi Leguizamón, y  la música de tango de Francisco de Caro y de Agustín Bardi.
Desde su juventud, Saluzzi vivió en Buenos Aires, tocando en la Orquesta de Radio El Mundo. Se ganaba la vida en orquestas, haciendo pequeños ingresos en ensambles de jazz (incluyendo un breve paso por el grupo del Gato Barbieri), desarrollando un personal estilo que hizo que fuera líder bandoneonista del folclore argentino músico avant-garde (especialmente con Astor Piazzolla).
Os dejo una versión del clásico "My One and Only Love" acompañado del bajista sueco Anders Jormin.





Técnicas rompedoras utilizadas por los mejores chefs del mundo


Una revolución está en marcha en el arte de la cocina. Al igual que el impresionismo francés rompió con siglos de tradición artística, en los últimos años la cocina modernista ha franqueado los límites de las artes culinarias. Tomando prestadas técnicas de laboratorio, los chefs de santuarios gastronómicos mundialmente reconocidos, como elBulli, The Fat Duck, Alinea y wd~50, han abierto sus cocinas a la ciencia y a la innovación tecnológica incorporando estos campos de conocimiento al genio creativo de la elaboración de alimentos.

En Modernist Cuisine: El arte y la ciencia de la cocina, Nathan Myhrvold, Chris Young y Maxime Bilet —científicos, creadores y reconocidos cocineros— revelan a lo largo de estos seis volúmenes, de 2.440 páginas en total, unas técnicas culinarias que se inspiran en la ciencia y van de lo insospechado a lo sublime. Las 20 personas que componen el equipo de The Cooking Lab han conseguido nuevos y asombrosos sabores y texturas con utensilios como el baño María, los homogeneizadores y las centrífugas e ingredientes como los hidrocoloides, los emulsionantes y las enzimas. Modernist Cuisine es una obra destinada a reinventar la cocina.

¿Cómo se hace una tortilla ligera y tierna por fuera pero sabrosa y cremosa por dentro? ¿O patatas fritas esponjosas por dentro y crujientes por fuera? Imagínese poder envolver un mejillón con una esfera de gelatina de su propio jugo, dulce y salado a la vez. O preparar una mantequilla solo a base de pistachos, fina y homogénea. Modernist Cuisine explica todas estas técnicas y le guía paso a paso con ilustraciones. La ciencia y la tecnología de la gastronomía cobran vida en miles de fotografías y diagramas originales. Las técnicas fotográficas más novedosas e impresionantes permiten al lector introducirse en los alimentos para ver toda la cocina en acción, desde las fibras microscópicas de un trozo de carne hasta la sección transversal de una barbacoa Weber. La experiencia de comer y cocinar bajo una perspectiva completamente nueva. 

Una muestra de lo que va a descubrir:

* Por qué sumergir los alimentos en agua helada no detiene el proceso de cocción

* Cuándo cocer en agua es más rápido que al vapor

* Por qué subir la parrilla no reduce el calor

* Por qué el horneado es principalmente un proceso de secado

* Por qué los alimentos fritos se doran mejor y saben más si el aceite se ha utilizado previamente

* Cómo pueden las modernas técnicas de cocina conseguir resultados perfectos sin el tiempo exacto o la buena suerte que requieren los métodos tradicionales 

Incluye aspectos cruciales como:

* Los sorprendentes principios científicos que encierran los métodos tradicionales de preparación de los alimentos, como asar, ahumar y saltear

* La guía más completa publicada hasta la fecha sobre la cocina al vacío, con las mejores opciones para baños María, materiales de envasado y equipos de sellado, estrategias de cocción y consejos para solucionar problemas 

* Más de 250 páginas sobre carnes, pescados y marisco y 130 páginas sobre frutas, verduras y cereales, incluidas cientos de recetas paramétricas y técnicas paso a paso

* Extensos capítulos que explican cómo obtener conseguir resultados increíbles utilizando modernos espesantes, geles, emulsiones y espumas, incluidas recetas de muestra y muchas fórmulas

* Más de 300 páginas de nuevas recetas con presentaciones listas para servirse en restaurantes de alta cocina, además de recetas adaptadas de grandes chefs como Grant Achatz, Ferran Adrià, Heston Blumenthal, David Chang, Wylie Dufresne y David Kinch, entre otros.


Este libro está dirigido especialmente a algunos de los visitantes de este blog, que representan el freno más inquisidor al progreso culinario.



domingo, 20 de noviembre de 2011

George Van Eps

George Abel Van Eps (* 7. Agosto 1913 Plainfield, New Jersey; † 29. Noviembre 1998 en Newport Beach, California) fue un guitarrista de jazz norteamericano conocido por ser el creador de una guitarra de 7 cuerdas (1 de bajo para acompañar los solos).


viernes, 18 de noviembre de 2011

Albert & Gene Ammons

Los padres de Albert Ammons, eran pianistas y a los diez años lo iniciaron en el instrumento. Poco después de la Primera Guerra Mundial aprendió a tocar blues escuchando las grabaciones de pianista famosos de la época como Jimmy Yancey o Hersal Thomas quienes resultaron para él una gran motivación. Desde los años veinte tocó en clubes locales y por razones económicas trabajó como taxista en le época de la Gran Depresión del 29. En 1934 formó su propia banda, los Rhythm Kings, para tocar en el club De Lisa y dos años después inició su carrera discográfica con la grabación de "Boogie-Woogie Stomp", uno de los temas emblemáticos de ese estilo de música.

Su período más exitoso se inició gracias a su participación en el concierto From Spiritual to Swing organizado por el productor John Hammond y celebrado en el famoso Carnegie Hall de New York en 1938. Al año siguiente repitió actuación, esta vez acompañando al bluesman Big Bill Broonzy. Su carrera musical continuo alternando sus trabajos en la Gran manzana con giras por todo el país, varias de ellas a dúo con Pete Johnson. En el mejor momento de su carrera sufrió una parálisis de sus dos manos, pero en 1944, ya recuperado, reformaría sus Rhythm Kings. Sus últimos años transcurrieron en su ciudad natal donde falleció victima del alcohol.



Hijo de Albert Ammons, famoso pianista de Chicago, Eugene Ammons, fue educado dese pequeño por el amor a la música. Estudió en el Instituto Dusable de Chicago con una beca otorgada por la fundación "Captain Walter Dyett".

Ya a los dieciocho años, Gene Ammons, estaba preparado para iniciar su carrera musical de la mano del director de orquesta, King Kolax. Ese paso fue el trampolín para ingresar en la banda del cantante, Billy Eckstine, un autentico vivero para los músicos del bebop, estilo emergente por aquélla época. Influenciado por los dos grandes saxofonistas del momento: Lester Young y Coleman Hawkins. Gene Ammons, sustituyó en 1949 a Stan Getz, en la orquesta del maestro, Woody Herman, lo que contribuyó notablemente, a que la fama de la orquesta le rozara a el.

En 1950, Ammons, formó un grupo con el también saxofonista, Sonny Stitt, contribuyendo a lanzar la moda del "tenor duro". Justo cuando comenzaba a recoger los frutos de su nuevo estilo de tocar, Ammons, fue encarcelado por consumo de drogas durante dos años (1958-1960) y poco después, una segunda condena de siete años (1962-1969), le separó definitivamente de la música. Deteriorado físicamente por el periodo carcelario y el consumo de heroína, una fatal neumonía acabó con su vida en 1974.

jueves, 17 de noviembre de 2011

Fred Hersch

CHEMA GARCÍA MARTÍNEZ - Madrid - 16/11/2011 EL PAÍS
"Sé que algunos me miran como un bicho raro. Me da igual lo que digan de mí: no soy raro. Soy un milagro". Hersch, de 56 años, tiene motivos para sentirse agradecido. Uno de los contados músicos de jazz en reconocer públicamente su condición de homosexual, en 1986 le fue diagnosticado sida. En 2008 años más tarde, el virus viajó hasta su cerebro: "Si solo hubiera acudido al hospital ocho horas más tarde no lo hubiera contado". En cuestión de minutos, Hersch entró en estado de demencia: "Estuve en coma durante dos meses, la mayor parte del tiempo, totalmente inconsciente. Tuvieron que atarme a la cama porque comencé a arrojar objetos, me pusieron metadona para tranquilizarme...".


miércoles, 16 de noviembre de 2011

Carla Bley

De nombre real, Carla Borg, esta excelente compositora, líder de orquesta y pianista, adoptó musicalmente hablando el apellido de su marido, el también excelente pianista, Paul Bley. Aprendió de niña piano y violín con su padre, que era profesor de piano y obtuvo una gran experiencia en las tareas de dirección musical cuando dirigía el coro de la Iglesia de su comunidad. Aprendió teoría y profundizó su técnica pianística siendo todavía adolescente antes de marcharse a New York en 1955, donde conoció al que fue su marido, el pianista canadiense, Paul Bley.

Alentada por este, Carla empezó a componer proporcionando al piano de Paul un material excelente que cambió el concepto y la capacidad de interpretar del pianista. Algunas de sus primeras composiciones, fueron utilizadas por el multiinstrumentista, Jimmy Giuffre del que Paul formaba parte a finales de los años sesenta. Carla Bley, fue miembro del malogrado grupo "Jazz Composers' Guild" formado en 1964 y con apenas un año de vida. El grupo lo dirigió Carla, con el trompetista/compositor, Mike Mantler.

Hacía 1967, desencantada con el camino tomado por la mayoría de los músicos representativos del freejazz, dirigió sus energías creativas a la música de libre inspiración: el resultado fue la aclamada obra "A Genuine Tong Funeral" encargada y grabada por Gary Burton, que obtuvo un enorme éxito con ella en 1967. Una parada obligatoria en su obra, es la "Escalator Over The Hill", una amalgama musical con letra de Paul Hines. Se publicó en 1973 y obtuvo varios e importantes galardones. En la actualidad, Carla Bley, sigue siendo una de las compositoras y arreglistas mas importantes del jazz moderno.
Os dejo este vídeo acompañada del bajista Steve Swallow.


martes, 15 de noviembre de 2011

Etta James

Como otras cantantes de su generación, Etta James (Los Ángeles, 1938) ha conseguido una popularidad que abarca mas allá del mundo afroamericano. Como Aretha Franklin y otras voces negras, Etta James da sus primeros pasos como cantante en el seno de la Iglesia Baptista, y el gospel y el soul son sus estilos primerizos.

En los años cincuenta viaja a San Francisco donde se enrola con Johnny Otis, quien la convierte en la vocalista de su banda. Allí estuvo hasta mediada la década de los sesenta consolidando su poderío en el rhythm and blues con exitos como "Good Rocking Daddy" o el excelente "Something's Got a Holdd On Me". El sello "Chess" le ayudó a consolidarse con algún que otro álbum de calidad como el grabado en 1961 titulado: "At Last", o el grabado en 1968 para el mismo sello, titulado: "Tell Mama". Tras el ocaso del rhythm and blues, Etta James trató de mantenerse en la lista de éxitos versionando en los años setenta temas de grupos pop como los "Eagles", pero ni era su estilo, ni tuvo fortuna en ese intento de encauzar su carrera en la música pop.

Sin embargo, esta magnifica cantante, poseedora de un tono de voz inmenso y de una fuerza escénica incomparable, recuperó a partir de la segunda mitad de la década de los ochenta su antiguo esplendor y en 1994, grabó un magnifico homenaje a la cantante, Billie Holiday en su disco para el sello "Private Music" titulado "Mystery Lady" y el mismo año, hizo un disco en directo en San Francisco, extraordinario.

En el año 2001, fue incorporada al prestigioso "Blues Hall of Fame", Olimpo simbólico y honorifico, donde están los mejores bluesman de los Estados Unidos.


lunes, 14 de noviembre de 2011

Rahsaan Roland Kirk

La figura de Rahsaan Roland Kirk (1936-1977) destacó siempre por su aparatosidad instrumental. Este magnifico multiinstrumentista, ya había experimentado en sus primeros años con la posibilidad de tocar dos saxos al mismo tiempo y no cejó en su empeño hasta que en una tienda de instrumentos musicales, adquirió un manzello y un stritch, variantes del saxo alto y el soprano con los que llegó a soplar tres saxos a la vez.

Inventivo, habilidoso y virtuoso con cualquier instrumento de viento, Roland Kirk -adoptó el nombre musulmán de Rahsaan, cuando se convirtió al Islam- tenía una gran técnica y creatividad. Consiguió sacar de sus instrumentos sonidos hasta entonces inexplorados por cualquier otro saxofonista. Su puesta en escena también era espectacular cuando ofrecía conciertos en directo. Solía salir al escenario con varias decenas de instrumentos de viento que de manera aleatoria e improvisada, combinaba a lo largo de su actuación.

Sus comienzos musicales estuvieron ligados al Rhythm and blues y con apenas quince años, ya tocaba en algunos grupos de su ciudad natal en Ohio. Su encuentro y colaboración con el maestro del contrabajo, Charles Mingus, le favoreció para darse a conocer y para adquirir musicalmente una sólida formación. Comenzó a grabar como líder de su propio grupo en 1960 con el álbum titulado: "Introducing Roland Kirk" para el sello Chess. Desde entonces su actividad discográfica fue enorme y grabó durante los años sesenta y setenta mas de una cincuentena de álbumes, algunos tan extraordinarios como el grabado en 1962 para Verve, titulado "Domino" un álbum que le abrió las puertas del éxito definitivamente.

Músico inclasificable y versátil, pero asociado siempre al jazz de vanguardia, Rahsaan Roland Kirk murió en 1977 cuando su música estaba plenamente identificada con el jazz moderno.



domingo, 13 de noviembre de 2011

Vijay Iyer & Rudresh Mahanthappa

El jazz es la única música, junto a la de la India, que corresponde a la gran ambición del surrealismo en la literatura, es decir la escritura automática, la inspiración total, no estar sometido a un discurso lógico sino más bien al que nace de las profundidades.
(Julio Cortázar)




Vijay Iyer es neoyorkino e hijo de inmigrantes de la India. La India de los indios de ahora… 
los de la vaca sagrada y no los del caballo loco.
Sus inicios fueron con el violín a los 3 años y a los 6 pasó al piano. áas tarde dejaría el violín ante la imposibilidad de tocar ambos al mismo tiempo. Iyer, según dicen, tiene un coeficiente intelectual  de… de… ¡un bocho, el tipo! Se doctoró en música y ciencia cognitiva, es un estupendo disertante en ciencia y en arte además de brillante físico. Como él mismo afirma: mi mujer tiene un físico excelente.
Sus influencias incluyen a Duke Ellington, Thelonius Monk, Andrew Hill y Cecyl Taylor. Pero también Iyer, estudió percusión del oeste africano y estructuras rítmicas del sur de la India. Esa orientación hacia el elemento rítmico se profundizó tras su paso por la banda de Steve Coleman. Ha tocado con George Lewis, David Wessel, Liberty Ellman, Elliot Humberto Kavee, Aaron Stewart, Wadada Leo Smith y Mike Ladd. Además de liderar la banda llamada Fieldwork.
Rudresh Mahanthappa (permítame que le diga Rudy) es una de las revelaciones en saxo alto. También descendiente de lndios de la Hindúa… de la India (¿dónde viven los hindúos?). Su último proyecto grupal es el cuarteto Mother Tongue, pero también ha colaborado con David Murray, Jack DeJohnette, Steve Coleman, Tim Hagans, Fareed Haque, David Liebman, Greg Osby, Howard Levy…
Es egresado del Berklee College of Music y obtuvo un master en DePaul University de Chicago… ¡grande Rudy!
Iyer y Rudy se conocieron en 1991 cuando ambos integraron la banda de Steve Coleman. Desde ese entonces han venido desarrollando un experimento en dueto con el nombre de Raw Materials. 



sábado, 12 de noviembre de 2011

La Baronesa del Jazz

La Baronesa Pannonica "Nica" de Koenigswarter (el 10 de diciembre de 1913 - el 30 de noviembre de 1988) era un entusiasta del jazz, del bebop y  miembro de la dinastía financiera internacional Rothschild. Kathleen Annie Pannonica Rothschild, era la hija de Charles Rothschild y de Rozsika Edle Rothschild. Nica trabajó para Charles de Gaulle durante la Segunda Guerra Mundial donde conocio y se casó con el famoso barón Jules de Koenigswarter –aviador, héroe de la Resistencia francesa y embajador en México en la posguerra–. El matrimonio no resultó por lo que se instaló a principios de los cincuenta en Nueva York.
La baronesa armó su centro de operaciones en un departamento del lujoso Hotel Stanhope. Se dedicó a patrocinar y escuchar a los mejores músicos de Jazz del momento, razón por la cual provocó el escándalo y la mirada recelosa de los recepcionistas del hotel, que no soportaban el desfile de extravagantes hombres de color y sus interminables "jam sessions fuera de todo horario y compostura. En ese departamento del 
hotel lujoso y con esa mujer solidaria por única compañía, murió Charlie Parker (tal y como lo relata la pelicula Bird de Cint Estwood). Después de la muerte de Parker, la gerencia le pidió irse, y se trasladó al hotel Bolivar.

Sin embargo la relación más importante de la baronesa con el jazz fué  con Thelonius Monk. Todo empezó cuando la pianista Mary Lou Williams les presentó en París mientras trabajaba en el "Salon du Jazz " y siendo amigos desde entonces,  patrocinándole en los E.E.U.U. Escribió las notas en 1962 de su discos y lo ayudó con los cargos, cuando la policía le detuvo con marihuana. Cuando Monk se retiró abruptamente de las actuaciones público y despúes de varios internamientos, se retiró a la casa de Nica en Weehawken, Nueva-Jersey y murió allí en 1982. Se dice que Monk se convirtio en su protegido, amigo, confidente y posiblemente amante

La Baronesa Nica de Koenigswarter murió en 1988 en la edad de 74, dejando cinco hijos, dos nietos y tres bisnietos.
Muchas piezas de Jazz llevan su nombre por título:

"Pannonica" de Thelonious Monk

"Nica's Tempo" de Gigi Gryce

"Nica" de Sonny Clark

"Nica's Dream" de Horace Silver

"Tonica" de Kenny Dorham

"Blues for Nica" de Kenny Drew

"Nica Steps Out" de Freddie Redd

"Inca"de Barry Harris

"Thelonica" de Tommy Flanagan

viernes, 11 de noviembre de 2011

Herbie Hancock & Céu

Es imposible hablar de Céu sin invocar los nombres de Astrud y Bebel Gilberto.

Sin embargo, aunque ella puede ser brasileña y está claramente influenciada por la samba y la bossa nova patrimonio indeleble asociado con la artista, CEU - Maria do Céu Whitaker Poças, dibuja su inspiración tanto de la vitalidad urbana moderna de la escena independiente de São Paulo, desarrollándo también la historia musical del Brasil sensual.
En el siguiente vídeo colabora nada menos que con Herbie Hancock.....

jueves, 10 de noviembre de 2011

Esperanza Spalding & Gretchen Parlato

Esperanza Spalding (Portland, 18 de octubre de 1984) es una cantante y bajista estadounidense de jazz ganadora del Premio Grammy a la Artista Revelacion del Año 2011.

Primeros años y formación
Spalding creció en el vecindario de King en Portland, que ella misma ha descrito como "ghetto" y "bastante peligroso". Su madre, que la crio a ella y a su hermano en solitario, era una mujer trabajadora e independiente.


Lo primero que uno nota de Gretchen Parlato es que se trata de una cantante con una conexión profunda, casi mágica, con la música, dice el legendario Herbie Hancock. “Se lo juega todo con su estilo apenas insinuado que, sin embargo, funciona. Cada nota es expresiva, poderosa y bella. Y lo que es más importante, su corazón está en el lugar correcto”. Gretchen Parlato trabaja actualmente en Nueva York, ciudad a la que llegó desde Los Ángeles en 2003, tras graduarse en el Thelonious Monk Institute of Jazz Performance, donde fue siempre la primera vocalista. Ganó el primer premio en la Thelonious Monk Jazz Vocals Competition en el 2004. Una simple nota de su exquisita voz calma y suaviza el ambiente de toda una habitación. Su fresco y airoso ritmo brasileño causa un efecto hipnótico en tus sentidos. Para Wayne Shorter Gretchen posee la pasión y el raro ingenio para recordar al más grande de los cantantes del siglo XX: “Creo que de una manera discreta, Gretchen Parlato sabe como tocar el mismo instrumento que Frank Sinatra tocaba,” dice Wayne.
Gretchen proviene de una familia de artistas de Los Ángeles, donde la creatividad y la expresión de la personalidad se alientan. Estudió en “Los Angeles County High School for the Arts”. “Fue un entorno impresionante”, dice Gretchen. “LACHSA alentaba la individualidad, la expresión y la comprensión. Cuando tenía 16 años fue seleccionada para un papel de solista en la ópera obra de John Cage “Retrospective al Moca”. Durante los años que estuvo en LACHSA, desarrolló su personal gusto por el jazz y la música brasileña. Su interés por los ritmos llevó a Gretchen a asistir a cursos de percusión africana en UCLA, obteniendo una licenciatura en Artes en Estudios de Jazz. Profundizó sus estudios de jazz con Kenny Burell, Gerald Wilson y Tierney Sutton y estudió realización de música y danza de Ghana con Kobla Ladzekpo.
En 2001, fue la primera vocalista en ser aceptada en Thelonious Monk Jazz Instituto donde Wayne Shorter, Terence Blanchard y Herbie Hancock fueron sus jueces.

martes, 8 de noviembre de 2011

Spyro Gyra

Spyro Gyra es una de esas formaciones de culto, que no pueden ni deben faltar entre la discoteca de un buen melómano, ya sea aficionado al jazz, o no.
Creados en 1974 por Jay Beckesnstein en Buffalo (USA), Spyro Gyra tiene una prolífica carrera de más de 30 años, en los que a través de su magnífica fusión de jazz, pop, y música latina, han conseguido ser un referente mundial en el denostado terreno del "Smooth jazz".
El nombre de la banda se debe al error cometido en la cartelería por el propietario del club, "Jack Daniels" de Buffalo, que cometió el error tipográfico de escribir "SPYRO GYRA", en lugar del "SPIROGYRA" original, para anunciar el primer concierto que el grupo ofreció en toda su carrera.



lunes, 7 de noviembre de 2011

Sidney Bechet

Como buen "criollo", Sidney Bechet, tenía el problema de ser demasiado blanco para los negros y demasiado negro para los blancos. Pero este músico de origen y formación autodidacta, nacido en New Orleáns, tenía con Louis Armstrong mucha mas relación que una simple vecindad. Bechet fue junto con Armstrong, el primer y gran solista del jazz tradicional. Séptimo hijo en su familia, Bechet empezó a practicar música un día con diez años, cuando en su casa se organizó una fiesta amenizada por la orquesta de Freddie Keppard. En una habitación anexa, y pensando que no lo oían, Bechet tocó la parte del clarinetista ausente en la orquesta y a partir de ahí, y viendo sus cualidades, el "oráculo" de clarinetistas de New Orleáns, lo acogió en su seno y todos se empeñaron en enseñarle la técnica del instrumento.

En 1913, se independizó de su familia y se traslado a Chicago ya con una bien ganada fama de músico autodidacta. Tocó con King Oliver, Roy Palmer y el ya citado, Freddie Keppard entre otros. El empresario, Will Marion Cook, lo llamó para que se uniera a la "Southern Syncopated Orchestra" que salía de gira hacía Europa. La acogida en el viejo continente fue tan entusiasta que no regresó hasta tres años mas tarde en 1922. De aquella estancia, Bechet se llevó a New York un nuevo instrumento adquirido en Londres y que posteriormente le daría singularidad y fama: el saxo soprano.

En la "gran manzana" abrió en la Avenida Lenox, el "Basha Club", colaboró con el pianista, James P. Johnson y con Duke Ellington y se unió en una decisión trascendental a la banda del pianista, Clarence Williams donde tocaba la corneta, Louis Armstrong. Tras un breve paréntesis en Europa entre 1926 y 1928, se enroló en New York con la orquesta de Ray Noble, donde conoció a su amigo, Tommy Ladnier. Estuvo hasta 1938 y esa estabilidad le proporcionó un mejor nivel de vida. Se casó, ganaba dinero y sólo faltaba el reconocimiento que no tenía entre el gran publico. Europa aparecía como una tabla de salvación , y el promotor francés, Charles Delaunay, le sirvió en bandeja la ocasión cuando le invitó a participar en un festival de jazz parisino en mayo de 1949. Tras un breve viaje de vuelta a Chicago para arreglar unos compromisos contractuales, Sidney Bechet se estableció definitivamente en Francia en 1951.

La estancia de Sidney Bechet, en Francia fue extraordinariamente fértil desde el punto de vista musical. Adorado por los aficionados galos, grabó multitud de discos para el sello Vogue, participó en varios conciertos en los mejores escenarios parisinos; viajó por toda centroeuropa y sólo una aciaga enfermedad pulmonar frenó aquella maravillosa etapa en su vida. Sidney Bechet, falleció el mismo día que cumplía 62 años. En la localidad de Juan-Les-Pins, hay un busto en su recuerdo y en Paris, existe una calle con su nombre que hace esquina con la Rue Armstrong, el único apellido ilustre que le pudo disputar el honor de ser el primer gran solista de la historia del jazz.


domingo, 6 de noviembre de 2011

Moebius trio

El pasado viernes tuve la suerte de poder asistir al concierto del grupo santanderino de jazz electrónico Moebius trio presentando su segundo disco ISO2, dentro de las actividades de la Fundación Caja Cantabria, en su nuevo espacio Casyc Up dedicado a creadores cántabros. En su constante búsqueda de nuevos sonidos, han dado en mi opinión, un nuevo y decidido paso vanguardista  sin perder un ápice de su sello original. 
Os dejo un magnífico vídeo del tema "Dadá is here" compuesto, como la mayor parte de los temas incluidos en el nuevo disco, por Javier San Miguel.


sábado, 5 de noviembre de 2011

Enrico Rava

Enrico Rava, (Trieste, 1939), empezó a estudiar piano apoyado por su madre y en 1953, empezó a practicar por su cuenta con el trombón en Turín, donde entró muy pronto a formar parte de un grupo de jazz tradicional. En 1956, después de asistir a un concierto en directo de Miles Davis, decidió abandonar el trombón y pasar a la trompeta y solo un año después empezó a tocar jazz moderno y participar en distintas jam sessions, especialmente con el grupo del pianista, Maurizio Lama. Es en cuarteto cuando graba su primer disco para la serie "Jazz in Italy", del sello Cetra.


En 1962 conoció a Gato Barbieri, el saxofonista argentino recién llegado Italia y con quien colaboró en varias ocasiones. Se trasladó a Roma para perfeccionar el estudio de la trompeta con Nino Culasso y en 1964 actuó en el club "Purgatorio" con el quinteto de Barbieri. Con la misma formación participó al año siguiente en la banda sonora de la película, "Una Bella Grinta" con música dirigida por Piero Umillani. En el Festival de Jazz de Bolonia de ese año, conoció a Don Cherry, quien le invita a grabar con él "Complete Comunnion" y también a Steve Lacy y Mal Waldron, con quienes grabó el álbum: "The Forest and theZoo". Realizo una gira por toda Italia y el saxofonista, Steve Lacy, le dio la oportunidad de entrar en su cuarteto, con quien estuvo hasta 1967, fecha en que se traslada a New York. Solo estuvo un año en la ciudad de los rascacielos y a su vuelta a Italia, ya con una formación mas acabada, intervendrá en el Primer "Laboratorio de música improvisada" celebrado en Europa en la localidad alemana de Bremen.

En 1971 decide saltar otra vez el charco y su estancia en los Estados Unidos, es mas provechosa que la vez anterior. Colaboró con la "Jazz Composers Orchestra Association" de Carla Bley y Miker Mantler, colaborando en el disco: "Escalator Over the Hilly". A partir de 1972, empezó por fin a trabajar con formaciones propias contando con John Abercrombie, Bruce Ditmas, y Jack DeJohnette, entre otros grandes músicos. Tocó con esas formaciones en el "Village Vanguard" y el "Village Gate" de New York; recorrió toda Norteamérica y también visitó y tocó en Argentina y Colombia (1976) y la revista Down Beat, le concedió un par de entrevistas. De vuelta a Europa a finales de 1976, Enrico Rava, salio de gira por Europa donde participa en numerosos seminarios, conciertos y festivales. En 1981, colaboró con la "Globe Unity Orchestra" de Alex von Schilippenbach, con la que llegó a visitar el Extremo Oriente en 1980. 

En sus mas de treinta años de carrera, Enrico Rava, ha participado en más de setenta grabaciones, de las que más de una veintena están a su nombre. Músico riguroso e instrumentista refinado, este poeta de la trompeta es, además, un compositor sensible extraordinariamente melódico, adscrito a la estética del jazz pero capaz de sonar en los mas diversos contextos y de hacer entroncar con su personalísimo estilo las influencias musicales más diversas, desde la tradición belcantista italiana, al tango argentino, el rock o el funk. La mayor parte de sus discos han sido editados por ECM, entre ellos el maravilloso: "The Pilgrim and the Stars". Fue galardonado recientemente con el más importante premio de Jazz que se concede en Europa, el JazzPar Prize en su edición de 2002, otorgado por un jurado internacional de especialistas en reconocimiento a toda su carrera artística.


Os dejo una melancólica versión de la archipopular "Torna a Surriento".


viernes, 4 de noviembre de 2011

Wadada Leo Smith

No es del tipo que pueda pasar desapercibido fácilmente. En realidad, resulta difícil no torcer la mirada ante el hombre de los sombreros imposibles y los venerables tirabuzones grisáceos: "Muchos piensan que soy un rastafari, pero no lo soy, aunque pueda parecerlo".
"La música de vanguardia se parece al marketing"
Hace nada, su nombre era un completo misterio, incluso entre muchos aficionados al jazz, "será porque que paso mucho tiempo dedicado a la enseñanza y, bueno, mi música tampoco suena todo los días por la radio". De un tiempo a esta parte, sin embargo, la leyenda del trompetista, compositor, filósofo y teórico -Smith es el inventor de un sistema de notación musical propio llamado Ankhrasmation- no ha hecho sino incrementarse. En ello, ha tenido que ver el irresistible poder de seducción de una música que termina convirtiendo inevitablemente al oyente en devoto de su causa: "La música debe ser verdad, sentimiento y experiencia. Todo lo demás son zarandajas".
Las raíces musicales de Wadada ("amor", en idioma amárico) Leo Smith se remontan a su niñez en Leland, una pequeña comunidad rural situada en la región del Delta del río Misisipi: "El Delta es conocido por ser la patria del blues, la música de metales, las paradas... la música está en todas partes. Le pongo un ejemplo: Cuando alguien se muda de casa, llaman a un saxofonista o a un trompetista para que expulse al viejo espíritu que la habitaba. Es lo que se llama una limpieza espiritual".
Antes de que pudiera darse cuenta, el joven tenía una trompeta entre sus manos: "A las pocas semanas fui a una biblioteca para ver lo que habían hecho los compositores famosos y me quedé de piedra: resulta que los compositores componen música. Pues va a resultar que soy un compositor".
Desde su California de adopción, el trompetista vuelve una y otra vez la vista al pasado: "En el pueblo donde crecí podías alzar la mirada por millas y no había más que tierra y un par de edificios planos. Cuando salías temprano por la mañana, veías el sol emergiendo desde la misma tierra. Yo solía sentarme en el porche a practicar la trompeta. Así aprendí cómo viaja el sonido por el espacio". En la música extraña y fascinante de Smith resulta imposible dilucidar dónde empieza la composición -el territorio conocido- y dónde la improvisación -lo desconocido-. "Yo me defino como un compositor-intérprete, alguien que no es ni lo uno ni lo otro, sino ambas cosas a la vez".
A Wadada Leo Smith se le sacan parecidos con Miles Davis y Don Cherry. El aludido, sin embargo, tiene otra opinión: "Si alguien me ha influenciado, ese es Ornette Coleman. Nuestras raíces son las mismas: el Misisipi, la música de raíz... la primera vez que escuché su música fue como si le conociera de toda la vida. Podría decir que el 60% de lo que soy se lo debo a él". Wadada se considera afortunado por haber contado con la influencia benefactora del padre del free jazz para mantenerle alejado de los peligros que, a su juicio, conlleva la práctica de la música: "El mayor peligro de tocar es que es muy fácil dejar el cerebro a un lado y concentrarte únicamente en las notas. Tienes que pensar la música. Ornette aplica su mente musical a todo lo que hace. Él me hizo entender que el arte tiene un valor en sí mismo. Da igual lo que los demás hagan, debes fiarte únicamente de lo que te dicta tu corazón".
En los años sesenta, Smith se unió a la corriente renovadora del Nuevo Jazz, junto a Ornette Coleman, Cecil Taylor, John Coltrane... "Se dice que todo salió poco menos que espontáneamente, sin embargo, éramos perfectamente conscientes de lo que nos traíamos entre manos. Había muy pocos entre nosotros que no fueran investigadores o lectores, gente inquieta". Para sus impulsores, quedaba claro que la Free Music era algo más que una música: "En un conjunto de música creativa todo el mundo comparte la responsabilidad de darle una forma a la interpretación. Por más que suene extraño, es un proceso muy parecido al marketing comercial. Las sorpresas que te puedes encontrar en el transcurso de una interpretación creativa tienen mucho que ver con el proceso de generar beneficios".

CHEMA GARCÍA MARTÍNEZ -  EL PAÍS

jueves, 3 de noviembre de 2011

Ornette Coleman

Ornette Coleman (Fort Worth-Texas 1930) soportó a finales de la década de los cincuenta las criticas mas feroces dirigida contra un músico de jazz en toda la historia. Fue acusado, ni más ni menos, de asesinar al jazz. Su delito fue haber grabado para el sello Contemporary, un par de discos bajo el patrocinio del productor, Lester Koening, que transgredía los espacios cerrados del jazz inmerso en un debate interiorista que a punto estuvo de reducirlo a cenizas.

En realidad, Ornette Coleman, agregó a su música la libertad intrínseca en el jazz, rompió moldes armónicos que establecía que la improvisación se establecía sobre los acordes y destrozó el concepto de la melodía usando sonoridades que hasta ése momento, solo merecían el despectivo calificativo de cacofonías; alteró la métrica rítmica, base canónica del jazz sin perder el swing (lo cual hasta ese momento parecía un contrasentido) y dejaba libertad para que sus músicos avanzaran por su cuenta sin mas norma que la atención a una suerte de comunidad emocional, aspecto este que llegaría al paroxismo en su disco: "Free Jazz" grabado para Atlantic.

Todo eso era demasiado pare servirlo en un mismo plato y las reacciones de la ortodoxia jazzistica fueron todavía mas airadas que las criticas recibidas por los boopers, de los clásicos del swing. Junto a Don Cherry, compañero de aventuras y desventuras, Ornette Coleman desarrolló una faceta de compositor de gran peso. Toda su escritura está marcada por el espíritu del blues y es en las baladas, donde su solvencia se hace mas patente. El disco cumbre de Ornette, titulado "The Shape of Jazz to Come" contiene precisamente una excepcional balada titulada, "Lonely Woman" que promueve un sentimiento de desolación total que contrasta con el resto de la música del disco que tiene un carácter mas bien burlón.

Los años 1959 y 1960, fueron sin duda los mejores años de la música de Ornette Coleman y el material grabado en esas fechas refleja una homogeneidad que solo puede venir de la convicción artística de un músico inmune al rechazo arbitrario de los demás.


miércoles, 2 de noviembre de 2011

Bill Wyman

El  bajista de The Rolling Stones, Bill Wyman, sorprendió en 1993 anunciando su marcha de la banda, si bien se había especulado con la ruptura del grupo por las diferencias entre Wyman, Richards y Jagger, procedentes del reclamo de la autoría del riff principal de Jumpin Jack Flash, uno de los himnos de los Stones, por parte del bajista. Antes de ese momento, Wyman fue uno de los miembros más longevos de la banda, formando parte de la misma durante 30 años, desde su nacimiento hasta su marcha por desavenencias con el duo Jagger/Richards. Previamente ya había formado parte, durante un pequeño espacio de tiempo, del grupo The Cliftons, donde además de tocar el bajo componía música para el piano y el clarinete, instrumentos que había tocado en su infancia. También es el momento en el que cambia su apellido por el de Wyman en recuerdo de un compañero de la Royal Air Force. Actualmente, realiza giras por Gran Bretaña con su actual grupo: The Rhythm Kings, mucho más acorde con su estilo musical que de The Rolling Stones, con cuyos miembros nunca tuvo una buena relación personal.
Se le achaca la frase "Dejé a los Rolling porque con 50 años, un montón de millones y cinco coches, me avergonzaba de seguir cantando "I can´t get no satisfaction".


martes, 1 de noviembre de 2011

Die Trauernde

"Die Trauernde" es una palabra alemana cuya traducción quiere decir más o menos "la que guarda luto, sufre, llora por uno o más seres desaparecidos", y que además es una estatura muy presente en los cementerios teutones. 
Este nombre sirve además para dar título a un tema de Branford Marsalis y Joey Calderazzo de su último disco "Songs of mirth and melancholy".